Textos de Carlos Rolando

Chapter I. El día que el espíritu de Tony Wilson revivió en nuestros cuerpos.

Año 2002. Miguel Peirotti, trabajaba en el Cineclub Municipal. Un día, nos invitó a un gran banquete. El mismo consistía en ver, 24th Hour Party People, en función privada. Los comensales, éramos pocos. Entre ellos, Martín Toledo y Dirty Ortiz. La película, de Michael Winterbottom, cuenta la historia de Tony Wilson, un presentador no muy conocido de televisión, que después de asistir, a un concierto de Sex Pistols, en Manchester, a finales de los años 70, se convierte en empresario discográfico y hace famosa a esa ciudad. Tras lanzar Factory Records, compra un local y pone The Hacienda, su propia discoteca, que termina siendo, una de las más conocidas del mundo.

17 años más tarde, domingo 15 de diciembre, estoy sentado con Dirty, en El Mentidero. Este conocido bar, de Güemes, abre por última vez y dice hasta pronto. Estamos festejando, la tristeza, de saber, que no vamos a estar más, en la grilla de los/as dee –jays, que pasaron por esa cabina, que tenemos enfrente. Pero algo sucedió. Un mensaje de whatsapp, anticipó la llegada de Martín Toledo. Al igual, que ese día, después de la proyección de 24th Hour Party People, volvemos a hablar de rock, recitales, reaparecen historias que parecían olvidadas y nos reímos, como cuando hicimos una fiesta y fueron la misma cantidad de personas que vieron a Sex Pistols, esa vez en Manchester. Es decir, 15, para agrandar la cifra.

Al final de la noche, se fueron agregando personas a la charla, vinieron los brindis generales, nos deseamos entre todos y todas, un feliz 2020. Nos fuimos, como en los viejos tiempos, bebiendo cerveza por la calle. Recuperamos el espíritu punk. En su mochila, Martín tenía un libro de David Foster Wallace. Este escritor americano, antes de quitarse la vida, escribió tres cuentos. Uno de ellos es “La muerte no es el final”. Cuando volvía caminando a mi casa, pensé que cuando todos/as hablan del deceso del rock y ya dieron por sepultado al punk, en esos momentos y ahora mismo, London Calling, de The Clash, a 40 años de su lanzamiento, está vigente como en el 79. En Inglaterra, en el gobierno no está Margaret Thatcher, pero está Boris Johnson y el Brexit divide a los ingleses. Es decir: nada cambió. La historia sigue siendo la misma. La única diferencia es que el álbum de los Clash, salió a escena un 14 de diciembre, es decir un día antes. Los milagros, si existen, se los pido a Papa Noel.

Chapter II – The Sonics

El 9 de noviembre del 2014, a las 21:37, los Arctic Monkeys decían presente sobre el escenario del Orfeo Superdomo. La banda del momento, estaba en Córdoba y las nueve mil almas que se hicieron presente, vitoreaban ese momento. Pero a las 20:07, en el mismo lugar, un terremoto sacudía los cuerpos de muy poca gente. Era The Hives. La banda sueca puso lo que había que poner e hizo subir la temperatura hasta niveles impensados. Esta vez, el orden de los factores alteró el resultado. La banda soporte fue la ganadora y la principal jugó de reserva. En el momento que los suecos liderados por Pelle Almqvist, reventaban mi cerebro, las pocas neuronas que lograba salvar, me decían que ese sonido en algún lado lo había escuchado.

El miércoles 11 de diciembre del 2019, Santiago Ramos, redactor de la web de FM Gamba, me envía una encuesta, que en uno de sus ítems, consistía en seleccionar tres discos internacionales de la época. Buscando en mis archivos, di con ese sonido que no podía descifrar: The Sonics.

La banda fue fundada en 1960 en Tacoma, Washington, por el guitarrista Larry Parypa, al que se unió su hermano mayor Andy también a la guitarra y, momentáneamente, otro hermano, el saxofonista Jerry. En los ensayos, la madre de los chicos, los ayudaba, tocando el bajo. Aparecía, la denominación literal del término garage amateur.

Sus primeras letras no eran más que un retrato de la cultura juvenil de los años sesenta, en las que hablaban de chicas, surf, autos y guitarras, aunque también incluyeron tópicos oscuros y provocadores (“The Witch”). Los psicópatas y las fuerzas demoníacas, tuvieron su canción (“He’s Waiting”). Se adelantaron veinte años al punk y en el 2015, después de cuatro décadas sin grabar, lanzaron al mercado: This is the Sonics. Este disco, tiene un sonido más refinado, pero la furia que mostraron desde el inicio, dice presente. El encargado de grabarlos fue Jim Diamond, que también hizo lo mismo con White Stripes, otra banda influenciada por los Sonics.

