En el final de Cualquier hierro viejo de Anthony Burgess, el protagonista pierde el sentido del olfato y eso no es una desgracia: es la señal de que la buena suerte regresa a su vida, tras miles de contratiempos, en la peor parte del maloliente Siglo XX.

Esta breve introducción breve, es para contarles que cuando me presenté para concursar para la Beca de Crónicas viajeras de la Fundación Gabo, basé mi hipótesis en ir en busca de las almas que dejaron todo el éxito de las grandes ciudades para buscar en el anonimato, ser ellos mismos, es decir, reencontrase con su ser, recuperar ese olfato del que habla Burgess, en ciudades como La Travesía, San Javier y otras partes de Latinoamérica. La historia cerraba en el barrio Alberdi de la ciudad de Córdoba, con la actual pareja de Ricardo Curtet, el primer guitarrista de Sumo, que fue una de las principales declarantes en el juicio que llevó preso al ex genocida Luciano Benjamín Menéndez. Esas almas que la persiguen y que a la vez le dieron la protección para salir viva del infierno de haber estado en el campo de detención de La Perla, son las almas que quedaron entre esas paredes y no pudieron decir acá estamos en el día de hoy.

En el viaje de La Travesía, algo que realizo por segundo año consecutivo en mis vacaciones, iba pensando en encontrarme nuevamente con Rodrigo Sturtz, un cocinero que estaba trabajando en Café San Juan, uno de los restaurantes de alto prestigio en Capital Federal y lo dejó todo para irse a crear nuevos paladares con una comida rústica y sabrosa a esta ciudad que es turística pero que privilegia el silencio, su montaña, su paisaje y el calor de la gente para los visitantes que en su paso no intentan alterar la vida apacible que resguardan a rajatabla. En la Beca Gabo, no estaba Sturtz, sino Alejandro Digilio, uno de los primeros en nuestro país en hablar de comida molecular después de haber trabajado con Ferran Adrià Acosta, un cocinero español. Adrià fue chef y copropietario hasta 2011 del desaparecido restaurante español El Bulli en Barcelona. Más conocido en la zona como “Nitu”, fue uno de los que dejó su paso por cocinas con estrellas Michelín para refugiarse en esta parte de las serranías cordobesas para reencontrarse con el placer de levantarse y ver el paisaje natural que lo inspira a volver sobre las raíces, es decir, con los productos de la zona.

Siempre cuando uno viaja tiene que tener un playlist no solo en la cabeza sino también en el reproductor. Por eso, en cada lugar al que iba, siempre había música en mis oídos, a pesar de no tener auriculares ni elemento electrónico que la reproduzca.

María – Blondie

“Ella se mueve como si no le importara (She moves like she don’t care), Suave como la seda, fresca como el aire (Smooth as silk, cool as air)”, dicen las dos primeras líneas de la primera estrofa del tema de Blondie. En este caso, es María Da Silva, no es la persona en la que la vocalista Debbie Harry y el guitarrista Chris Stein, se inspiraron para hacer la letra.

María vende pollos de campo y a la vez prepara comida. Se instaló hace poco en La Travesía, tiene dos hijos y la particularidad que posee es que es brasilera. Su padre es brasilero y su madre era polaca. Creció en Colonia Puerto Mineral, un lugar ubicado a 300 kilómetros de Posadas, Misiones. A los 15 años, cuando falleció su mamá se fue a vivir a Buenos Aires y la educación que recibió hasta esa edad en el lugar dónde nació a través de una instructora ucraniana, le permitió sobrevivir, estudiar, aprender a cocinar y no caer en una red de trata ni en lugares peligrosos. Está felizmente casada desde hace años y en la actualidad su preocupación está dividida entre su emprendimiento y en que su hijo mayor siga con buenas notas en la carrera de ingeniería que está cursando en Río Cuarto, sin descuidar al otro, que todavía está en el secundario. Como dice María en su saludo final: “Bendiciones”.

Ocean Size – Jane’s Addiction

“He visto la ruptura del océano en la costa (I’ve seen the ocean break on the shore) Se reúnen con ningún daño (Come together with no harm done)”, canta Perry Farrell. En este caso, no se si Gabriel Goné, el actual enólogo en Araoz de Lamadrid vio la ruptura del océano, pero si observó como las dos mareas se reunían en el cielo para proveer de humedad a la vid que tenía la bodega en San Francisco, Estados Unidos, su anterior residencia, antes de instalarse en San Javier. Goné llegó a El Chulengo con tres personas más que trabajan con él, uno de ellos japonés, que está haciendo una pasantía en Araoz de Lamadrid para probar los platos que Rodrigo Sturtz les tenía preparados. En su mano poseía una botella de “Coraje”, un nuevo vino, es decir, una nueva etiqueta para degustar entre la gente que estaba invitada por el dueño del lugar. Sandra Peralta, editora en jefe de este sitio, fue una de las elegidas. Goné dio tips de lo que él considera los puntos clave que tiene que tener un buen enólogo, pero no quiso grabar la entrevista porque está esperando la Fiesta de la Vendimia, para después de ver ciertos rendimientos y logros, poder expresarlos. La sencillez y la pruducencia antes que hablar porque el aire es gratis.

