Los hermanos Sebastián y Eugenio Weinbaum, quienes participan del video, se presentarán en el teatro desde el 26 de diciembre en Mar Del Plata y cuyas entradas se consiguen a través de un sitio portal.

Breve info breve sobre la historia de la banda

RonDamon es una banda de música reggae, oriunda de la ciudad de Mar del Plata, provincia de Buenos Aires y fundada en el año 2002.

“La banda arrancó llamándose Don Ramón los primeros años y después nos llegó una carta documento, no fue de Chespirito, sino de una banda que ya tenía el nombre parecido y tuvimos que cambiarlo y no queríamos irnos tan lejos”, contó Mingo Tambourindeguy, voz principal del grupo.

El éxito de RonDamon se incrementó en cada concierto y así también el número de sus seguidores. Compartieron escenario a lo largo de su trayectoria con reconocidas bandas del género, como Steel Pulse, Natiruts, Gondwana, Pure Felling, Alpha Blondie, Junior Marvin, Fully Foolwood y Armandinho.

Que bonita vecindad, su último trabajo discográfico, llega para coronar los 20 años de carrera de RonDamon junto a los amigos que influyeron y acompañaron para forjar el sonido de una banda que hace del disfrute un estilo de vida. Un disco que propone un recorrido al compás del sol y las olas, y que le pone música al encuentro.

La energía positiva es una constante en este nuevo material de estudio de la agrupación formada por Mingo Tambourindeguy en voz; Diego Wlasic, en bajo; Gonzalo Losada en guitarra; Ignacio Del Río en batería y Milton Fallacara en teclados. El ritmo fluye en cada canción como un torrente magnético y suave que invita al movimiento y a la sonrisa instantánea.

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Conforme el festival y las presentaciones de ocasión en las competencias oficiales fueron avanzando, tanto Pablo Conde, responsable de la programación, como Fernando Juan Lima, designado presidente del festival, manifestaban cada vez con más énfasis la alegría de ver salas colmadas con un público en plan de apropiación del festival, festejando sus consignas y dando relevancia a su existencia. Un estreno por la tarde en el Auditorium podía contar con más de mil personas. Quienes asistieron y participaron del festival con una película, también se sorprendían, especialmente por el interés que demostraba el público para participar, interpelar y conversar a partir de las obras en exhibición. Así, un festival reducido en comparación a otras ediciones, supo de igual modo demostrar que el peso específico del cine se compone también de estas experiencias, abiertas a la comunidad, a precios accesibles y con una curaduría heterogénea y amplia en sus criterios, apostando a la cinefilia y al espectador de ocasión por igual.

Son muchas las cosas que fueron sucediendo, a veces en simultáneo y por fuera de las secciones en competencia o más relevantes. Nos interesa aquí, en esta crónica final, dar cuenta de algunos episodios por fuera de los focos más grandes de atención, pero que de igual modo congregaron asistentes y aseguraron proyecciones a sala llena.

Estados en el tiempo

En la sección Estados Alterados, que se sostiene desde que fuera imaginada por Cecilia Barrionuevo y Marcelo Alderete, tuvo su estreno para la Argentina, Orlando, mi biografía poítica, de Paul B. Preciado, reconocido militante, activista y escritor español trans dedicado al estudio crítico sobre políticas de género. Es interesante el punto de partida de Preciado, porque para pensar su propia biografía, toma como punto de partida la novela Orlando, de Virginia Woolf, cuyo protagonista cambia de sexo y viaja en el tiempo a través de las épocas… también tenemos como referencia inmediata y en articulación con la película, su libro Un departamento en Urano, en donde relata su proceso de transición a través de crónicas que publicaba en un periódico francés.

En esta biografía audiovisual, su historia se cuenta a través de una serie de Orlandos que irán sucesiva y simultáneamente siendo interpretados por personas no binarias diferentes, y que a su vez incorporan su biografía al personaje, dando como resultado, entre otras cosas, un híbrido que oscila entre el discurso testimonial y la ficción. Pero va todavía más allá en su propuesta, porque Preciado, quien a su vez narra en off momentos de su vida, con un notable manejo de los recursos del cine, desmonta también la ficción de la novela para encontrar en ella los rastros de su autora, y desde ahí construir un esbozo de la historia biopolítica del amor romántico. Es una película hermosa y luminosa, porque impulsa a desmarcarse de los estereotipos, a pensar libremente y a considerar a todas las personas como identidades que están siempre, sean quienes sean, en transición.