Mi llegada a los Sonics fue a través de Hablando de la Coca Sarli, un programa que se emitía, los sábados,  hace no tantos años, en Radio Revés, la FM de la ahora, Facultad de Comunicación Social de la UNC. En ese envío radial estaban Gonzalo y Martín Toledo, Gustavo Ferreyra, más conocido como “tío” y, quien escribió este texto, que un día fue para contar sobre cómo había sido la experiencia de entrevistar a Isabel Sarli y se nominó solo para continuar siendo parte del envío. Meses más tarde, aparecía mi primer programa propio: Intoxicados por el rock and roll. Obvio, que sonaron los Sonics.

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Dice el texto informativo en las redes: 

“En 2004 escribí este diario de fanático del cine en forma de libro sobre actores que me publicó la editorial Comunicarte. En 2005 lo hice en España, vía T&B Editores (quienes cambiaron el “yonquis” original por el “crápulas”, dado que allá la palabra yonqui tiene una connotación muy fuerte; también diseñaron distinto la tapa, que es la que encontré para adosar a este posteo). Hoy lo libero para lectura gratuita.

No es una versión ni corregida en una coma ni aumentada en una letra. Quise ser sincero con mi pasado, así que lo comparto tal cual salió a la venta, con sus claroscuros y erratas. Hoy escribiría otro libro. Y lo haría a pleno día. Pero eso hoy es un detalle. La pasé fantásticamente bien escribiendo estos textos durante los trasnoches de mi trabajo en el Cineclub Municipal, cuando el lugar quedaba vacío y las máquinas se apagaban, salvo por la compañía de mis héroes y de mi computadora, que nunca dormía. Era un joven de 33 años que aún no sabía que años después sus sueños también golpearían las puertas de la realización cinematográfica.

A la foto caracterizado como Johnny Depp en “Pánico y locura en Las Vegas” me la sacó la artista Dolores Esteve. Que lo disfruten mucho”

 

www.otrasyerbasrock.com se comunicó con él, para conocer el por qué de esta decisión.

En síntesis: Miguel Peirotti nos ofrece generosamente este libro de su autoría sobre el séptimo arte, para que lo descargues gratuitamente.

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Esto escribió Miguel Peirotti, curador y presentador del ciclo, sobre este documental:

““Freddie Mercury al desnudo”, hubiera titulado la revista Caras a este documental. Pero el sensacionalismo editorial, todo hay que decirlo, esta vez hubiera revestido algo de verdad. Porque eso es esto: el cantante de Queen en la intimidad de su persona, que dialoga con su personaje, en paralelo al despliegue de su vida al margen de la banda. En Argentina “Freddie Mercury: El gran simulador” se estrenó por televisión en junio del 2013 porque este trabajo se había realizado con destino al mercado hogareño, antes del apogeo del streaming, sin intención de proyectarlo en cines. Actualmente no está programado ni el cable ni en Netflix y es un buen momento para verlo, cuando la “queenmanía” ha vuelto a su más alta temperatura gracias al hit cinematográfico de “Rapsodia Bohemia”. En realidad, siempre es un buen momento para verlo: a Mercury lo querés abrazar apenas dice dos palabras”.

 

Un momento para destacar:

De blanco, con el pelo corto y el rostro limpio, relajado y sin ningún artificio, Freddie Mercury, de pie, recargado en una rockola, charla con su amigo Rudi Dolezal, periodista y videasta. Dolezal no aparece a cuadro. De él, en la pieza de video llamada The Complete Jukebox Interview, sólo se escucha la voz interrogando a Mercury en la que es, según los registros, la última entrevista que el músico dio.

Era 1987. En el video, Freddie habla de dos de los proyectos que, con seguridad, él ya presentía como recta final de su carrera: su álbum solista Barcelona, hecho en colaboración con la cantante de ópera Montserrat Caballé, y el cover de los Platters? The Great Pretender? (El gran simulador), que él acababa de lanzar en la radio en modo solista. ¿Por qué elegiste cantar esa canción?, le pregunta Dolezal, y responde con una conmovedora explicación de lo que él encuentra de sí mismo en esa composición de los años 50: La mayoría de las cosas que hago son una simulación. Es como actuar. Me subo al escenario y aparento ser un gran macho . Y en mis videos voy actuando diferentes personajes. Por lo tanto creo que es un excelente título para lo que yo hago y es adecuado para lo que he hecho. Aunque el significado original de la canción tiene que ver con el amor (con simular en el amor), yo fui un paso más allá. El modo en que lo veo es que siempre estoy fingiendo y todo esto es una ficción. Es sólo diversión.

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La entrada es libre y gratuita.

MIÉRCOLES 9/1

Queen Live at Wembley ’86

(Reino Unido, 1986, 120’).

Dirección: Gavin Taylor.