My Brain Is Hanging Upside Down (Bonzo Goes to Bitburg) – Ramones

“Esta canción aparece en una escena clave de epifanía donde la banda formada por Dewey Finn y sus alumnos comienza a unirse y tomar forma”, dice la IA, cuando se busca datos sobre el film Escuela de Rock, dirigida por Richard Linklater. El personaje, protagonizado por Jack Black, arma en el pizarrón los diferentes pasos que tiene el rock y otros géneros y cómo los mismos se van deformando. Es decir: el punk también pasa a ser post punk, aparece el grunge, una reformulación del punk con el rock de la mano de Nirvana y así sucesivamente. Esta breve pero breve introducción sirve para entrar en las clases magistrales sobre coctelería, vermú, gin y espumantes de la mano de los propietarios de El Refuerzo, Tuut y sin contar los platos que hizo Rodrigo Sturtz para maridar las diferentes bebidas.

Acá no hizo falta beber en todos los bares para entender su política exterior, como dice una parte de la canción. Un solo lugar bastó para dialogar de temas tan diversos para terminar en Carl Gustav Jung  un médico psiquiatra, psicólogo y ensayista suizo. Y el filósofo alemán Arthur Schopenhauer.  “Somos comparsas del teatro del mundo”, afirmaba Jung, para significar que, si bien tenemos una vida propia y personal, somos también “representantes y víctimas de un espíritu colectivo”.  Esta idea de la existencia de un “inconsciente colectivo” que sería algo así como una conciencia universal de la que, por ende, participamos todos en tanto seres humanos, surgió a partir de sus extensos viajes por África del Norte. Por suerte a esta hora de la charla no sonaba “Inconsciente colectivo” de Charly García sino Dead Kennedys.

Kokomo – Beach Boys

“Delicias de la tarde (Afternoon delight). Cócteles y noches a la luz de la luna (Cocktails and moonlit nights)“, dice esta canción de los Beach Boys, que sirvió como banda de sonido de la película Cocktail, dirigida por Roger Donaldson y protagonizada por Tom Cruise. Si bien la película está rodada en Jamaica, uno de los lugares que cita el tema, la barra en la playa no difiere mucho a la estructura de la barra que tiene El Chulengo en La Travesía. Por eso, uno de los tragos que también se degustó fue un fernet de San Javier, cuya característica principal, además del sabor herbal que posee, es que en lugar de la bebida cola se usa agua tónica y limón. Rodrigo Sturtz, para la ocasión preparó unas batatas doble cocción, con huevos fritos y morcillas. Un plato para despabilar a las papilas gustativas que en ese momento estaban inflamadas de tantos sabores que nuestros sentidos no podían asimilar porque se necesita un proceso de maduración en el paladar para poder diferenciarlos. No obstante esto, el equipo de otrasyerbasrock.com, estuvo a la altura de las circunstancias, saliendo al escenario al mejor estilo Henry Rollins al frente de Black Flag. Es decir, a dejarlo todo sin vacilar.

Menos mal, que no nos tembló la pera, como se dice en el barrio, cuando Eloy Quintana, ex bajista de Fito Páez, conductor de “El Relato”, un programa que se emitía por Radio Universidad (103.3), de la ciudad de Rosario, expresó que estábamos lejos de un “No lugar”, refiriéndose al concepto creado por el antropólogo Marc Augé, en su obra de 1992 Los no lugares, espacios del anonimato: una antropología de la sobremodernidad. Para hacerlo más fácil y no andar con vueltas, el espacio intercambiable donde el ser humano permanece anónimo, donde cada persona con su subjetividad puede percibir un sitio dado como un no lugar o como una encrucijada de relaciones humanas.
Algo que totalmente difiere del concepto de El Chulengo, un sitio dónde tanto los parroquianos como los visitantes juegan de local y en algún momento lo toman como su segundo hogar, el lugar en el que encuentran alguien para dialogar y ser escuchados sobre diversos tópicos que pueden ir desde la música, pasando por el cine, el skate hasta llegar hasta este teórico francés fallecido el 24 de julio del 2023. Lo único que se comparte es la palabra encrucijada. Sólo los que posean la capacidad de dilucidar y de armar el tablero de ajedrez que se forma con los nombres de directores del séptimo arte, documentalistas de todos los estilos, líderes de bandas y otras yerbas, van a ser dignos de sentarse en la barra que se arma a modo de sobremesa.

Fernético, una propuesta de La Travesía

Siempre Sturtz tiene un olfato sobre las modas y tendencias, a pesar de ser punk, es decir, detesta todo lo establecido y siempre le busca una vuelta de tuerca, porque confía plenamente en su música, es decir, en su cocina. Por eso hablamos con él, para conocer su visión sobre las tendencias que existen en la actualidad en el mundo culinario y por sobre todo como ve esta moda del vermú, que está reemplazando a la de la cerveza artesanal. Como buen mago, que no saca conejos de la galera sino platos exquisitos de los chulengos que tiene para cocinar, nos contó una experiencia que tuvo ligada al vermú. Escuchá la nota y entérate.

Do You Remember Rock ’n’ Roll Radio? – Ramones

“¿Recuerdas a Murray el K (Do you remember Murray the K). Alan Freed, ¿y alta energía? (Alan Freed, and high energy?)”. En esta canción los Ramones recuerdan a los locutores que pasaban rock en la radio y anticipaban lo que está pasando hoy, dónde todas las bandas suenan igual y decían que se necesitaba un cambio, que tenía que ser rápido, antes de que el rock sea parte del pasado. En este caso, no fue un locutor de una radio de rock, sino que el que tiró el mensaje similar al de un profeta, fue un presentador de una radio de cuarteto que estaba sonando en un bafle potenciado en una casa camino al supermercado que incitaba que el clima estaba hermoso para destapar una fresca. Esa frase que retumbó en mis oídos como una profesía motivó que el dueño de casa también se hiciera acreedor de una helada para calmar la sed. Entramos a su hogar, como si estuviésemos en el nuestro y la señora nos dio una lección de vida, que nos hizo salir de ahí, pensando en “Don’t Worry, Be Happy”, de Bobby McFerrin. Recordando los charts de la revista Billboard, no fue difícil aportar que fue la primera canción a capela en llegar al número uno en la lista de los Hot 100 en los Estados Unidos, manteniendo esa posición por dos semanas en septiembre de 1988. Años más tarde, a través de Wikipedia, me enteré que el título de este tema es tomado de una famosa frase del gurú hinduista (afirmaba ser una reencarnación de Dios) y estafador indio Meher Baba (1894‑1969).