En el super

Otra sección creada por la dupla Barrionuevo – Alderete es la Super 8 / 16 mm, dedicada a la muestra de obras realizadas en estos formatos fílmicos, proyectadas esta vez en copias restauradas en digital, y añorando otros años en donde podía asistir Claudio Caldini y ofrecer una sesión analógica a cuatro proyectores simultáneos y con música en vivo.

Estos son formatos que en general se usaron y se usan para un cine de corte experimental, que tuvo su auge sobre finales de la década del 60 y en la década del 70.

Por aquellos años en Buenos Aires, de la mano sobre todo del Instituto Di Tella, las artes visuales y performáticas estaban en especial ebullición, captando y asimilando los movimientos provenientes de todas partes del mundo, en una relectura de la modernidad y de casi todos los campos disciplinares del arte.

En esta sección se proyectó, entre otras, Retrato de Marta Minujín, una película en Super 8 de Narcisa Hirsch, una de las primeras cineastas experimentales de la Argentina, que en 1974 entrevista a esta notable artista. La lucidez de Minujín para leer un momento de especial gravedad histórica en donde una sombra comenzaba a desplegarse sobre la historia de nuestro país, el modo en que presenta su trabajo y el interés y la curiosidad de Hirsch para impulsar su palabra y el registro, convierten este documento en una fuerza con un impulso que la lanza desde el pasado hacia el futuro, en un soporte que ya no es standard pero que aún hoy tiene sus precursores.

Cumpleaños atrás de puerta

Mutiny in heaven: Nick Cave’s The birthday Party, película estrenada en la sección Banda Sonora Original, comienza promediando la década del 70 en las afueras de Melbourne, Australia, donde unos amigos y compañeros de la escuela, unidos por el arte, la literatura y la filosofía, formaban una banda que tendría impulso para proyectarse hasta nuestros días: The Boys Next Door. Integrada en sus inicios por Nick Cave, Mick Harvey, Phil Calvert y Tracy Pew, e inspirados por la imaginería de un universo gótico y el consumo indiscriminado de sustancias, llegarían a grabar en 1979 un único disco antes de partir hacia Inglaterra, en busca del eco de la New Wave. Aquel viaje en avión consumió todas las regalías del disco, incluyó golpes a unos de los pilotos y también una serie de conversaciones difíciles de recordar, pero que hicieron que al pisar suelo inglés, la banda hubiese cambiado de nombre: a partir de ese momento se llamarían The Birthday Party.

El documental de Ian White cuenta las peripecias del grupo para hacerse de un lugar en una escena decadente. Viviendo al límite y sin dinero, tocaron y grabaron todo lo que pudieron en unos pocos años, después de los cuales se separan al migrar parte de sus integrantes a Berlín occidental.

Montado a partir de entrevistas a sus integrantes, material de archivo, animaciones y diversos documentos de época, la película cobra valor por un motivo exclusivo: el registro de algunos de los shows de aquel periodo, donde se puede ver y escuchar la fuerza explosiva e impredecible y el caos que desataban en el escenario con su música. O con el poder de la música y Nick Cave.

Matías Lapezzata, crítico invitado de otrasyerbasrock.com, estuvo cubriendo el 38 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Todas sus críticas las podés volver a leer, haciendo click en el slide que cierra este sitio.

