Perfect Days es el regreso a las pantallas del veterano cineasta alemán Win Wenders, que vuelve a Japón desde donde hace ya casi cuarenta años nos regalara Tokio-Ga. En ella, todos los días un empleado de una empresa que se encarga de la limpieza de baños públicos en Tokio, comienza su rutina rumbo a la gran ciudad en su pequeña furgoneta escuchando música en casets: Van Morrison, The Velvet Underground, Patti Smith, Ottis Redding, Nina Simone y Lou Reed acompañan a Hirayama, que con meticulosidad y un rigor extraordinario, limpia una y otra vez los mismos baños día tras día a lo largo de toda una jornada, interrumpida únicamente por los almuerzos en un parque, siempre en el mismo lugar. Al principio esta rutina no ofrece diferencias sustanciales, pero con el correr de los minutos y gracias a una operación de montaje que irá abreviando las repeticiones para detenerse en pequeñas variaciones, diferencias y acontecimientos, los días con sus noches se revelarán contenedores de pequeñas maravillas: una nube en el cielo, el reflejo en las hojas de un árbol, la pirueta de un linyera, la lluvia, el pedido de un compañero de trabajo, una sombra, una voz, un libro o un trago despiertan la mirada de Hirayama, y con ella un mundo en donde el valor de las cosas no se negocia, porque es inconmensurable. Sabremos en algún momento que Hirayama vive así por elección, que ese refugio de su mirada es tanto un privilegio como un acto de voluntad en busca de algo que no está allí para cualquiera, y en esa consciencia es que Wenders se desmarca de lo que podría ser el retrato de una clase, para poder interesarse en aquello que atañe al cine desde sus comienzos: el juego de las luces y las sombras, y de lo que existe entre ellas.

The Zone of Interest, de Jonathan Glazer, podría ser uno de los tantos reversos de lo anterior. Un fundido en negro da comienzo a la película con una música de una profundidad abismal y siniestra, dando paso a su vez una escena alegre a plena luz del día: una familia pasa el tiempo dedicada al ocio bajo el sol del verano. Los manteles extendidos sobre el pasto están bajo la atención de plácidas mujeres, los niños corren y juegan, un hombre los mira, los cuida y se baña en el lago. Toda la escena, como toda la película, sucede a la distancia. De regreso al hogar, y en el transcurso bucólico de los días que de algún modo se repiten en lo que pareciera ser una zona alejada de la ciudad, gritos, disparos y ruidos de toda clase se escuchan a lo lejos, mientras la vida transcurre apacible. En algún momento, una columna de humo ascenderá hacia el cielo. Estamos en la casa de Rudolf Höss, quien fuera el encargado de supervisar, administrar y dirigir el funcionamiento de Auschwitz, uno de los mayores campos de concentración que construyó el nazismo. Allí todo transcurre de espaldas a lo que acontece detrás del muro que separa la casa de la ingeniería de exterminio nazi. Comidas, fiestas y agasajos, la visita de algún familiar o la inminencia de un posible traslado son las variaciones y vicisitudes a las que está sujeta y sobre las que se debate la familia. Pereciera ser el simple transcurso de la vida. Pero la distancia de los encuadres tanto como la geometría de líneas rigurosas que construyen, determinan un espacio de cálculo y artificio para contener el curso cotidiano de los días, negándoles así a estos personajes un protagonismo y una vida por fuera del sistema del horror. Lo que persiste es el fuera de campo, el resplandor del fuego en la noche sobre la habitación de los niños.

Crítica de Matías Lapezzata

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Las competencias del festival trazan una geografía en términos nominales: películas de la Competencia Argentina podrían estar dentro de la Competencia Latinoamericana, que a su vez, como si de una teoría de conjuntos se tratase, podría estar dentro de la Competencia Internacional. Pero a la hora de ver las películas que cada categoría agrupa, podemos decir que la geografía que representa cada trabajo es la del territorio del mundo, quizás para recordar y confirmar aquella sentencia que expresaba que el cine es un país sin bandera. Pero desde el tiempo en que aquello fue expresado, cuando el cine podía obtener un registro al modo de una huella de lo real, hasta nuestros días, el universo de las producciones cinematográficas ha cambiado a tal punto que en la actualidad, esas difusas fronteras pueden dar como resultado un conjunto de películas hermanadas en su forma, en su estilo y contenido, prescindiendo de su origen o locación, producto de ser más o menos obediente al capital financiero. Es un hecho incuestionable que para filmar una película, en general y con contadas excepciones, hace falta dinero y recursos materiales excepcionales. ¿Quiénes filman? ¿Cómo? La presencia de Netflix en varias de las producciones en competencia sirve como muestra, no como dato sino como modo de constatar la incidencia en las formas. Vale recordar las últimas películas de dos cineasta importantes de nuestra era, cuando visitan las oficinas de Netflix en busca de recursos, exponiendo cada uno a su modo las diatribas de su conciencia en pos de la concreción de su obra, y sopesando las implicancias para las ideas según de donde provenga el dinero. Primero Suleiman en las oficinas de París, y luego Moretti en las oficinas de Roma, ambos rechazando la estandarización a la que la financiación los invita.