Aprovecho acá para saludar a Agustina, Antonella, las chicas que atendían en el supermercado y la despensa que servía como fuente de aprovisionamiento de bebidas, sobre todo cerveza bien fría. Porque una de las primeras lecciones que me dio mi abuela Elide, santafecina de buena cepa, es que la birra se toma bien fría, caso contrario no sirve. Por eso, Agustín, el nuevo integrante que tiene el staff de El Chulengo te la traía a la mesa como si fuera un elemento radioactivo que si pierde el frío explota. Mención especial para Scottie, Tomás para sus compañeros/as de secundario que lo recuerdan con cariño y están esperando que rinda la materia que falta para tener el analítico que le abra las puertas del mundo, porque el de la cocina, ya se las abrió Rodrigo Sturtz.

No me puedo olvidar de Marcos, el gran carnicero, que me eligió los mejores cortes de carne, entre ellos, un asado banderita, que se cortaba con el mango del tenedor. Si quieren el corte de moda en las principales parrillas de Capital Federal y que, en muchas carnicerías de Córdoba capital no se encuentra, él lo tiene. Estoy hablando de la costeleta que tiene al bife de chorizo con la ceja del ojo de bife. Es joven, pero tiene una experiencia de un carnicero curtido en las grandes ligas.

Mención aparte para Héctor, Cristina, Ramiro y Chispa, la nueva mascota por un mes, de esa isla dentro de La Travesía, que es la Posada Siete Vidas. Como el año anterior, nos recibieron y nos despidieron con la mejor de las energías que una persona te puede brindar: positivos en todos los aspectos de la vida. Héctor, antes de convertirse en arquitecto, fue sonidista de artistas de la talla de David Lebón porque su cuñado, Luis Sarmiento, era el encargado de la discográfica Odeón y en el momento del atentado a las Torres Gemelas, estaba trabajando en Miami, para una empresa que, en ese momento, entre uno de los proyectos que tenía era la remodelación del cuartel de bomberos del Aeropuerto de esa ciudad. Por ende, vivió en carne propia los cambios que se produjeron en los Estados Unidos después de este ataque terrorista. Uno de éstos, para citar uno, es que nadie quería volar. Tuvo que salir el presidente con su familia y sus secretarios para demostrar que era seguro.

Destrucción – V8

En esta canción, Ricardo Iorio, habla de que ya no cree en nada ni en nadie porque nadie cree en él. La solución del juicio final será la destrucción. De esto se desprende, que, en este mundo nuevo, para citar a Riff que se está armando con la llegada de Donald Trump al poder y de falsos profetas que llevaron al pueblo a la hambruna y a la degradación del ser humano, es importante encontrar personas predispuestas a mostrarte sin retacear conocimiento sobre lo que están aportando al mercado para que la gente pueda disfrutar de un buen plato de comida y trago a un precio razonable. Es decir, que están Endo culturizando, a la nueva generación y que a la vez están hartos de falsos instagramers, cuyo paladar fue formado en base a canjes de milanesas, hamburguesas, lomitos y cerveza de una marca conocida. Por eso, es bueno recordarle a la generación joven que esta gente, además de abrir sus corazones, el libro sapiencial de sus conocimientos, en el momento que ven, que vos no estás a la altura, terminás “with a bottle up his ass”, la canción que The Police no escribió ni grabó.

“Endrogada en adrogué” – Alfredo Casero

En tiempos que los cocineros son considerados estrellas de rock, en toda esta crónica tuve presente la figura de Christian Petersen, el hombre que al igual que Gustavo Cerati, en el momento de sufrir la descompostura en el Lanín, estaba acompañado de su mujer 20 años más joven. La periodista, Fernanda Iglesias, deslizó qué fue lo que le causó la descompensación. A pesar de no usar la misma medicina que Petersen, no pude cerrar nunca el cambio en la letra del tema que canta el humorista. Cada vez que Noe Oviedo, me medía la presión en el dispensario de La Travesía, le decía: no quiero terminar endrogado como Petersen en un hospital de Villa Dolores. Todas las comparaciones son absurdas, porque el cocinero sobrevivió, Gustavo nos mira desde el más allá y Casero se volvió de derecha. Por ende, coronados de gloria vivamos, oh juremos por esos banquetes que no fueron de pordioseros, a diferencia de, Beggars Banquet, el nombre del disco de los Rolling Stones y vermú con papas fritas & Good show, como decía Tato Bores, el gran pensador de esta Argentina.

Todos los gastos de este viaje tuvieron el mejor auspicio que un sitio web independiente puede tener: el de la buena energía y augurios de la gente que nos recibió. Todo fue abonado como corresponde. Para decirlo en criollo: no hubo nada de canje. Hasta el próximo viaje, siempre. Y si es con Sandra Peralta, mucho mejor, porque el viaje no es lo mismo sino está ella.