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Las competencias del festival trazan una geografía en términos nominales: películas de la Competencia Argentina podrían estar dentro de la Competencia Latinoamericana, que a su vez, como si de una teoría de conjuntos se tratase, podría estar dentro de la Competencia Internacional. Pero a la hora de ver las películas que cada categoría agrupa, podemos decir que la geografía que representa cada trabajo es la del territorio del mundo, quizás para recordar y confirmar aquella sentencia que expresaba que el cine es un país sin bandera. Pero desde el tiempo en que aquello fue expresado, cuando el cine podía obtener un registro al modo de una huella de lo real, hasta nuestros días, el universo de las producciones cinematográficas ha cambiado a tal punto que en la actualidad, esas difusas fronteras pueden dar como resultado un conjunto de películas hermanadas en su forma, en su estilo y contenido, prescindiendo de su origen o locación, producto de ser más o menos obediente al capital financiero. Es un hecho incuestionable que para filmar una película, en general y con contadas excepciones, hace falta dinero y recursos materiales excepcionales. ¿Quiénes filman? ¿Cómo? La presencia de Netflix en varias de las producciones en competencia sirve como muestra, no como dato sino como modo de constatar la incidencia en las formas. Vale recordar las últimas películas de dos cineasta importantes de nuestra era, cuando visitan las oficinas de Netflix en busca de recursos, exponiendo cada uno a su modo las diatribas de su conciencia en pos de la concreción de su obra, y sopesando las implicancias para las ideas según de donde provenga el dinero. Primero Suleiman en las oficinas de París, y luego Moretti en las oficinas de Roma, ambos rechazando la estandarización a la que la financiación los invita.

En competencia

Adentro mío estoy bailando fue la película con la que inauguró la Competencia Argentina. La producción de la dupla en dirección de Leandro Koch y Paloma Schachmann, comienza en Buenos Aires en el seno de la comunidad judía, y con el pasar de los minutos, conducidos por la fuerza de una narrativa que simula pensar en vivo, al modo de un falso documental, nos veremos viajando por Austria y desde allí a Rumania y Moldavia, en busca de registros audiovisuales de intérpretes de la música klezmer, que ya nadie parece saber tocar y ha ido desapareciendo de la cultura judía de la mano del olvido del yiddish. Es una película que recupera a su modo la premisa que Welles expresara en F for Fake promediando los ‘70, cuando afirma que el cine es una gran mentira ¿o lo decía más bien del arte? Como sea, a partir de una anécdota que nace de una mentira de nuestro protagonista, una voz en off da comienzo al relato. Lo curioso es que esta voz que pretende narrar la película, y que es de una profesora de yiddish que lee un cuento, narra una historia ambientada en un tiempo pretérito, que nada tiene que ver con lo que la película nos muestra, al menos en su literalidad. Y así, entre narraciones y encuentros de toda clase, incluidos músicos autodidactas y profesionales, musicólogos, familiares y personajes propios del mundo de la producción cinematográfica, lo que que resulta es una historia de amor entre un chico y una chica, pero todavía más por la música y la historia de su pueblo, o por la aventura de lanzarse a su encuentro.

Cozarinsky – Ferro: autores

Otra película argentina se muestra sobre el comienzo del festival, esta vez, en la sección Autores y Autoras, una categoría fuera de competencia y que destaca y apela a mostrar mundos de miradas y trayectorias singulares. Dueto, la película en cuestión, es un relato libre y desprejuiciado que intenta acercarse a la representación de la amistad, o a mostrar que sea aquello que llamamos por ese nombre. Ante la urgencia que supone para una vida con un recorrido ya hecho, el horizonte de muerte que nos acompaña desde que nacemos, Cozarinsky y Ferro se juntan en un proyecto común que historiza e indaga en su vínculo, pero apelando a un juego de formas que los conduce juntos al universo del cine: montaje y ficción a partir de lo real, construyen un relato desaforado, vertiginoso, lúdico y sensible que construye formas poéticas, que indaga sobre el mundo y nos cuenta, entre otras cosas, acerca de lo importante de hacer cosas junto a otros.

Crónica desde Mar del Plata de Matías Lapezzata. Crítico acreditado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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Las competencias han dado inicio, y no es casualidad que en la previa a la Sexta Edición del Foro de Cine y Perspectiva de Género, espacio de discusión que parece haber llegado para quedarse al festival, las primeras funciones tengan como protagonistas a las mujeres.

