Pero B-Movie: Lust & Sound in West Berlin no comienza en Alemania precisamente, sino en Manchester, donde vivía Mark Reeder, autor de los registros de los que se compone este documental, en el año 1979. En sus propias palabras, aquella ciudad de Inglaterra que supo ser la cuna de la revolución industrial, era un páramo. Un aplastante clima opresivo que emanaba de las fábricas abandonas y el desempleo, dibujaba el contorno que era a su vez el límite para el campo de las artes y de su propia vida. Algunas pocas bandas, como Joy Division, comenzaban a dar sus primeros pasos en el under en representación del agobio reinante, pero Reeder sentía que nada estaba sucediendo. O mejor dicho, luego de tener en sus manos vinilos de Tangerine Dreams, Kraftwerk, Neu! y otras bandas que darían comienzo a la nueva ola alemana, caería en la cuenta de que lo que estaba sucediendo, estaba en otro lado, e hizo caso a un llamado, a un deseo promovido por el sonido de los sintetizadores en ese cuarto de la disquería donde trabajaba, algo irracional y puro que le indicó de manera precisa que debía ir a Alemania, más precisamente a Berlín Occidental.

La película da cuenta de su pasión, del cambio de dirección y de vida que supuso para Reeder ese viaje, a partir de un impulso genuino que lo condujo de inmediato a formar parte de una movida que comenzaba a gestarse. Y para comprender la decisión o la convicción que lo conducía, veamos qué es lo primero que hace al llegar, sin casa, sin dinero y sin trabajo: ir, con un disco en la mano, a buscar a su departamento a Edgard Froese, uno de los fundadores de Tangerine Dream, quien no estaba.

Performers, músicos, artistas visuales y de toda clase vivían en una realidad solo posible allí, ocupando departamentos abandonados desde los bombardeos de la segunda guerra, viviendo en el piso y con muy poco dinero, en libertad para crear y darle forma a un movimiento que a su modo, junto con el punk, supo ser contestario en un sentido profundo: se vivía como se decía que se vivía. Para el caso, vale la escena en que un jovencísimo Nick Cave, quien acababa de fundar The Bad Seeds, muestra a Reeder su hogar: una habitación ocupa, minúscula y caótica dividida por una tela, donde el objeto más valioso, y del que Cave se jacta, era un arma. Lo importante era la música, y la realidad que se creaba o emanaba de ella. Clubs, drogas, fiestas, managers y productores improvisados, tiendas de discos, artistas visuales, cineastas,  radios y  hasta una peluquería, conformaban una pequeña constelación que acompañó la gestación de una movida que expandió sus ondas por sobre el muro, y que hacia finales de 1989 fue parte de la fuerza que terminó por voltearlo: en 1987, del otro lado de la cortina de hierro, jóvenes que tenían alguna noticia gracias al tráfico de influencias, discos y libros, escuchaban un recital de Bowie, quien había apuntado los parlantes del escenario en dirección a Berlín Oriental. Vigilados por la policía, en ese otro lado crecía un clima de tensión que impulsaba la liberación del deseo, de un deseo: el de ser parte de todo aquello.

El material del que esta película se conforma es un registro directo que logra captar un estado de cosas. Hay que pensar en Reeder como alguien realmente cooptado por una idea, para asumir sin más que anduviera por allí con una cámara haciendo cualquier cosa: plomo, manager, productor o un simple mortal entrevistando gente en un bar para un canal de tv en Inglaterra. Todo estaba en sintonía a una idea y como soporte de expresión de la propia vida y la de todos los demás. Es una virtud del montaje el preservar esa frescura, en una narrativa lineal pero no por eso menos profunda, que intenta mirar la época directamente a los ojos, aun sabiéndola ya perdida. Por ello la melancolía que nos embarga sobre el final, cuando el rock comienza a desaparecer, los artistas a emigrar o a pegar la vuelta, y la ciudad a perder su gracia y libertad. En ese momento, Reeder inscribe el nacimiento de la música tecno, y avizora el futuro en los djs: personajes que ya no eran simples mediadores, sino que ahora creaban su propia música a partir de sonidos sampleados. Reeder, todavía conectado, funda entonces una productora de música electrónica, justo en el momento, antes de la caída del muro, en que nace la primera Love Parade y la película termina.