Sinopsis: Cuando en 1985 se desarrolló con éxito planetario el concierto benéfico Live Aid, la banda que terminó sirviendo el postre y levantando la mesa fue Queen. Explosión de genética roquera en su más lujosa magnitud, exhibición de unidad grupal más allá del ego individual, la actuación de la banda de Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor preanunció la veta comercial de los shows de estadios que caracterizarían a la década siguiente.  Queen en Wembley le dio la tapa al disco en vivo de los ochentas mientras cocía el antipasto de lo que venía. El carácter simbólico de la alquimia-rock producida en Wembley – fue el penúltimo show en el que actuó el line up original, ya que la salud del cantante iría deteriorándose – hoy es lo más relevante de todo, más allá de gustos y top tens. En contrapunto al perfil mortuorio que tomaría la efigie del gran Mercury sobre el final, Wembley permanece como un clásico literalmente monumental porque el paso de los años lo consolidó como el estallido de vida que necesitaban los sobrevivientes del grupo para conjurar las venas abiertas de su historia.

MIÉRCOLES 16/1

B-Movie: Lujuria y música en Berlín Occidental 1979-1989

(B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989, Alemania, 2015, 92’).

Dirección y guión: Jörg A. Hoppe, Heiko Lange, Klaus Maeck.

Sinopsis: Cultura pop y subcultura germinaron como hongos paranoicos en el caos sociopolítico de la ciudad amurallada más representativa del siglo XX. La Berlín del período aludido en el título de esta película fue un micro-big bang que selló a fuego la hipótesis que afirma que los límites – en este caso, “la cortina de hierro” – representan, paradójicamente, el combustible más eficiente para la expansión de los límites de la creatividad. Del estallido post-punk al desenfado post-closet del Love Parade, este gran documental sobre música, construido con material de archivo invaluable, propone un caleidoscopio testimonial sobre la ciudad en la que “los días eran cortos y las noches, interminables”, cuando la capital alemana supo aprovechar la oscuridad política y erigirse en un grafiti sobre la pared de la Historia del siglo 20.

MIÉRCOLES 23/1

Something from Nothing: The Art of Rap

(Reino Unido / Estados Unidos, 2012, 106’).

Dirección: Ice T y Andy Baybutt.

Sinopsis: Un documental sobre los inicios del rap dirigido por Ice T es como ver un documental sobre el cine de Tarantino dirigido por Tarantino: pocas palabras resultarían más autorizadas, más allá de la sombra de la subjetividad y el peligro de la autocomplacencia que sobrevolarían la iniciativa (aunque aquí aparecen muchas voces hablando y, claro, rapeando: Dr. Dre, Snoop Dogg, Kanye West, Ice Cube, el propio T, Big Daddy Kane, Afrika Bambaataa, Chuck D, Common y decenas de artistas fundacionales y continuadores más). Pero es este punto de vista personal el que termina entronizando el trabajo, lejos de acotarlo. T lo convierte en una indagación de archivo sublimada por la primera persona del singular en medio de un desfile de segundas y terceras personas del plural. Ellos. Todos. El rap fue una creación colectiva con fecha de inicio hereditaria, poco clara y refulgente. Hoy, la de la cultura hip hop es la música que domina las ventas del planeta. La calle, la lírica, las drogas y el flow abrieron la veta de un yacimiento de dinero que al día de hoy sigue manando como petróleo; de los primeros MC francotiradores a la comercialización industrial del trap, la mutación de esta subcultura que ya es Cultura ha sabido albergar siempre, haciendo caso omiso a las modas – o sacando provecho de ellas –, a una colonia de talentos sorprendentemente productiva, como un géiser que expele algo distinto cada década. Todo empezó aquí.

MIÉRCOLES 30/1

Nick Cave: One More Time with Feeling

(Reino Unido / Francia, 2016, 113’).

Dirección: Andrew Dominik.

Sinopsis: Una obra maestra escurridiza a las clasificaciones, intuitiva, cruda y poética, filmada en apenas 10 días, bajo los términos de un acuerdo endemoniado y riesgoso entre el director y el omnipresente Cave. Dominik – cineasta nacido en Nueva Zelanda que esculpió su prestigio sobre tres rocas sobresalientes por su ausencia de convencionalismos, un sobriamente amanerado registro formal y la inclusión de una violencia tan esteticista como despellejada: Chopper, retrato de un asesino (2000), El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007) y Mátalos suavemente (2012) – fue abordado por el músico con sinceridad, ya que éste le ofreció que filmara y preguntara lo que se le antoje, con la condición de que Cave pudiera eliminar del corte final cualquier fotograma que le hiciera ruido (o desafinara el conjunto). El resultado es la belleza expresiva del caos. Dicen las malas lenguas (o los malos oídos) que Cave se encabronó luego de ver la película, pero que la cosa no pasó a mayores y que finalmente le puso la firma tras salir, conmocionado, de una proyección en la que los asistentes aplaudieron de pie la sinceridad lóbrega del documental, que representa al cabo un gran homenaje al hijo de Cave, Arthur, muerto durante la grabación de Skeleton Tree.

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