Tal es el caso de la primera función del día, en la proyección inaugural de la Competencia Internacional con el estreno mundial de Elena sabe, la nueva película de Anahí Berneri, reconocida directora argentina que tiene en su haber, entre otras, Alanís, con Sofía Gala Castiglioni. Protagonizada por Mercedes Morán y Érica Rivas, la película narra el devenir de una madre en busca de una respuesta, al tiempo que se pone en jaque la historia de toda una vida. En palabras de la directora, se ha intentado contar una historia de y por mujeres, por fuera de los modelos hegemónicos y políticamente correctos, para dar lugar a un relato que pueda pensar a sus personajes por fuera de lo establecido y sin estigmas. Mercedes Morán y Érica Rivas, madre e hija respectivamente, pondrán en escena lo complejo de lidiar con determinados mandatos, y las dificultades que atraviesa su vínculo cuando, en determinado momento, una hija queda a cargo de su madre, en una inversión de roles inesperada y dificil de asimilar, que pone en relieve también los obstáculos incesantes que las vidas tienen que enfrentar en lo cotidiano: el viaje en un tren, o un trámite en un hospital, son empresas que requieren de una energía y una integridad descomunal.La cámara de Berneri, pegada al cuerpo de Morán y en tomas cerradas siempre sigue desde atrás el andar a los tropiezos de una madre con voluntad de hierro, que busca una explicación para la muerte de su hija. Es una película de factoría industrial, que con maestría y oficio através de un montaje que vieja en el tiempo, ensambla la historia y los mundos interiores de la pareja protagonista, para descubrir aquello que no siempre se quiere ver. Se vive como se puede, parece decir alguien sobre el final, cosa que nunca es poco. Tendrá su estreno en las salas de Córdoba el próximo 16 de noviembre, y el 26 de noviembre en la Netflix, compañía que la produce y que ha aportado en buena medida a esta nueva edición del festival.

Alineada entonces con esta perspectiva, y conformando un cuerpo discursivo que se extiende a todas las áreas del festival, hoy también se proyectó la primera de las películas de la Competencia Latinoamericana. Dirigida por Paula Hernández, que tiene en su haber películas como Los sonámbulos y Las siamesas, protagonizada por Alfredo Castro y Almudena González, El viento que arrasa es también una adaptación de una novela homónima, en este caso de Selva Almada. Leni, una mujer de 18 años, lleva una vida nómade junto a su padre, el reverendo Pearson, quien la conduce por algunos recónditos lugares del noreste argentino, predicando la palabra de Dios en un monólogo que dirige incansable a propios y ajenos, en una época indeterminada pero donde se reconoce una marca, pues la música se escucha en casetes. Y será la música justamente el disparador, entre otros, de una crisis que lleve a Leni a preguntarse quién es y qué puede hacer con su propia vida, en un viaje que tiene como telón de fondo el inmenso cielo y la formación gradual de una tormenta. Abandonando los interiores y los planos cerrados de sus producciones anteriores, en esta nueva entrega Hernandez trabaja en un espacio abierto, quizás como contraplano de la interioridad de sus personajes, que en ese desplazamiento por una geografía que se extiende siempre un poco más allá, ven movilizadas y puestas en crisis sus propias subjetividades. Leni, en tránsito a otra dimensión de su vida como mujer, despierta al mundo bajo el nuevo sonido de un casete que obtiene de casualidad, recordándonos, entre otras cosas, la potencia de quiebre que puede alojar, en una canción, la música.

Crónica desde Mar del Plata de Matías Lapezzata. Crítico acreditado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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Entonces cae la tarde y el viento azota desde las profundidades marinas como si de una escarcha invernal se tratase y técnicos de toda clase envuelven, desenrollan, arman, conectan, hablan, van y vienen en un operativo contra reloj que pueda construir el escenario donde gestores, funcionarios, programadores e implicados en el festival den cuenta del trabajo realizado y por venir. También, la fauna de estrellas autóctonas y no tanto se da cita y deambula hacia el hall central guiada por una alfombra roja, previo paso por una tarima desde donde saludar a su público… ¿quiénes están? ¿quiénes se han acercado hoy para participar de este desfile? No hay realmente un fulgor… apenas un puñado de gente congregada eleva sus celulares desde el otro lado de la valla. Romina Gaetani despierta los ánimos, y regala desde las alturas una sonrisa gélida, una mueca aprendida. Pablo Echarri rompe el protocolo y se acerca a un grupo de señoras y señores a quienes les regala unas fotografías. “Gracias linda”, le dice a alguien mientras se aleja con las manos en los bolsillos. Personalidades que nadie conoce avanzan contra la lluvia, apurados por entrar al edificio que se construyera como réplica del estilo francés. De repente un alboroto. El escenario se llena, casi todos son periodistas. En las vallas los gritos: Sergio Tomás! Presidente! “Siempre tan tranquilo y sonriente”, dice un señor con la mirada entregada y llena de ilusión. Todos los presentes lo vitorean. Massa camina y saluda. Su traje desprende un brillo extraño. Finalmente, la pequeña multitud que el candidato de Unión por la Patria arrastra se disuelve puertas adentro. Un loco un poco más allá no ha dejado nunca de gritar. En la esquina, desde temprano se cocinan unos choripanes. Todavía más allá, un despistado pide un pucho y dice no saber qué pasa en frente.