Texto y notas: Carlos Rolando

Edición, fotos y otras yerbas: Sandra Peralta

Corrección: Matías Lapezzata

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Ese día el mundo del heavy metal argentino quedaba huérfano. Porque él era el padre, el que a través de sus canciones pintaba la realidad nacional, y a la vez daba un aire de esperanza. de que algo podía cambiar en este país para que ese desangelado trabajador argentino que va perdiendo beneficios cada día que pasa, pueda llegar a tomar un buen vino y comer carne asada, como dice en una de sus canciones, mucho más seguido de lo que lo hace.

Si bien Almafuerte y Hermética van a pasar a la historia como las grandes bandas del metal argento, entro en una nube de confusión: ¿V8 fue heavy metal o punk rock? Las letras de Luchando por el metal bordean el punk y la voz desgarradora del Beto Zamarbide marcan el inicio de un mantra que aún sigue siendo moneda corriente en la clase política argentina. “Harto de crisis y de escuchar, propuestas que no servirán, me hundo en el barro de la maldad, se aproxima el final…”, dice una parte de la letra de Tiempos metálicos. Iorio, además de con sus letras, iba marcando los tiempos que se estaban viviendo con sus cortes de cabello. Por eso en algún momento se dejó la cresta. Eran tiempos de supervivencia, eran tiempos en que había que dar un paso más en la batalla.

Con Hermética habló de una masa anestesiada, del gil trabajador, de las realidades hospitalarias y de las víctimas del vaciamiento. Es decir, un panorama desolador que aún continúa en algunos lugares del país, que conoció como nadie, porque se subía a su camioneta y salía a recorrer territorios inhóspitos para estar cerca de sus seguidores.

Desacuerdos económicos y desavenencias entre sus integrantes, hicieron que la “H” se terminara y apareciera Almafuerte, ese power trío que fue dándole al comienzo, con el “Tano” Marciello como guitar hero, otra impronta a las letras de Iorio. Dejaba atrás ese sonido de trash metal del Tano Romano en Hermética para darle un aire más fresco que subrayaba las palabras que salían de la garganta del líder por excelencia.

Almafuerte conformó un público que no sólo reunía a trabajadores, buscadores de esperanza y desocupados que esperaban que esa especie de misa que eran los recitales, les concediera el gran milagro que tanto esperaban. A éstos, se les agregó gente de clase media – alta que se sintieron identificados en el sentimiento rutero, en los amigos y por sobre todas las cosas en esa unión de no traición entre los que estaban arriba el escenario y el que pagaba la entrada para verlos.

Iorio se fue en silencio, solo pocos recordaron lo que estás leyendo en los párrafos anteriores. Fueron más los que recordaron las declaraciones desafortunadas vertidas en algunas entrevistas, la cancelación por parte de una entidad religiosa en el momento que fue elegido para cantar el himno nacional argentino antes de un partido de la selección y otras cosas por el estilo. En síntesis: se olvidaron de resaltar lo mejor dentro de ese personaje controvertido. Sus letras, el tipo exitoso que armó tres bandas y las tres llegaron a lo más alto dentro de la industria del espectáculo.

Por eso, lo que se vivió el sábado 18 de octubre de 2025 en Club Paraguay, fue velar a ese gran personaje que ya no está entre nosotros, y el encargado de celebrar esa gran misa, fue la primera persona a la que fue a buscar después de separar Hermética.

La banda de Claudio “Tano” Marciello es una aplanadora y logró meter en el tiempo que era escaso, una cifra cercana a los 30 temas o más para revivir lo mejor de Almafuerte. Los presentes cantaban, lloraban y se golpeaban el pecho porque sabían que era el mejor homenaje que se le puede hacer a una persona que con su canto marcó la cancha: “No olvidé /Será por eso que, aunque yo rezo, no creo en el perdón/Sí en el destino que nos arrimó/Fueron las plateadas cruces de Black Sabbath y su resplandor/Sumadas a la bella séptima estrella y la concha de Dios/ Que estamos unidos” … Para no decir amén, a modo de cierre de esta especie de crónica, es mejor decir: “Cumple sus sueños quien resiste, aunque muchos te lo hagan triste (¡Vamos, che!)”.

Texto: Carlos Rolando 

Corrección: Matías Lapezzata

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Esta nueva entrega, que vuelve a resetear la saga que comenzara allá por 1968, comienza en un tiempo mítico con el funeral de César, y después, en un futuro lejano e incierto con la población de los simios dividida, en un mundo donde los humanos hace tiempo han sido vencidos en todos los órdenes, al punto de que ya casi no quedan quienes puedan hablar: la gran mayoría ha involucionado, ocupando quizás el lugar que otrora les correspondiera a sus parientes más cercanos. César, para una facción de los simios que vive en un estado natural, ha sido olvidado. Sin embargo, la facción violenta que todavía esgrime estratagemas para la dominación total del mundo, lo recuerda a través de la representación de su nuevo líder: Proximus César, quien al mando de un ejército de gorilas, gobierna con tiranía una ciudad fundada a los pies de una gran puerta infranqueable: la de un edificio, vestigio de la ciencia humana, que lo obsesiona y en donde sospecha yace oculto el secreto que le permitirá avanzar en una nueva conquista.

Planteadas así las cosas, nos encontramos de cara a una propuesta que por momentos aprovecha al máximo la cinemática que ofrecen los recursos de la animación (hay que decir que más que nada esta es una película animada): las escenas de acción son notables por el modo en que el espacio donde se mueven los cuerpos se configura como un continuo lleno de marchas, contramarchas, giros, idas y vueltas que no serían posibles de lograr con una cámara, y que además no hacen gala de una pirotecnia tecnológica, apelando en general a un principio de economía que siempre se amalgama a un sentido narrativo. Como contraparte, nos encontramos con un vicio de las grandes producciones destinadas a públicos masivos: largas escenas en donde sólo se habla y el espacio se contrae, donde todo queda aplanado y reducido a una palabra que explicita, cuenta, narra y explica.