Crítica de Matías Lapezzata

Dónde verlo

B-Movie: Lust & Sound in West-Berlín 1979-1989, se presenta el jueves 26 de octubre a las 21: 30 horas en el Cineclub Municipal de la ciudad de Córdoba. La introducción al material fílmico estará a cargo de Ricardo Cabral.

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Muy discutible, porque antes de eso en Estados Unidos, estaban Velvet Underground, Stooges, MC5 y poco después New York Dolls.

Lo de Patti y su grupo puede ser considerado en todo caso pre punk, demasiado cultureta y poético para ser verdaderamente punk.

En una entrevista con el diario inglés The Sun, Lydon expresó: “es incorrecto acreditar a Patti Smith y, por extensión, a Nueva York los orígenes del punk. Reino Unido lo hizo primero. He escuchado a muchos periodistas norteamericanos pretender que toda la influencia punk surgió de Nueva York. Bueno… ¿Hola? Bandas como Sweet con ‘Ballroom Blitz’ y Mud con ‘Tiger Feet’, ¡Son los que hacían eso!”.

Y siguió: “T.Rex, David Bowie, Slade, Mott The Hoople, The Alex Harvey Band: su influencia fue enorme. Y tratan de descartar todo eso y envolverlo alrededor de Patti Smith. ¡Está muy mal!”. “Después estaban los Ramones con todas esas tonterías de chaquetas de cuero tachonadas y uniformadas”.

Volviendo a Patti Smith, es bueno recordar que John Lydon, aka Johnny Rotten cantante de Sex Pistols nunca le tuvo mucha simpatía a la creadora de Horses , dado que en algunos de sus libros de memorias la calificó como “vieja hippie”.

También habló sobre sus compañeros de banda anteriores y su nuevo supergrupo de “revival punk” Generation Sex, que consiste en el ex guitarrista de Sex Pistols Steve Jones y el baterista Paul Cook junto con los miembros de Generation X, Billy Idol y Tony James, luego creador de Sigue Sigue Sputnik.

El cantante de ‘Anarchy in the UK’ no es un fanático del punk (más bien todo lo contrario) y reveló que él y sus compañeros de banda solían llamar a Idol “el Cliff Richard del punk”, aunque insiste en que era un “buen tipo”.

“Buena suerte para ellos, pero vamos muchachos, reúnanse. El lado de los Pistols son canciones que nunca entendieron realmente y Billy tiene que entrar como traductor. ¿Qué ha asumido el pobre Billy? Solíamos llamarlo el Cliff Richard del punk y era un tipo muy agradable y fácil de tratar. Él y Sid Vicious solían ser bastante ridículos sobre quién podía hacer la mejor burla de Elvis Presley”.

Algunxs periodistas especializados expresaron que tal vez, Lydon, hace estas declaraciones para llamar un poco la atención sobre ‘End of World’, el undécimo disco de estudio que su banda Public Image Ltd, tiene en las bateas y plataformas digitales.

Por otra parte, Lydon, que perdió recientemente a su esposa, tiene desde hace un tiempo un problema con una mujer que le acosa porque dice ser su hija.

“En este momento estoy luchando con una acosadora que entra en mi patio por la noche corriendo y diciendo que es mi hija”.

“Y ella tiene 50 años. Es el egoísmo indiferente lo que es realmente molesto. He tenido acosadores en el pasado, pero esta se está volviendo demasiado irracional y tiene potencial para hacer algo mucho más serio, así que he tenido que denunciarla. No me gusta meter a la gente en problemas, pero me causa estrés. Me está volviendo una bolsa de nervios”.

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A modo de avance de las mezclas exclusivas de “Moonage Daydream”, el patrimonio del músico compartió la versión de ‘Modern Love’ que suena en el largometraje del director Brett Morgen.

“Este es un mix único. Comienza con los arreglos aislados de piano que conducen hacia el coro, antes de terminar en las voces a capela. Así da un vistazo detallado a los elementos individuales que crearon el clásico que todos conocemos y amamos”, dice en la página web de Bowie sobre el remix de la canción que abre el LP Let’s Dance.

David Bowie: Modern Love (Moonage Daydream Mix)

El soundtrack incluye otros destacados como la fusión en vivo entre ‘The Jean Genie’ y ‘Love Me Do’ de los Beatles, con Jeff Beck en la guitarra –presentación grabada durante el último concierto de Bowie como Ziggy Stardust en 1973–, así como una toma inédita de ‘Rock n’ Roll With Me’ de 1974.