Además de las palabras de ocasión, esta noche en el Auditorio se proyectará la película de apertura: Hombre de la esquina rosada, de René Mugica, basada en el cuento homónimo de Jorge Luis Borges, quien en su tiempo le diera el visto bueno, y restaurada ahora en una versión digital 4 K a partir de los negativos en 35 mm originales.

A partir de mañana, las películas comenzarán a rodar y el público en general a asistir y darse cita en las salas. Hay competencias oficiales, retrospectivas, focos y los queridos ciclos de trasnoche. Hay, después de todo, películas para todos los gustos. El eje rector este año estará puesto en los 40 años de democracia que vive nuestro país desde el fin de la dictadura cívico militar en 1983, que para el cine se traducen en 40 años sin censura ni recortes de fotogramas.

Queda todo un festival por delante. ¡Nos vemos en las pantallas!

Crónica desde Mar del Plata de Matías Lapezzata. Crítico acreditado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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Con 69 años de historia, el Festival se encuentra entre los catorce festivales competitivos reconocidos por la FIAPF en todo el mundo, distinción que comparte, entre otros, con Cannes, Berlín y San Sebastián, además de ser el único en latinoamérica, con esa característica. Acontecimiento cultural fundamental para nuestro país, el Festival propone, como cada año y de acuerdo con su espíritu e identidad, el encuentro entre el mundo del cine y su público.

Esta edición conmemora los cuarenta años ininterrumpidos de democracia en nuestro país. Con este motivo, la Cinemateca Nacional INCAA y la Biblioteca y Centro de Documentación y Archivo “Beatriz A. Zuccolillo de Gaffet”, han recuperado del archivo del Ente de Calificación Cinematográfica materiales censurados por la última dictadura cívico-militar, que se exhibirán con el objetivo de echar luz y hacer público aquello que fue prohibido. La digitalización de ese material ha sido realizada por Cubic, Argentina Sono Film y la Sociedad por el Patrimonio Audiovisual. A su vez, se presentará el libro Fundido a negro. Cine y censura a 40 años del retorno de la democracia, con textos que dan cuenta de dichos hallazgos, con la colaboración de autoras y autores como Graciela Borges, Lita Stantic, Manuel Antín, Albertina Carri, Victoria Solanas y Eugenio Zaffaroni.

La película de apertura será Hombre de la esquina rosada (1962), de René Mugica, basada en un cuento de Jorge Luis Borges. Se verá en su versión restaurada digitalmente en 4K a partir de los negativos originales. Mientras que la función de clausura estará a cargo de Fallen Leaves, el más reciente trabajo del finlandés Aki Kaurismäki.

Además, el Festival contará con la visita del director español Juan Antonio Bayona –gracias al apoyo de Netflix–, quien recibirá un premio a la trayectoria, presentará su último trabajo sobre la tragedia de Los Andes, La sociedad de la nieve, y dará una de las tres Charlas con Maestras y Maestros. También se le rendirá tributo a la trayectoria a la reconocida actriz, directora, guionista y productora argentina Ana Katz y a la Cinemateca Uruguaya –institución fundamental para la cinematografía del continente, fundada en 1952–. Su directora, María José Santacreu, dictará otra de las Charlas con Maestras y Maestros, las cuales incluirán un encuentro destacado con una de las figuras principales de nuestra cultura: la actriz Graciela Borges, quien reflexionará sobre su importante trayectoria.

