Beatles ‘64 se estrenará el próximo 29 de noviembre, siguiendo a Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr desde que aterrizaron en Nueva York en febrero de 1964, consolidando su estatus como la banda más grande del mundo durante su viaje de tres semanas por Estados Unidos.

“Llegamos poco después de que Kennedy fuera asesinado. Tal vez Estados Unidos necesitaba algo como The Beatles para levantarse de la tristeza”, dice Paul McCartney en el recién estrenado tráiler.

El documental presenta material recién restaurado en 4K de la banda, originalmente grabado por los cineastas Albert y David Maysles para What’s Happening! The Beatles In The U.S.A. “Hay una ventaja en tratar solo tres semanas. Fueron solo tres semanas. Al principio pensé, ‘¡Qué desafío!’ Pero al final, fue una ventaja porque realmente te da la sensación de estar allí y ayuda con la inmediatez del metraje de Maysles”, dijo Tedeschi al sitio inglés New Musical Express sobre la diferencia entre su cinta y el sinfín de películas que existen sobre The Beatles.

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Dir. Alex Garland

Las primeras dos escenas de Guerra Civil nos pondrán al tanto de su núcleo narrativo y temático. El presidente de los Estados Unidos da un parte por cadena nacional del enfrentamiento del ejército nacional con el Frente Occidental, que avanza hacia Washington con el firme propósito de aniquilar lo que todavía resiste de su agónico gobierno. Mientras tanto, un grupo de periodistas también avanza hacia la Casa Blanca. Están a 1300 kms. La caída del gobierno es inminente y el plan es de altísimo riesgo, no hay muchos que quieran aventurarse hasta la primera línea de combate.

Así, nuestro grupo protagonista inicia un viaje a través de una nación desintegrada. Todo está destruido y nada funciona normalmente. No solo lo material, tampoco hay una coordenada simbólica, un entramado ideológico que nos permita comprender qué sucede exactamente. Nunca sabremos a ciencia cierta por qué, cómo ni cuándo se ha desatado el conflicto, ni qué ni a quiénes representa cada ejército. Las carreteras y las ciudades están desoladas y los pocos civiles que las habitan, habiendo renunciado a la protección, aprovechándose o desinteresándose sin más de la guerra, parecen haber construido un indescifrable cuerpo identitario; no sabremos bien a qué responde cada quién, pero sí que no tiene nada que ver con los bandos antagonistas en disputa, lo cual los vuelve, al menos en principio, sujetos peligrosos y objetos de sospecha.

Él único bando que parece tener claro de qué lado está, en realidad no está en ningún bando. El periodismo se dice neutral, está allí y acompaña la campaña asesina del Frente Occidental con la objetividad de su profesión. No parece intención de la película cuestionar eso, sino más bien poner en relieve otra cosa.

Dos fotógrafas integran el grupo de periodistas, en un intento constante por lograr un registro de la guerra, de lo que sucede, de lo real. El viaje mismo en el que se embarcan tiene como objetivo, aparte de una declaración, una supuesta fotografía: la del momento en que el presidente sea destituido y asesinado. Es necesario un registro, una imagen que acompañe el relato de ese momento, pues si no, es probable que no se sepa cómo sucedieron las cosas. El combustible es la primicia.

Qué es una imagen es algo que no se puede responder de manera absoluta; como concepto, su uso y significado ha variado en el tiempo, permaneciendo ligado a perspectivas históricas determinadas en mayor medida por la técnica. Pero siendo una fotografía un objeto que se ve, bien podemos decir que es una imagen, y en tanto aquí se trata de fotografías periodísticas, se cifran en ellas ciertas narrativas, condensadas y contenidas dentro de sus propios límites, que intentan dar cuenta de la guerra, en un registro que se puede acercar más o menos a lo real, en tanto no todas las fotografías pueden expresar una idea.