Sobre el comienzo, un acontecimiento pondrá el relato en marcha: un ejemplar de humano huye en la selva del ejército de Próximus, y se refugia en una aldea que hasta ese momento, no tenía noticias ni de su propia historia ni del ejército vecino. Lo que se desata es, por un lado, una guerra entre las facciones de simios, y por otro, un nuevo vínculo interespecie que tendrá como protagonista el conocimiento. De este modo, y como punta que se usará para dejar la marca de una secuela necesaria, el tema de trasfondo no deja de ser apasionante. Los simios, tanto como los humanos, tendrán la chance de seguir evolucionando, o al menos de ampliar su conocimiento en un caso, y de restituirlo en el otro. Qué suceda a partir de ello es lo que resta saber en lo que viene.

(Wes Ball. 145 m. EEUU. 2024)

Crítica: Matías Lapezzata

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Conforme el festival y las presentaciones de ocasión en las competencias oficiales fueron avanzando, tanto Pablo Conde, responsable de la programación, como Fernando Juan Lima, designado presidente del festival, manifestaban cada vez con más énfasis la alegría de ver salas colmadas con un público en plan de apropiación del festival, festejando sus consignas y dando relevancia a su existencia. Un estreno por la tarde en el Auditorium podía contar con más de mil personas. Quienes asistieron y participaron del festival con una película, también se sorprendían, especialmente por el interés que demostraba el público para participar, interpelar y conversar a partir de las obras en exhibición. Así, un festival reducido en comparación a otras ediciones, supo de igual modo demostrar que el peso específico del cine se compone también de estas experiencias, abiertas a la comunidad, a precios accesibles y con una curaduría heterogénea y amplia en sus criterios, apostando a la cinefilia y al espectador de ocasión por igual.

Son muchas las cosas que fueron sucediendo, a veces en simultáneo y por fuera de las secciones en competencia o más relevantes. Nos interesa aquí, en esta crónica final, dar cuenta de algunos episodios por fuera de los focos más grandes de atención, pero que de igual modo congregaron asistentes y aseguraron proyecciones a sala llena.

Estados en el tiempo

En la sección Estados Alterados, que se sostiene desde que fuera imaginada por Cecilia Barrionuevo y Marcelo Alderete, tuvo su estreno para la Argentina, Orlando, mi biografía poítica, de Paul B. Preciado, reconocido militante, activista y escritor español trans dedicado al estudio crítico sobre políticas de género. Es interesante el punto de partida de Preciado, porque para pensar su propia biografía, toma como punto de partida la novela Orlando, de Virginia Woolf, cuyo protagonista cambia de sexo y viaja en el tiempo a través de las épocas… también tenemos como referencia inmediata y en articulación con la película, su libro Un departamento en Urano, en donde relata su proceso de transición a través de crónicas que publicaba en un periódico francés.

En esta biografía audiovisual, su historia se cuenta a través de una serie de Orlandos que irán sucesiva y simultáneamente siendo interpretados por personas no binarias diferentes, y que a su vez incorporan su biografía al personaje, dando como resultado, entre otras cosas, un híbrido que oscila entre el discurso testimonial y la ficción. Pero va todavía más allá en su propuesta, porque Preciado, quien a su vez narra en off momentos de su vida, con un notable manejo de los recursos del cine, desmonta también la ficción de la novela para encontrar en ella los rastros de su autora, y desde ahí construir un esbozo de la historia biopolítica del amor romántico. Es una película hermosa y luminosa, porque impulsa a desmarcarse de los estereotipos, a pensar libremente y a considerar a todas las personas como identidades que están siempre, sean quienes sean, en transición.

En el super

Otra sección creada por la dupla Barrionuevo – Alderete es la Super 8 / 16 mm, dedicada a la muestra de obras realizadas en estos formatos fílmicos, proyectadas esta vez en copias restauradas en digital, y añorando otros años en donde podía asistir Claudio Caldini y ofrecer una sesión analógica a cuatro proyectores simultáneos y con música en vivo.

Estos son formatos que en general se usaron y se usan para un cine de corte experimental, que tuvo su auge sobre finales de la década del 60 y en la década del 70.

Por aquellos años en Buenos Aires, de la mano sobre todo del Instituto Di Tella, las artes visuales y performáticas estaban en especial ebullición, captando y asimilando los movimientos provenientes de todas partes del mundo, en una relectura de la modernidad y de casi todos los campos disciplinares del arte.

En esta sección se proyectó, entre otras, Retrato de Marta Minujín, una película en Super 8 de Narcisa Hirsch, una de las primeras cineastas experimentales de la Argentina, que en 1974 entrevista a esta notable artista. La lucidez de Minujín para leer un momento de especial gravedad histórica en donde una sombra comenzaba a desplegarse sobre la historia de nuestro país, el modo en que presenta su trabajo y el interés y la curiosidad de Hirsch para impulsar su palabra y el registro, convierten este documento en una fuerza con un impulso que la lanza desde el pasado hacia el futuro, en un soporte que ya no es standard pero que aún hoy tiene sus precursores.