La Competencia Internacional cuenta con participación de once países en once títulos, entre los que se presentarán seis estrenos mundiales: las argentinas Elena sabe (Anahí Berneri), Partió de mí un barco llevándome (Cecilia Kang) y Las almas (Laura Basombrío); la peruana Kinra (Marco Panatonic); la portuguesa UBU (Paulo Abreu) y Animal/Humano (Alessandro Pugno), coproducción entre España, Italia y México.

Los jurados de las distintas secciones estarán conformados por Charles Tesson, Celina Murga, Mimi Plauché, Prano Bailey-Bond, Tana Schémbori, João Pedro Fleck, Laura Paredes, María Paula Lorgia, Toby Poser, Haroldo Borges, María Álvarez, Flavia Dima, Leandro Listorti, Juliana Antunes, Florencia Schapiro, Felipe Guerrero y Marcela Santibáñez.

Los focos temáticos de este año estarán dedicados al realizador argentino Esteban Sapir; a la actriz, guionista y directora española Ana Mariscal; a la influencia mutua entre el cine y los cómics; al cine de Georgia, con tres películas seleccionadas y presentadas por el director georgiano Aleksandre Koberidze; y Fantásticas: nuevas voces del cine británico de género. Con el apoyo del Instituto Francés y la Embajada de Francia en Argentina se realizará el foco Historia(s) del cine francés. Además, en la sección Super 8/16 mm se podrán ver películas dirigidas por Marta Minujín, Leandro Katz, Elda Cerrato, David Lamelas y Narcisa Hirsch.

Desde 1954, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata refleja el universo del cine argentino e internacional y se consolida como una plataforma de desarrollo e intercambio de la industria cinematográfica y audiovisual: una cita obligada para realizadores, productores, actores, distribuidores y cinéfilos.

La programación completa se encuentra en www.mardelplatafilmfest.com. Las entradas anticipadas se podrán adquirir online a partir del 26 de octubre, a $400 el boleto general o $200 para estudiantes y jubilados. Las actividades especiales tienen entrada gratuita por orden de llegada, hasta agotar la capacidad de las salas en las que se realicen.

Matías Lapezzata, autor de críticas cinematográficas publicadas este 2023 en otrasyerbasrock.com, estará presenciando el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, como crítico acreditado.

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Comenzó a barrenar con 8 años en el Yacht de Playa Grande, en Mar del Plata. En el 71 se mudó junto a su familia a San Francisco, California. Allí dio los primeros pasos en el surf  junto a Lorin Laurenz, un vecino del barrio, Ocean Beach. Fue el pionero en la apertura de la primera Escuela de Surf en diciembre de 1979 en Villa Gesell. Hoy, Edwin es un referente a nivel mundial con muchas historias para compartir como la expedición a la Patagonia Argentina para buscar nuevos points, lo que es surfear una ola Mavericks en San Francisco, California, surfear y explorar Alaska y la Antártida Argentina incluyendo las Islas Malvinas. Si te quedaste con más ganas de conocer experiencias vividas por Edwin Salem después de escuchar este audio, en “La Huella del Surfer”, libro de su autoría, vas a encontrar más historias. Lo conseguís en Mercado Libre.  

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Comenzó a barrenar con 8 años en el Yacht de Playa Grande, en Mar del Plata. En el 71 se mudó junto a su familia a San Francisco, California. Allí dio los primeros pasos en el surf  junto a Lorin Laurenz, un vecino del barrio, Ocean Beach. Fue el pionero en la apertura de la primera Escuela de Surf en diciembre de 1979 en Villa Gesell. Hoy, Edwin es un referente a nivel mundial con muchas historias para compartir como la expedición a la Patagonia Argentina para buscar nuevos points, lo que es surfear una ola Mavericks en San Francisco, California, surfear y explorar Alaska y la Antártida Argentina incluyendo las Islas Malvinas. Si te quedaste con más ganas de conocer experiencias vividas por Edwin Salem después de escuchar este audio, en “La Huella del Surfer”, libro de su autoría, vas a encontrar más historias. Lo conseguís en Mercado Libre.  

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