La fotógrafa veterana dirá que hay una proporción igual a 1 sobre 30 respecto de la cantidad de fotografías que resultan, que sirven, que dicen algo. La fotógrafa más joven, una suerte de polizonte aprendiz en este viaje, aprenderá que en el fulgor de la acción es que eventualmente se dará con algo que sirva, y también que para ello, hay que salir en su búsqueda aun cuando arrecien las balas. Y aún más, una fotografía puede ser analógica o digital. En sus comienzos, el hecho de que la fotografía fuera definida por el impacto de la luz sobre un material fotosensible, es lo que acercó de inmediato a esta disciplina al registro de lo real, pues se conformaba a partir de elementos físico-químicos que permitían pensar, al decir de Bazin, en una “huella de lo real”. En la actualidad, la fotografía digital se aleja de aquellos principios de manera absoluta, pues la imagen digital es una imagen modulada, una imagen que modela lo real por medios electrónicos, con gran poder de síntesis. Esta distinción no es ajena al director, que introduce a través de sus personajes ambos registros, en un juego inesperado: la fotógrafa más joven, quien todavía permanece sorprendida ante el mundo por descubrir, usará la cámara, y por tanto la técnica, más vieja. Su maestra y admirada veterana, usará una cámara digital, más propia del mundo contemporáneo y para la urgencia de las noticias en tiempos de guerra. De este modo, el diálogo generacional es cruzado y evoca una síntesis que por analogía construye un universo poético y una tesis sobre la representación del horror, pues lo que se registra en general, son los momentos de más álgida violencia, y lo que subyace siempre, es la cuestión acerca de qué y cómo se puede decir algo de la guerra y las imágenes, o mejor dicho, de las imágenes de la violencia, cuando ya no hay otra cosa que la violencia misma. Quizás, finalmente, sea ese el gran tema de la película.

Crítica de Matías Lapezzata

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Lo que sigue es supervisar su evolución. Bella será educada, en principio, en los confines de la casa con la prohibición de traspasar sus muros. Pero llegado el momento, y reconociéndosele la capacidad de elegir y actuar con libre albedrío, el deseo por conocer lo que pasa allí afuera la llevará de viaje a lo largo y ancho del planeta junto a un amante interpretado con gracia y delicadeza por Mark Ruffalo. 

Cada destino de esa travesía, que no es otra cosa que un viaje de iniciación que la conducirá, más tarde o más temprano, al encuentro de la verdad en su lugar de origen, supondrá un nuevo estadio para Bella. Cada nueva situación se resuelve en un nuevo interrogante sobre la realidad que la circunda y sobre sí misma. Seremos testigos así, siempre desde su punto de vista, del desarrollo de su interioridad reflexiva, su sexualidad, su vínculo consigo misma y con el exterior, con los demás y especialmente con los hombres. En resumidas cuentas, seremos testigos de cómo a través de la experiencia y la mediación del lenguaje en un intento constante por comprender y aprender el mundo que la rodea, Bella adquiere una identidad ligada al conocimiento, que la devuelve al lecho de muerte del dios que la ha engendrado, para dar inicio a una nueva vida. 

Yorgos Lanthimos, quien comenzara su carrera como director de videos musicales para diferentes artistas griegas, tiene en su haber una decena de películas. En casi todas ellas los universos que se representan son cerrados, y someten a los personajes a diatribas que los conducen al sufrimiento, victimas del nihilismo y una realidad totalizadora. En Poor Things, al ser instruida en la filosofía, Bella Baxter descubre el nihilismo y la desigualdad irreparable en que vive la humanidad, pero decide seguir adelante para finalmente conformar un “mundo” en donde la vida sea, al menos, un poco más justa. Al parecer, que Emma Stone haya sido una de las principales productoras es una causa importante de ello. Por lo demás, no es poco en estos tiempos.

Crítica de Matías Lapezzata

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Se suele tildar de “empresa napoleónica” a cualquier intento de llevar adelante una idea, un plan o una acción cualquiera que requiera de un esfuerzo descomunal. Filmar y adaptar para el cine la vida de Napoleón podría ser una de ellas, dada la intensidad con la que vivió hasta su muerte en el exilio en 1821 a los 51 años, pero sobre todo por la cantidad y la magnitud de cosas para contar. El resumen episódico de la última película de Ridley Scott, director de joyas del siglo XX como Alien (1978) o Blade Runner (1984), producida por Apple con centenas de millones, da cuenta de ello de manera abreviada: su aparición en la escena pública durante la Revolución francesa al son de la guillotina (incluida la decapitación de María Antonieta), da comienzo a una narración fragmentada por los que son considerados los momentos más épicos de su vida adulta, que trascienden por mucho a Napoleón para ser parte de la historia del mundo. Hacia el interior de la película, cada uno de estos momentos estará conectado con el regreso al hogar y a las manos de su amada Josefina, a quien se entrega de manera absoluta hasta el final de sus días y con quien vivió una relación conflictiva, tanto por las aventuras de su esposa en los tiempos de campaña como por el hecho de que no pudiera engendrar un heredero. Una trama, la de su ascenso y su caída, y una subtrama, la de su vida amorosa, delinean la historia de un hombre sobre el relieve de la historia de gran parte de occidente, al tiempo que ambas enmarcan los dos puntos de vista con los que nos acercaremos a su figura: la del capitán y gran estratega que lidera ejércitos sanguinarios y quien decía querer ser testigo de su posteridad (rasgo de grandeza, el de una vida proyectada hacia el futuro) como contraparte de una intimidad gobernada por un espíritu taciturno, inseguro e introvertido. No sabemos a ciencia cierta qué se dice del temperamento y la idiosincrasia de Napoleón, pero sorprende la caracterización de Phoenix, muy cerca de otros registros del actor en la interpretación de personajes conflictuados, atormentados en su interior y con dificultades para desenvolverse en el mundo cotidiano.