La edición digital de la banda sonora de Moonage Daydream llegará el 16 de septiembre, el mismo día que el documental llega a los cines. El CD que lo acompaña estará en las bateas el 18 de septiembre y el lanzamiento en vinilo está programado para 2023.

01 “Time… One of the Most Complex Expressions…”

02 Ian Fish U.K. Heir (Moonage Daydream Mix 1)

03 Hallo Spaceboy (Remix Moonage Daydream Edit)

04 Medley: Wild Eyed Boy From Freecloud / All The Young Dudes / Oh! You Pretty Things (Live)

05 Life on Mars? (2016 Mix Moonage Daydream Edit)

06 Moonage Daydream (Live)

07 The Jean Genie / Love Me Do / The Jean Genie (Live) [ft. Jeff Beck]

08 The Light (Excerpt)

09 Warszawa (Live Moonage Daydream Edit)

10 Quicksand (Early Version 2021 Mix)

11 Medley: Future Legend / Diamonds Dogs Intro / Cracked Actor

12 Rock ‘n’ Roll With Me (Live in Buffalo 8th November, 1974)

13 Aladdin Sane (Moonage Daydream Edit)

14 Subterraneans

15 Space Oddity (Moonage Daydream Mix)

16 V-2 Schneider

17 Sound and Vision (Moonage Daydream Mix)

18 A New Career in a New Town (Moonage Daydream Mix)

19 Word on a Wing (Moonage Daydream Excerpt)

20 “Heroes” (Live Moonage Daydream Edit)

21 D.J. (Moonage Daydream Mix)

22 Ashes to Ashes (Moonage Daydream Mix)

23 Move On (Moonage Daydream A Cappella Mix Edit)

24 Moss Garden (Moonage Daydream Edit)

25 Cygnet Committee/Lazarus (Moonage Daydream Mix)

26 Memory of a Free Festival (Harmonium Edit)

27 Modern Love (Moonage Daydream Mix)

28 Let’s Dance (Live Moonage Daydream Edit)

29 The Mysteries (Moonage Daydream Mix)

30 Rock ‘n’ Roll Suicide (Live Moonage Daydream Edit)

31 Ian Fish U.K. Heir (Moonage Daydream Mix 2)

32 Word on a Wing (Moonage Daydream Mix)

33 Hallo Spaceboy (Live Moonage Daydream Mix)

34 I Have Not Been to Oxford Town (Moonage Daydream A Cappella Mix Edit)

35 “Heroes»: IV. Sons Of The Silent Age (Excerpt)

36 ★ (Moonage Daydream Mix Edit)

37 Ian Fish U.K. Heir (Moonage Daydream Mix Excerpt)

38 Memory of a Free Festival (Moonage Daydream Mix Edit)

39 Starman

40 “You’re Aware of a Deeper Existence…”

41 Changes

42 “Let Me Tell You One Thing…”

43 “Well, You Know What This Has Been an Incredible Pleasure…”

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En diálogo con un medio periodístico americano, el realizador reveló que mientras desarrollaba el documental sufrió un ataque cardíaco que lo llevó a estar en coma durante diez días. Tras sanar, volvió a sus labores como director, guionista, montajista y productor del proyecto.

“Sentí que (Bowie) me estaba guiando a través de mi recuperación, y a su vez pude infundir eso en la película, por lo que se convirtió en algo muy diferente. Se convirtió en una vida y una celebración de cada momento”, señaló Morgen.

Los herederos del cantante han confirmado los primeros detalles del film, definido como: “una odisea cinematográfica experiencial. Un proyecto que muestra cómo el propio Bowie trabajó en varias disciplinas, no solo en la música y el cine, sino también en la danza, la pintura, la escultura, el collage de video y audio, la escritura de guiones, la actuación y el teatro en vivo. No es un documental ni una biografía, sino una experiencia cinematográfica inmersiva construida, en parte, sobre miles de horas de material nunca antes visto”.

El film que tuvo su estreno en la sección “Midnight Screenings” del Festival de Cannes, examina no solo la vida sino también la magia creativa de Bowie, quien trabajó en varias disciplinas, sobre todo música y cine, pero también exploró formas de arte a lo largo de su vida, como la danza, la pintura, escultura, collage de video y audio, escritura de guiones, actuación y teatro en vivo.