Cumpleaños atrás de puerta

Mutiny in heaven: Nick Cave’s The birthday Party, película estrenada en la sección Banda Sonora Original, comienza promediando la década del 70 en las afueras de Melbourne, Australia, donde unos amigos y compañeros de la escuela, unidos por el arte, la literatura y la filosofía, formaban una banda que tendría impulso para proyectarse hasta nuestros días: The Boys Next Door. Integrada en sus inicios por Nick Cave, Mick Harvey, Phil Calvert y Tracy Pew, e inspirados por la imaginería de un universo gótico y el consumo indiscriminado de sustancias, llegarían a grabar en 1979 un único disco antes de partir hacia Inglaterra, en busca del eco de la New Wave. Aquel viaje en avión consumió todas las regalías del disco, incluyó golpes a unos de los pilotos y también una serie de conversaciones difíciles de recordar, pero que hicieron que al pisar suelo inglés, la banda hubiese cambiado de nombre: a partir de ese momento se llamarían The Birthday Party.

El documental de Ian White cuenta las peripecias del grupo para hacerse de un lugar en una escena decadente. Viviendo al límite y sin dinero, tocaron y grabaron todo lo que pudieron en unos pocos años, después de los cuales se separan al migrar parte de sus integrantes a Berlín occidental.

Montado a partir de entrevistas a sus integrantes, material de archivo, animaciones y diversos documentos de época, la película cobra valor por un motivo exclusivo: el registro de algunos de los shows de aquel periodo, donde se puede ver y escuchar la fuerza explosiva e impredecible y el caos que desataban en el escenario con su música. O con el poder de la música y Nick Cave.

Matías Lapezzata, crítico invitado de otrasyerbasrock.com, estuvo cubriendo el 38 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Todas sus críticas las podés volver a leer, haciendo click en el slide que cierra este sitio.

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En mayor medida, quienes se reúnen bajo un interés común de forma masiva y excepcional, dispuestos a un festín disciplinar, viven la experiencia de un festival de modo celebratorio. En el caso de un festival de cine, en donde desde el entusiasmo y el encuentro se trafican comentarios, rumores, recomendaciones, consejos de visionados impostergables, arengas de toda clase y opiniones que cada quien va tomando según su parecer, y así se va construyendo un recorrido posible para un evento que es inabarcable en su totalidad. Más de un centenar de películas no se pueden ver en una semana, nadie puede hacerlo, demostrando lo obvio: tampoco desde la curaduría y programación se pretende un recorrido exhaustivo. Más bien se piensa un todo que es más chico que la suma de sus partes, y así cada sección tendrá sus asistentes de ocasión. Incluso las secciones mismas tienden más o menos a participar de este carácter celebratorio y de un llamado a lo común. Las proyecciones que por estos días suceden en el Teatro Municipal Colón en el marco del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, junto con las que se realizan al aire libre en otra locación, siendo que en ellas se pueden ver películas que no participan de competencia alguna y por las que no hay que pagar ni un centavo para ello, quizás sean las que están más cerca de no tener otro motivo que el de celebrar su existencia misma, o lo que es lo mismo, de celebrar el cine por el cine y hacer de ello algo extensivo, pues ¿hay cine si nadie lo ve?

El espíritu del cine

Dentro de estas películas en programa, hay una que venía ya anticipada por un eco de festivales anteriores a lo largo y ancho del mundo. Cerrar los ojos, la nueva película de Víctor Erice después de casi cuarenta años sin filmar, se había convertido para muchos en una cita obligatoria.

Presentada por sus productores argentinos y responsables de la inclusión de la actríz Soledad Villamil en el proyecto, que dieron también un mensaje del mismísimo director para la audiencia, desde el comienzo la película contiene en sí la justificación para estar frente a una pantalla de cine, cuando vemos un plano fijo extenso y profundo de una habitación que parece no terminar nunca, bañada por una luz mortecina y mostrando a unos personajes melancólicos y abatidos, todo lo cual nos recuerda en su conjunto al Orson Welles de Una historia inmortal, película que se filmó en España y también tenía rasgos orientales.

En la nueva obra de Erice, un actor desaparece en medio de un rodaje. Lo último que se sabe de él es que ha dejado un auto abandonado y un par de zapatos al borde de un acantilado, para desaparecer por completo sin indicio alguno. Después de 20 años sin que nadie tenga noticias ni explicación del suceso, su hija, la conductora de un programa de televisión y en especial su amigo Miguel, director de la película en donde estaba actuando al momento de desaparecer, entablan una conversación y aúnan esfuerzos para saber si alguien que han reportado sin identidad ni memoria, en un pueblo a la vera del mar, puede ser él.

El trabajo con los materiales del cine y la reflexión en torno al celuloide como soporte de la historia, la memoria individual y colectiva, y la pregunta por qué o quién sea lo que nombramos, serán la trama de fondo de esta historia, en apariencia lineal, pero que se compone de capas y capas de preguntas que van quedando como mojones poéticos, que se enredan y desenvuelven en la cruzada de Miguel en nombre de la amistad y de su amigo.

El ejercicio de ver esta película podría ser un fin en sí mismo: las texturas, los colores, las luces y las sombras, el modo en que Erice se toma el tiempo para la construcción de este universo sensible (porque ciertamente no es una película que ande a las apuradas), cada una de estas cosas que resplandece en la pantalla, parece tocarnos la mirada en cada plano. Pero hay un paso que da Erice para que no se trate solo de una superficie de luz y una pantalla. Finalmente parece decirnos que es tan importante mirar con los ojos abiertos, como poder cerrarlos. ¿Qué evocación es la que permite este modo de ver? Se trata, siempre, de escudriñar en nuestra interioridad… pero la pregunta que subyace sigue en pie: ¿quiénes somos? ¿qué dice nuestro nombre de nosotros? ¿cuál es nuestra historia? y lo más importante,  ¿es posible decir algo? ¿dónde se aloja, en qué parte nuestra, aquello que nos caracteriza e identifica?