En competencia

Adentro mío estoy bailando fue la película con la que inauguró la Competencia Argentina. La producción de la dupla en dirección de Leandro Koch y Paloma Schachmann, comienza en Buenos Aires en el seno de la comunidad judía, y con el pasar de los minutos, conducidos por la fuerza de una narrativa que simula pensar en vivo, al modo de un falso documental, nos veremos viajando por Austria y desde allí a Rumania y Moldavia, en busca de registros audiovisuales de intérpretes de la música klezmer, que ya nadie parece saber tocar y ha ido desapareciendo de la cultura judía de la mano del olvido del yiddish. Es una película que recupera a su modo la premisa que Welles expresara en F for Fake promediando los ‘70, cuando afirma que el cine es una gran mentira ¿o lo decía más bien del arte? Como sea, a partir de una anécdota que nace de una mentira de nuestro protagonista, una voz en off da comienzo al relato. Lo curioso es que esta voz que pretende narrar la película, y que es de una profesora de yiddish que lee un cuento, narra una historia ambientada en un tiempo pretérito, que nada tiene que ver con lo que la película nos muestra, al menos en su literalidad. Y así, entre narraciones y encuentros de toda clase, incluidos músicos autodidactas y profesionales, musicólogos, familiares y personajes propios del mundo de la producción cinematográfica, lo que que resulta es una historia de amor entre un chico y una chica, pero todavía más por la música y la historia de su pueblo, o por la aventura de lanzarse a su encuentro.

Cozarinsky – Ferro: autores

Otra película argentina se muestra sobre el comienzo del festival, esta vez, en la sección Autores y Autoras, una categoría fuera de competencia y que destaca y apela a mostrar mundos de miradas y trayectorias singulares. Dueto, la película en cuestión, es un relato libre y desprejuiciado que intenta acercarse a la representación de la amistad, o a mostrar que sea aquello que llamamos por ese nombre. Ante la urgencia que supone para una vida con un recorrido ya hecho, el horizonte de muerte que nos acompaña desde que nacemos, Cozarinsky y Ferro se juntan en un proyecto común que historiza e indaga en su vínculo, pero apelando a un juego de formas que los conduce juntos al universo del cine: montaje y ficción a partir de lo real, construyen un relato desaforado, vertiginoso, lúdico y sensible que construye formas poéticas, que indaga sobre el mundo y nos cuenta, entre otras cosas, acerca de lo importante de hacer cosas junto a otros.

Crónica desde Mar del Plata de Matías Lapezzata. Crítico acreditado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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Netflix ya publicó el primer tráiler que cuenta como informa el párrafo anterior con la dirección de la cineasta Alyse Kane Riley y las actuaciones de Ángel Garet, Chase Hinton, Chase Offerle, Farah Shea, Kyle Harding y Sage Lorraine.

De acuerdo con la sinopsis de “Come As You Are”, Cobain era como un dios para muchos fanáticos, pero también fue padre, esposo y amigo. De igual modo retratará cómo los seres queridos del vulnerable intérprete de “Smell Like Teen Spirit” estuvieron en muchas ocasiones.

Además de Cobain, una de los personajes centrales de este film es Courtney Love, esposa de Kurt, pues no solo es la madre de su única hija, sino que también fue clave en su vida por acompañarlo en esos años llenos de conflictos.

Aún no se conoce la fecha exacta del estreno del filme, pero la propia hija de Kurt Cobain, Frances Bean Cobain, seguramente informará cuándo estará disponible, pues ya se encargó de promocionar la película en sus redes sociales.

Recordemos que Kurt Cobain, falleció a los 27 años de edad el 5 de abril de 1994 y que el nombre de la película que lleva el título de una canción de Nirvana, también lo es de un libro.

Cuenta la historia que poco después de que Nirvana alcanzase la cima del mundo gracias a Nevermind (Geffen, 91), Michael Azerrad recibió el encargo de escribir la historia de Nirvana por parte del mismo Kurt Cobain. La intención del vocalista no era otra que la de mostrar la verdadera historia de su grupo. Fue así como el periodista de Rolling Stone, que previamente ya había compartido tiempo con el grupo gracias a la cobertura que daba a la escena indie, tuvo acceso directo a todos los miembros de la banda.

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La decisión fue oficializada el, lunes 23 de marzo del 2020, luego de un pedido del Enacom, el organismo público que controla y supervisa el sector, para evitar que el mayor consumo de contenidos desde los hogares pueda afectar negativamente a las redes.

“Ante la situación de emergencia por la pandemia del Covid-19, el Enacom acordó con Netflix la disminución de la definición en sus contenidos para garantizar la conectividad de todos los ciudadanos en la Argentina”, afirma un comunicado firmado por Claudio Ambrosini, presidente del Enacom.