Una producción magnífica

Y en estos dobleces, entre las idas y vueltas de un hombre llamado a hacer historia, se crea un universo visual y una puesta en escena que deslumbran especialmente en las escenas de las batallas, a partir de la concepción de un espacio que muestra el despliegue estratégico de los ejércitos, pero que también aprovecha la pantalla en toda su dimensión a partir de la recreación de los ambientes palaciegos y aristocráticos en donde transcurría su vida política y citadina.

Es tanta la cantidad de acontecimientos que se narran, y tan grandes sus dimensiones, que en su conjunto la película da la impresión de avanzar a las apuradas, recorriendo las superficies y avanzando en el tiempo, a través de los años y las efemérides, como en una carrera de postas. Sin embargo, algo permanece al modo de un punto fijo o elemento conductor: el cuerpo y el rostro de Napoleón/Phoenix. Es un logro extraño, porque tampoco hay una profundización de su carácter… esta percepción pareciera obedecer más bien a una atracción material, al poder de las imágenes y a la capacidad del Scott para captar a Phoenix como un centro de gravedad, en medio de una producción digital épica y desbordada.

Crítica de Matías Lapezzata.

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Con elementos fantásticos y otros tantos mixturados a partir de la novela gótica, la historia es sencilla: una invasión alienígena parece tomar por asalto la Tierra. No sabemos los fines, qué buscan o qué quieren. En realidad, no sabremos nunca nada. O casi nada, ni siquiera de nuestra protagonista, interpretada por Kaitlyn Dever, quien en completa soledad y atormentada por el pasado, se transformará en la heroína encargada de detenerlos.  Al respecto, hay que destacar el tour de force de Dever como protagonista exclusiva, llevando adelante una actuación física y expresiva en su medida justa estando sola en la pantalla frente a monstruos marcianos en la noche de algún pueblo del sur de EEUU, reafirmando así sus dotes como actriz, que ya pudimos ver, entre otras, en Booksmart, una sensible e inteligente película de iniciación adolescente, que por el 2019 supo refrescar el género tan caro a la tradición norteamericana.

Retomando los comentarios de King, diremos que es cierto que pocas veces el cine logra articular elementos fantásticos y una narrativa al servicio de la acción pura, sin caer en un producto de superficie digital e inocua. No One Will Save You lo logra.

Larga vida al Rey.

Crítica de Matías Lapezzata

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Último recurso estrena en los cines de Córdoba un doble movimiento. Es decir, el film no está solo esperando en la sala a oscuras, sino que sale en la búsqueda de los espectadores de ocasión, quienes deberán ser intrépidos y estar abiertos a las ofertas de otro principio de realidad: el de un cine de acción que se desenvuelve en un universo microscópico, pero que a su vez traza un mapa de una ciudad y de un mundo.

En la película, “Último recurso” es el nombre de una revista impresa a la que se le pasó el cuarto de hora. Como a toda publicación impresa que supo hacer gala de plumas incisivas y un periodismo literario que funcionaba tracción a sangre, el mundo contemporáneo, es decir digital, le ha jugado una mala pasada… ahora que todo se busca en internet y las investigaciones se hacen enviando un mensaje, la redacción, habitada por una vieja guardia adicta a la radio a transitores y al pucho, es un páramo. No hay velocidad para anticiparse a nada, y los días de trabajo parecen transcurrir camino al vacío total.

Pero de un momento a otro, entregas anónimas en la sede de la revista despiertan la curiosidad de una periodista. Motivada por la intriga, y acompañada de su ladera, una nueva integrante del staff que está de aprendiz, emprenden juntas una investigación desopilante en una Buenos Aires medio desierta.