Quizás el cine tenga una respuesta. O al menos se aproxime a alguna de ellas.

Las fotos que ilustran el comentario de Cerrar los ojos, de Matías Lapezzata, crítico invitado de otrasyerbasrock.com y actualmente cubriendo el 38 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, son de Manolo Pavón.

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Las competencias del festival trazan una geografía en términos nominales: películas de la Competencia Argentina podrían estar dentro de la Competencia Latinoamericana, que a su vez, como si de una teoría de conjuntos se tratase, podría estar dentro de la Competencia Internacional. Pero a la hora de ver las películas que cada categoría agrupa, podemos decir que la geografía que representa cada trabajo es la del territorio del mundo, quizás para recordar y confirmar aquella sentencia que expresaba que el cine es un país sin bandera. Pero desde el tiempo en que aquello fue expresado, cuando el cine podía obtener un registro al modo de una huella de lo real, hasta nuestros días, el universo de las producciones cinematográficas ha cambiado a tal punto que en la actualidad, esas difusas fronteras pueden dar como resultado un conjunto de películas hermanadas en su forma, en su estilo y contenido, prescindiendo de su origen o locación, producto de ser más o menos obediente al capital financiero. Es un hecho incuestionable que para filmar una película, en general y con contadas excepciones, hace falta dinero y recursos materiales excepcionales. ¿Quiénes filman? ¿Cómo? La presencia de Netflix en varias de las producciones en competencia sirve como muestra, no como dato sino como modo de constatar la incidencia en las formas. Vale recordar las últimas películas de dos cineasta importantes de nuestra era, cuando visitan las oficinas de Netflix en busca de recursos, exponiendo cada uno a su modo las diatribas de su conciencia en pos de la concreción de su obra, y sopesando las implicancias para las ideas según de donde provenga el dinero. Primero Suleiman en las oficinas de París, y luego Moretti en las oficinas de Roma, ambos rechazando la estandarización a la que la financiación los invita.

En competencia

Adentro mío estoy bailando fue la película con la que inauguró la Competencia Argentina. La producción de la dupla en dirección de Leandro Koch y Paloma Schachmann, comienza en Buenos Aires en el seno de la comunidad judía, y con el pasar de los minutos, conducidos por la fuerza de una narrativa que simula pensar en vivo, al modo de un falso documental, nos veremos viajando por Austria y desde allí a Rumania y Moldavia, en busca de registros audiovisuales de intérpretes de la música klezmer, que ya nadie parece saber tocar y ha ido desapareciendo de la cultura judía de la mano del olvido del yiddish. Es una película que recupera a su modo la premisa que Welles expresara en F for Fake promediando los ‘70, cuando afirma que el cine es una gran mentira ¿o lo decía más bien del arte? Como sea, a partir de una anécdota que nace de una mentira de nuestro protagonista, una voz en off da comienzo al relato. Lo curioso es que esta voz que pretende narrar la película, y que es de una profesora de yiddish que lee un cuento, narra una historia ambientada en un tiempo pretérito, que nada tiene que ver con lo que la película nos muestra, al menos en su literalidad. Y así, entre narraciones y encuentros de toda clase, incluidos músicos autodidactas y profesionales, musicólogos, familiares y personajes propios del mundo de la producción cinematográfica, lo que que resulta es una historia de amor entre un chico y una chica, pero todavía más por la música y la historia de su pueblo, o por la aventura de lanzarse a su encuentro.

Cozarinsky – Ferro: autores

Otra película argentina se muestra sobre el comienzo del festival, esta vez, en la sección Autores y Autoras, una categoría fuera de competencia y que destaca y apela a mostrar mundos de miradas y trayectorias singulares. Dueto, la película en cuestión, es un relato libre y desprejuiciado que intenta acercarse a la representación de la amistad, o a mostrar que sea aquello que llamamos por ese nombre. Ante la urgencia que supone para una vida con un recorrido ya hecho, el horizonte de muerte que nos acompaña desde que nacemos, Cozarinsky y Ferro se juntan en un proyecto común que historiza e indaga en su vínculo, pero apelando a un juego de formas que los conduce juntos al universo del cine: montaje y ficción a partir de lo real, construyen un relato desaforado, vertiginoso, lúdico y sensible que construye formas poéticas, que indaga sobre el mundo y nos cuenta, entre otras cosas, acerca de lo importante de hacer cosas junto a otros.

Crónica desde Mar del Plata de Matías Lapezzata. Crítico acreditado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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Las competencias han dado inicio, y no es casualidad que en la previa a la Sexta Edición del Foro de Cine y Perspectiva de Género, espacio de discusión que parece haber llegado para quedarse al festival, las primeras funciones tengan como protagonistas a las mujeres.