Según se definió, la compañía estadounidense dedicada al streaming de contenidos audiovisuales reducirá la calidad de emisión de series, películas y documentales. “El compromiso es mantener esta condición durante 30 días, volviéndose a evaluar pasado ese período de tiempo”, comentó Paula Pinha, directora de Public Policy para America latina de la compañía, en el comunicado.

Por otra parte, el Enacom busca expandir estas medidas hacia otras plataformas, y convoca al resto de las compañías de streaming de contenidos a adoptar políticas similares. El objetivo, indican, es “garantizar la navegabilidad y así evitar el colapso de las redes móviles y fijas”.

8 tips para mejorar el acceso a Internet durante la cuarentena

Según el Ente Nacional de Comunicaciones, entidad que rige la conectividad a las redes en Argentina, durante este período de cuarentena hay que hacer un uso racional de Internet. Esto es, en lo posible, seguir estos consejos:

Utilizar la red de telefonía fija en lugar de celular para llamadas de voz. Incluso para mensajería.

En la utilización de aplicaciones de mensajería instantánea como, por ejemplo, WhatsApp, Telegram o Signal, entre otros, se recomienda solo enviar mensajes de texto, minimizando el tráfico de mensajes de audio/video.

Al momento de realizar una videollamada, limitar la calidad al mínimo posible (no utilizar HD). *Evitar el reenvío de mensajes que se reciben por cadenas y de cuya fuente no se conoce la procedencia ni la veracidad.

Pensar antes de compartir y verificar, en lo posible, el contenido para distinguir entre la información y las opiniones en los sitios de consulta. Chequear siempre en las fuentes oficiales.

En caso de utilizar servicios de video a demanda mediante plataformas como por ejemplo Netflix o MovistarTV, configurar la resolución en baja definición o standard.

En caso de disponer de un servicio similar a FLOW, Telecentro PLAY entre otros, configurar el uso de esos servicios de video desde el dispositivo, para evitar duplicación de servicios de conectividad hogareños.

Además:

Acordar horarios de trabajo y servicios que se requieran para utilizar durante el teletrabajo.

Realizar las descargas de contenidos “pesados” por la noche o en las horas de menor tráfico en las redes.

En la medida de lo posible evitar las descargas por servicios como Torrent.

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En 2015, cuando hicieron una gira de despedida, los miembros de Mötley Crüe aseguraron haber firmado un contrato que supuestamente les impedía legalmente volver a actuar en directo como grupo.

Así que para anunciar  su reunión y vuelta como banda, Mötley Crüe publicó un vídeo en su página web en el que ese presunto contrato salta por los aires en medio de una gran explosión.

“Una nueva generación de ‘crüeheads’ (los fans del grupo) están reclamando sin descanso que la banda se reúna de nuevo”, aseguró Mötley Crüe en un comunicado bajo el título “¡Mötley Crüe está de vuelta!”.

La  nota de prensa señala que la película de la plataforma digital Netflix “The Dirt”, estrenada en 2019 y basada en la autobiografía del grupo “The Dirt: Confessions of the World’s Most Notorious Rock Band”, hizo resurgir la pasión y el amor de los fans del rock por Mötley Crüe.

Desde su página web señalan que el film tiene una puntuación del 95 % en Rotten Tomatoes y que su éxito ha hecho que la popularidad de los músicos haya subido notablemente, “catapultando la música de la banda de vuelta a lo alto de las listas de éxitos”. Explican que su base de fans se ha rejuvenecido y que las personas de entre 18 y 44 años representan ahora el 64 % de los fans de la formación.

También indican que la película ha provocado que los ‘streams’ de sus canciones hayan experimentado “un ascenso meteórico de casi el 350 %” en los seis meses posteriores al lanzamiento de la producción.

Tommy Lee, Vince Neil, Mick Mars y Nikki Sixx, los cuatro miembros originales de Mötley Crüe, formarán parte de la reunión de esta banda californiana. El último disco de estudio de Mötley Crüe es “Saints of Los Angeles”, que se publicó en 2008.

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Los hermanos, Ross y Rocky Lynch, lanzaron su álbum debut X en junio de este año, y recientemente acaba de lanzar dos nuevas canciones, “A Kiss” y “Forever Always”.

Con grandes temas y una increíble producción, canciones como “Feel You Now” y “Low” muestran la musicalidad que Ross y Rocky han perfeccionado a lo largo de los años en su banda R5. Fue durante la última gira mundial de esa banda, donde los dos hermanos comenzaron a soñar con un nuevo proyecto, The Driver Era.

“Teníamos un montón de canciones que habíamos estado reuniendo por un tiempo”, afirma Rocky Lynch. Aunque evitaron restringir su visión a cualquier sonido o estilo específico, el dúo estableció algunas intenciones firmes para la nueva banda: crear música sin limitaciones autoimpuestas y presionar siempre por la innovación musical.

Terminando con sus nuevas canciones y proyectando su primera gira mundial como The Driver Era, Ross Lynch se desempeña como un actor aclamado por la prensa (recientemente atrajo elogios por su papel principal en la película biográfica del asesino en serie My Friend Dahmer y actualmente protagoniza en Netflix las escalofriantes Aventuras de Sabrina).

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