Al parecer, se ha obviado en la historia del periodismo argentino, el triunfo de nuestro país en el que sería el primer mundial del siglo veinte. Pero ese, siendo el tema, no es más que un accidente. La verdadera acción de Último recurso sucede en la potencia de cada escena, compuesta por una sucesión de planos en un montaje en donde nada deja de cumplir una función narrativa. Lo extraordinario, o la verdadera aventura entonces, será dejarnos llevar de plano en plano, de escena en escena, subidos a un viaje a través de un sinfín de acciones menores, cotidianas, a veces absurdas, pero que en el montaje propuesto aceleran la experiencia de lo real, proponen un nuevo contacto con el mundo y nos permiten imaginar una narrativa ahí donde probablemente no se vea nada a simple vista. Y esto no es menor, porque en la pequeña dimensión de las andanzas de esta dupla, muchas veces cómica y repleta de gags, la película no es nihilista, no expone el transcurrir de la vida de sus protagonistas sin ton ni son entregadas a la vacuidad y a empresas sin sentido. Más bien parece llegar para proponernos, desde el virtuosismo de un montaje frenético y lleno de humor, el goce por las pequeñas aventuras, es decir, para mostrarnos que el sentido de la vida está ahí nomás, a la vuelta de la esquina.    

Crítica de Matías Lapezzata   

Trailer: “Último recurso”

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En medio de unas vacaciones familiares, Pablo vive un inesperado reencuentro que actualiza un trauma de su niñez.  Confrontado con la ironía de la casualidad, inicia un perturbador retorno a los paisajes de su infancia, arrastrando en su proceso a su compañera Raquel y a su hijo Joáo. Pablo decide permanecer allí, recuperando un vínculo pasado para enmendar un recuerdo que condicionó toda su vida.

Dice el director

“¿Qué tipo de huellas deja un evento traumático de la niñez? ¿De qué forma ese trauma puede activarse en el presente? ¿Qué pasaría si en la vida adulta, volvemos a encontrarnos con una persona que en la infancia, nos hizo mucho daño? Estas son algunas de las preguntas que dispararon el dispositivo narrativo del film.

La Chancha instala una premisa que me acompañó toda la vida.

La Chancha es un relato biográfico y personal, vuelto ficción.”

Franco Verdoia

Elenco

Esteban Meloni, Gabriel Goity, Raquel Karro, Gladys Florimonte y Rodrigo Silveira.

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La noche del 19 de noviembre del 2009, Cerati se presentó ante más de 10 mil personas en el estadio de béisbol de Monterrey, para ejecutar en dos actos junto a su banda, primero su quinto álbum, “Fuerza Natural” de principio a fin, y luego, los mejores éxitos de la carrera solista del artista.

Gracias a un registro que utilizó tecnología de punta de la época, el histórico show quedó inmortalizado para la posteridad, captura que abrió la puerta para llevar a cabo un estreno en cines una década después para el deleite de todos sus seguidores. La función significará una oportunidad única e irrepetible para presenciar una vez más la calidad técnica y musical que demostraba en el escenario quien es reconocido como uno de los grandes íconos del rock argentino y continental.

Luego de su estreno en cines, el 20 de noviembre, el show estará disponible en formatos físicos (2CDs 1 DVD) y en plataformas digitales.

Sony Music compartió el primer single del álbum titulado Fuerza Natural Tour, Gustavo Cerati en vivo en Monterrey, MX, 2009. Se trata de “Cactus”, el octavo track del quinto y último trabajo de estudio del ex Soda Stereo.

La gira contó con la escenografía y el diseño de producción de Martin Philips (colaborador de Nine Inch Nails, Daft Punk y Soda Stereo), Manuel Morales en vestuario, Nicolás Bernaudo a cargo de las visuales y Adrián Taverna en el sonido.

La banda que acompañó a Cerati fue conformada por Richard Coleman (guitarra), Fernando Nalé (bajo), Leandro Fresco (teclado y coros), Fernando Samalea (batería y percusión), Gonzalo Córdoba (guitarras) y a Anita Alvarez de Toledo (coros).

“El sonido es la mezcla directa de la consola del show y las performances son las mismas que se ejecutaron esa noche, no hay ningún retoque, ni regrabación, no hay remezclas”, aclara la información sobre el documental.

Un mes después del show, Cerati, de cuya muerte se cumplieron cinco años el pasado 4 de septiembre, lo ratificaría junto a su banda en el Club Ciudad de Buenos Aires, en una de las escalas del tour que llegó a su fin, de la peor manera, la noche del 15 de mayo del año siguiente.

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