Tal es el caso de la primera función del día, en la proyección inaugural de la Competencia Internacional con el estreno mundial de Elena sabe, la nueva película de Anahí Berneri, reconocida directora argentina que tiene en su haber, entre otras, Alanís, con Sofía Gala Castiglioni. Protagonizada por Mercedes Morán y Érica Rivas, la película narra el devenir de una madre en busca de una respuesta, al tiempo que se pone en jaque la historia de toda una vida. En palabras de la directora, se ha intentado contar una historia de y por mujeres, por fuera de los modelos hegemónicos y políticamente correctos, para dar lugar a un relato que pueda pensar a sus personajes por fuera de lo establecido y sin estigmas. Mercedes Morán y Érica Rivas, madre e hija respectivamente, pondrán en escena lo complejo de lidiar con determinados mandatos, y las dificultades que atraviesa su vínculo cuando, en determinado momento, una hija queda a cargo de su madre, en una inversión de roles inesperada y dificil de asimilar, que pone en relieve también los obstáculos incesantes que las vidas tienen que enfrentar en lo cotidiano: el viaje en un tren, o un trámite en un hospital, son empresas que requieren de una energía y una integridad descomunal.La cámara de Berneri, pegada al cuerpo de Morán y en tomas cerradas siempre sigue desde atrás el andar a los tropiezos de una madre con voluntad de hierro, que busca una explicación para la muerte de su hija. Es una película de factoría industrial, que con maestría y oficio através de un montaje que vieja en el tiempo, ensambla la historia y los mundos interiores de la pareja protagonista, para descubrir aquello que no siempre se quiere ver. Se vive como se puede, parece decir alguien sobre el final, cosa que nunca es poco. Tendrá su estreno en las salas de Córdoba el próximo 16 de noviembre, y el 26 de noviembre en la Netflix, compañía que la produce y que ha aportado en buena medida a esta nueva edición del festival.

Alineada entonces con esta perspectiva, y conformando un cuerpo discursivo que se extiende a todas las áreas del festival, hoy también se proyectó la primera de las películas de la Competencia Latinoamericana. Dirigida por Paula Hernández, que tiene en su haber películas como Los sonámbulos y Las siamesas, protagonizada por Alfredo Castro y Almudena González, El viento que arrasa es también una adaptación de una novela homónima, en este caso de Selva Almada. Leni, una mujer de 18 años, lleva una vida nómade junto a su padre, el reverendo Pearson, quien la conduce por algunos recónditos lugares del noreste argentino, predicando la palabra de Dios en un monólogo que dirige incansable a propios y ajenos, en una época indeterminada pero donde se reconoce una marca, pues la música se escucha en casetes. Y será la música justamente el disparador, entre otros, de una crisis que lleve a Leni a preguntarse quién es y qué puede hacer con su propia vida, en un viaje que tiene como telón de fondo el inmenso cielo y la formación gradual de una tormenta. Abandonando los interiores y los planos cerrados de sus producciones anteriores, en esta nueva entrega Hernandez trabaja en un espacio abierto, quizás como contraplano de la interioridad de sus personajes, que en ese desplazamiento por una geografía que se extiende siempre un poco más allá, ven movilizadas y puestas en crisis sus propias subjetividades. Leni, en tránsito a otra dimensión de su vida como mujer, despierta al mundo bajo el nuevo sonido de un casete que obtiene de casualidad, recordándonos, entre otras cosas, la potencia de quiebre que puede alojar, en una canción, la música.

Crónica desde Mar del Plata de Matías Lapezzata. Crítico acreditado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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Entonces cae la tarde y el viento azota desde las profundidades marinas como si de una escarcha invernal se tratase y técnicos de toda clase envuelven, desenrollan, arman, conectan, hablan, van y vienen en un operativo contra reloj que pueda construir el escenario donde gestores, funcionarios, programadores e implicados en el festival den cuenta del trabajo realizado y por venir. También, la fauna de estrellas autóctonas y no tanto se da cita y deambula hacia el hall central guiada por una alfombra roja, previo paso por una tarima desde donde saludar a su público… ¿quiénes están? ¿quiénes se han acercado hoy para participar de este desfile? No hay realmente un fulgor… apenas un puñado de gente congregada eleva sus celulares desde el otro lado de la valla. Romina Gaetani despierta los ánimos, y regala desde las alturas una sonrisa gélida, una mueca aprendida. Pablo Echarri rompe el protocolo y se acerca a un grupo de señoras y señores a quienes les regala unas fotografías. “Gracias linda”, le dice a alguien mientras se aleja con las manos en los bolsillos. Personalidades que nadie conoce avanzan contra la lluvia, apurados por entrar al edificio que se construyera como réplica del estilo francés. De repente un alboroto. El escenario se llena, casi todos son periodistas. En las vallas los gritos: Sergio Tomás! Presidente! “Siempre tan tranquilo y sonriente”, dice un señor con la mirada entregada y llena de ilusión. Todos los presentes lo vitorean. Massa camina y saluda. Su traje desprende un brillo extraño. Finalmente, la pequeña multitud que el candidato de Unión por la Patria arrastra se disuelve puertas adentro. Un loco un poco más allá no ha dejado nunca de gritar. En la esquina, desde temprano se cocinan unos choripanes. Todavía más allá, un despistado pide un pucho y dice no saber qué pasa en frente.

Además de las palabras de ocasión, esta noche en el Auditorio se proyectará la película de apertura: Hombre de la esquina rosada, de René Mugica, basada en el cuento homónimo de Jorge Luis Borges, quien en su tiempo le diera el visto bueno, y restaurada ahora en una versión digital 4 K a partir de los negativos en 35 mm originales.

A partir de mañana, las películas comenzarán a rodar y el público en general a asistir y darse cita en las salas. Hay competencias oficiales, retrospectivas, focos y los queridos ciclos de trasnoche. Hay, después de todo, películas para todos los gustos. El eje rector este año estará puesto en los 40 años de democracia que vive nuestro país desde el fin de la dictadura cívico militar en 1983, que para el cine se traducen en 40 años sin censura ni recortes de fotogramas.

Queda todo un festival por delante. ¡Nos vemos en las pantallas!

Crónica desde Mar del Plata de Matías Lapezzata. Crítico acreditado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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