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Una decisión drástica cambió su vida, se alejó de los medios y se instaló en Bahamas. Su estilo de vida cambió para mejor, pues empezó a practicar deportes en la naturaleza y se volvió adicto a los productos orgánicos, declaró a la revista Health. Definitivamente, los hábitos saludables alejaron al artista de las sustancias.

El músico cuenta que el proceso de escritura funcionó como una terapia. “No había pensado escribir el libro hasta hace poco. Mi vida no me parecía interesante”, confiesa en la citada entrevista. “Pero estoy contento de haberlo hecho —admite— porque escribir es la mejor forma de terapia”.

Las influencias musicales de Kravitz van desde Prince, Michael Jackson, Earth Wind & Fire hasta David Bowie, quien lo inspiró a usar lentes de contacto de colores. El libro también explora la espiritualidad de Kravitz y su experiencia de ser renacido en Cristo.

Su primera banda fue Wave, “una mezcla de The Gap Band, los Jackson, Rick James, Shalamar y Time”. Tenían máquinas de humo y efectos de sonido, un elaborado espectáculo de luces y 15 integrantes.

Entre otras decisiones de negocios interesantes: Kennedy Gordy, hijo del legendario productor Berry Gordy, le ofreció “Somebody’s Watching Me”, pero Kravitz declinó. El joven Gordy entonces grabó el éxito bajo el nombre de “Rockwell”.

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En cuanto a romances, salió con la actriz Tisha Campbell de la serie “Martin”y conoció a su hoy exesposa, Bonet, en un concierto de New Edition. “Me gusta tu pelo”, le dijo Kravitz, quien en el libro admite que “fue un comentario flojo”.

El libro termina con su floreciente relación: “Ella era como mi versión femenina y, al verla, pude verme a mí mismo”.

Kravitz escribe que sus primeros 25 años fueron una misión para encontrar su verdadero ser. Rechazó contratos discográficos que lo encasillaban y hasta creó un álter ego — Romeo Blue — porque no se sentía lo suficientemente cool.

“Parte de este libro es sobre aceptarme a mí mismo como Lenny Kravitz, como este chico mitad negro, mitad judío que tuvo esta experiencia”, dijo. “Uno de los regalos maravillosos que uno puede darse en esta vida es aceptarse a uno mismo”.

El mismo también se puede conseguir en formato audiobook, narrado por el mismo Lenny Kravitz.

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A pesar de que muchos piensan de que se trata de un biopic, el director de la película, Gabriel Range, ha dejado claro que no es así. «Stardust» será una película que se centre en los años en los que David Bowie comenzó a construir su alter ego Ziggy Stardust. También se verá cómo fue la creación y lanzamiento de «The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars» en 1972.

La historia sigue a Johnny Flynn quien le da vida a un David Bowie de 24 años, que se embarca en su primer viaje a los Estados Unidos en 1971 y se choca con un mundo que no está listo para sus excentricidades.

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El avance revela cómo lentamente su personaje empieza a cobrar vida. Antes de convertirse en una estrella internacional, muy pocas personas creían en su potencial. Una de ellas era Rob Oberman, de Mercury Records, uno de los pocos empleados del sello que realmente consideraba que tenía talento. Angie, su primera esposa que es encarnada por Jena Malone, es otras de las que lo apoya en este camino.

Se dice que Bowie se metió tanto en el personaje que por momentos era difícil distinguir cuando era David y cuando era Ziggy, incluso años después el propio musico reveló que durante esa época jugó “de una forma muy peligrosa” con su mente, sin embargo, fue la única manera en que pudo demostrar lo que sentía.

Estrella de rock o alguien que se haga pasar por una estrella de rock, ¿cuál es la diferencia?”, se escucha decir al protagonista a quienes están confundidos por su nueva personalidad. El trailer comienza con un Bowie con sed de conciertos y fama, pero sin entender qué es lo que tiene que hacer para lograrlo. Sobre los últimos minutos se lo ve frente a multitudes y siendo la persona que quería de un principio.

Este relato se trata de una película no autorizada sin las canciones del músico, ya que la familia no les dio ningún derecho a los cineastas, lo que provocó un sinfín de críticas por parte de los fanáticos.

En una entrevista con The Guardian, Flynn reconoció que estaba preparado para que el público reaccionara como lo hizo. “Potencialmente vamos a recibir muchas críticas del ejército de Bowie”, dijo y aclaró que desde el principio sabía que se trataba de un papel arriesgado.

El actor confesó que aceptó el rol, ya que el director Gabriel Range no tenía la intención de hacer una película biográfica, sino un retrato de un artista que lucha con sus demonios.

Flynn fue el encargado de escribir una de las canciones que apenas aparece cuando Bowie la canta en una convención de vendedores de aspiradoras. El también músico dijo: “No creo que sea una mierda, pero sabía que no tenía que ser una canción brillante. Tenía esta sensación de fracaso, quería ser otra persona y aún no había encontrado la manera de sacar provecho de eso. Así que traté de escribir esta canción como Bowie estafando a Lou Reed”.

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Gratton es investigador de la CONAE y ofrecerá un recorrido minuto a minuto de la misión, desde el lanzamiento en Cabo Cañaveral, hasta el amerizaje en el Océano Pacífico. También pasará por las diferentes etapas de la trayectoria hacia la Luna, el histórico alunizaje del 20 de julio y la vuelta al campo gravitatorio terrestre. Durante la presentación se hará hincapié en las decisiones y destrezas de los hombres involucrados, que permitieron el éxito de la misión, así como en los desafíos y logros tecnológicos superados con los elementos disponibles en la década del 60.

Las placas de la presentación serán intercaladas con numerosos videos que permitirán recrear la emoción y ansiedad de esos ocho días épicos. La charla no tocará el tema de la música pero www.otrasyerbasrock.com si lo hace. Antes, lo importante:

¿Dónde? Plaza Cielo Tierra, ubicado en Bv. Chacabuco 1300, dentro del Parque de las Tejas de la ciudad de Córdoba (barrio Nueva Córdoba).

 ¿Fecha? Martes 23 de julio.

¿Horario? 18:30 hs.

 ¿Costo? La entrada es libre, gratuita y no requiere inscripción previa.

Dos discos que no fueron el Apolo 11 pero volaron la cabeza como si estuviéramos en el espacio:

The Who: Tommy

Con sus tres primeros discos, The Who se habían consolidado como estrellas. También con sus arrolladores directos, con cuatro músicos de primerísima categoría y una potentísima puesta en escena. «Tommy» sería lo siguiente porque el mundo ya estaba preparado para ello. Y Pete Townshend tenía la historia… La presunta viuda del Capitán Walker da a luz a Tommy («It’s a Boy»). Años después, su marido vuelve a su casa y descubre que su esposa vive con una nueva pareja, a quien mata en una pelea. Para protegerse, la madre y el asesino le dicen a Tommy que él «ni vio ni oyó nada», tras lo cual el muchacho sufre un trastorno por estrés postraumático. Se vuelve sordo, mudo y ciego. Los años pasan y Tommy queda inerte. Sufre abusos. Una prostituta le trata de dirigir hacia la plena conciencia mediante los alucinógenos, pero Tommy no pierde sus discapacidades. Sin embargo, sí consigue llamar la atención con su espectacular destreza jugando al pinball, que domina gracias a su único sentido disponible: el tacto. La familia Walker visita a un médico que determina que las discapacidades del niño son psicosomáticas. Tommy mira su reflejo en los espejos de la casa hasta convertir el hábito en una obsesión. La señora Walker acaba por romper todos los espejos en los que Tommy se mira en busca de sí mismo. La acción de su madre destruye el bloqueo mental del muchacho, quien recupera sus sentidos y el habla. El acontecimiento convierte a Tommy en una figura pública, una especie de mesías. Y con la adulación llega el despotismo y la vanidad del chico, quien pronto pasa de amado a repudiado. Finalmente, se refugia en su interior y queda flotando entre sus propios sueños.

Abanico de obsesiones

The Who grabó el disco durante ocho tortuosos meses entre el otoño de 1968 y la primavera de 1969, días de trabajo inagotable que puso a la banda al borde la locura. «Tuvimos que hacer muchas de las pistas de nuevo. Nos llevó tanto tiempo yendo atrás y adelante con las canciones que acabó por volvernos locos. Estábamos sufriendo un lavado de cerebro por el tema y comencé a odiarlo. De hecho, después sólo escuché el disco un par de veces», recordaría Entwistle. Townshend llevó a la banda más allá con un álbum que lograba colmar su abanico de obsesiones. Por ejemplo, los abusos sexuales, de los que fue objeto en su niñez. O la búsqueda de una paz interior que por entonces estaba muy de moda con los gurús. O la forma en la que la vanidad convierte en imbécil a un tipo, de la noche a la mañana. Townshend no solo tuvo la enorme habilidad de contar una historia interesante a lo largo de una inspirada sucesión de canciones, sino que también supo traducir en una obra todas sus ambiciones musicales.

El disco en sí era un enorme reto. Había multitud de arreglos, de capas de instrumentos y de cambios de tonalidad. Tampoco eran ritmos convencionales, aunque para eso contaba con dos fieras como Moon y Entwistle. Obviamente, el trabajo de Daltrey fue también irreprochable y lo consagró como uno de los grandes vocalistas del momento. También el propio Townshend se reivindicó como guitarrista, por más que se alejara conscientemente del peligro de ejecutar solos interminables. De hecho, no había solos en «Tommy», y sí extraordinarios e infinitos riffs. El álbum también contó con la sucesión de acontecimientos inesperados que mejoraron el resultado final. Uno de ellos es la introducción del pinball en la trama y que daría lugar a la que quizá sería la pieza más popular del álbum, «Pinball Wizard».

David Bowie: Space Oddity

“Control terrestre al Mayor Tom. Tomá tus pildoras de proteínas y ponete el casco“, así arranca la canción “Space Oddity” de David Bowie. El artista imaginó la historia de un astronauta que padecía una depresión durante una misión al espacio. Un sonido especial, distinto al que se escuchaba por aquellos días; un folk rock que marcaría los primeros pasos del artista inglés.

El tema se conoció el 11 de julio de 1969, pocos días antes de la llegada del Apolo 11 a la Luna. El mundo tenía puesta su mirada en la aventura espacial. La BBC musicalizó la hazaña de los astronautas Neil Armstrong, Michael Collins y Buzz Aldrin con el tema de Bowie. Pero hubo un error: el cantante la compuso influenciado por “2001 A Space Odyssey”, que el director Stanley Kubrick había estrenado un año antes.

Su primer disco de 1967 con influencias folk, guiños a la música de cabaret y el rock, simplemente había sido un fracaso. La historia de 2001: Odisea del Espacio llegó en el momento justo y fue como un portal de entrada a un mundo psicodélico que Bowie venía experimentando en su vida personal, pero no tenía correlato en la música. Cuando se conoció la noticia del despegue del Apolo XI los planetas se alinearon. La carrera por conquistar el espacio se había acelerado. La humanidad estaba a punto de ver cómo el hombre pisaba la Luna y Bowie pensó que era un buen momento para componer una canción que sonorizara ese hito del siglo XX.

Por esa época, Bowie vivía un romance con una inglesa de clase media llamada Hermione Farthingale, una bailarina que había conocido trabajando para una obra llamada The Pistol. “Yo vivía en una casa muy linda de Clareville Road, con otras seis personas, y David se mudó conmigo. Nuestra habitación era en el ático y veíamos un árbol desde la ventana. Ahí David escribió “Space Oddity”, recordaría con el tiempo Hermione, que le rompió el corazón a ese muchacho sensible de Brixton.

“Space Oddity” se grabó oficialmente en junio de 1969 en Trident Studios, en el centro de Londres. David Bowie utilizó una guitarra acústica de 12 cuerdas y el famoso stylophone. La banda de sesionistas se completó con Mick Wayne en guitarra, Herbie Flowers en bajo, que participaría en el álbum Transformer de Lou Reed, y Terry Cox en batería. El tema se editó el 11 de julio, unos días antes del lanzamiento del Apolo XI. Fue una jugada comercial maestra de Bowie para sacar provecho del inminente aterrizaje lunar. La BBC tocó la canción durante la cobertura del evento y se convirtió en el primer gran éxito de David Bowie al entrar en el top 5 de Gran Bretaña.

La entrada A 50 Años de la Misión Apolo 11. Dos discos para escuchar se publicó primero en Otras Yerbas Rock.

También se incluirá el diario del músico, escrito originalmente para la revista Time Out donde documentó sus preparativos para el show. Y además, una obra de arte de Jonathan Barnbrook, artista que trabajó con Bowie en las carátulas de los discos: Heathen, The Next Day y Blackstar.

David Bowie Glastonbury 2000 estará disponible a partir del 30 de noviembre.

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