Desde el año 1964, The Skatalites recorre el mundo, tocando sus clásicos, y mostrando la esencia de la época dorada de la música jamaiquina. En las orquestas, los soundsystems, el ska, el rocksteady, el reggae, esta banda tuvo un papel fundamental en la historia de la música de Jamaica.

Aun en órbita por todo el mundo, encaran nuevamente un tour mundial que los trae nuevamente a esta porción del continente, dónde sus fans siempre los esperan, y les brindan su cariño como en cada ocasión que visitan la región.

Un poco de historia

The Skatalites nació oficialmente en 1963, y fue el germen de toda la música jamaicana que ha venido después: del ska al reggae, del dub al ragga. Se considera a The Skatalites como la banda madre de la que salieron todas las demás, ya que varios de sus integrantes fueron los que concibieron lo que hoy conocemos como reggae.

Muchos de los éxitos con los que Bob Marley conquistó el mundo como “One Love”, “Put It  On” o “Simmer Down”, contaban con la interpretación de los músicos de Skatalites, y acompañaron a Marley  en más de 150 grabaciones apenas comenzada su carrera musical, en el primer período del grupo de The Wailing Wailers  (trío vocal compuesto por Bob Marley, Peter Tosh, Neville O’Riley Livingston y Bunny Wailer).

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Sinéad O’Connor: War

En 2004 grabó uno de sus discos en los estudios Tuff Gong, en Kingston, propiedad de la familia Marley y dónde también registraron sus canciones, Snoop Dogg y Lauryn Hill. Allí grabó su séptimo álbum, Throw down your arms y primero con influencias de reggae y en el que decidió donar una parte de las ganancias a las comunidades rastafari.

Throw Down Your Arms , un álbum de 14 pistas que presenta sus interpretaciones de clásicos del reggae, incluidas versiones de Marcus Say Jah No Dead de Burning Spear, Marcus Garvey, Door Peep, Throw Down Your Arms and He Prayed, Untold Stories de Buju Banton, Downpressor Man de Peter Tosh, Curly Locks de Junior Byles y Bob Marley’s War.

Sinéad O’Connor: Marcus Garvey

En 2011, lanzó una canción con sabor a reggae titulada How About I Be Me, producida por el jamaicano Kemar “Flava” McGregor, e incluída en su compilación de varios artistas, Club Dance Riddim, ese mismo año.

Sinéad O’Connor: How About I Be Me

En junio pasado, tuiteó una disculpa por cualquier ofensa que pudiera haber causado por los estereotipos, cuando se comparó con los hombres jamaiquinos por haber tenido deliberadamente cuatro hijos con cuatro maridos diferentes. Los comentarios se hicieron mientras promocionaba sus memorias, Rememberings, en un programa de entrevistas de la BBC.

Bob Marley: Ride Natty Dread

“Y no importa qué juego jueguen / Tenemos algo que nunca podrían quitarnos / Tenemos algo que nunca podrían quitarnos / Y es el fuego, es el fuego / Eso está quemando todo / Siente ese fuego, el fuego”.

El tema es uno de los tracks que componen Survival (1979) y encarna una de las manifestaciones más electrizantes de la obra de Bob Marley. Una canción que estableció un puente con Natty Dread, el disco y canción de 1974 que toma su nombre de una personificación idealizada del movimiento rastafari y que celebra en sus versos: “Natty Dreadlock en una Babilonia (Natty Dread)”. El álbum originalmente se iba a llamar Black Survival para subrayar la urgencia de la unidad africana, pero el nombre se acortó para evitar malas interpretaciones del tema del álbum.

En otras partes de Ride Natty Ride, la composición del jamaiquino agita ese mismo espíritu de comunión y encuentro divino: “Natty sigue viniendo/ Y no importa lo que digan/ Natty lo hace todos los días, ¡sí!/ Natty Dread cabalga de nuevo/ A través de los místicos del mañana/ Natty Dread cabalga de nuevo / No tengas miedo, no tengas pena, ¡sí!”.

O’Connor ha vendido más de 10 millones de álbumes en todo el mundo.

Ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación de Música Alternativa en 1991 por su segundo álbum, I Do Not Want What I Haven’t Got. Su primer álbum, The Lion and The Cobra, fue nominado a Mejor Interpretación Vocal Femenina de Rock en los Premios Grammy de 1989.

Su último álbum, Theology, se ubicó dentro de las listas de los 20 mejores álbumes en los Estados Unidos, Irlanda y el Reino Unido, y se ubicó en las listas de los 100 mejores en Francia, Alemania, Italia, Polonia y Canadá.

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Editado en los Estados Unidos y en el Top Ten del prestigioso ranking Billboard, The Final Battle anuncia su versión dub. The Dub Battle es el primer álbum de Dub que reúne a todos los pioneros y creadores del estilo en cuatro generaciones.

Incluye el último dub realizado por el “Hitmaker” jamaiquino Bunny “Striker” Lee, fallecido en octubre de 2020 y dos versiones estreno de King Tubby, el creador del género. Dos inéditas que nunca antes vieron la luz, interpretadas por las dos bandas participantes: S&R y Roots Radics.

Es la segunda vez en la extensa trayectoria de Sly & Robbie que ingresan en el Top Ten de Billboard y la primera para Roots Radics.

El galardonado The Final Battle, -nominado al Grammy como mejor álbum reggae 2020-, se reeditó en Estados Unidos y The Dub Battle verá la luz en septiembre tanto en CD, en vinilo y estará disponible en todas las plataformas digitales.

Al seleccionar un título para esta colección de reinvenciones dub de The Final Battle, álbum nominado al Grammy, se sugirió el nombre Dub Dubstock. Una idea que recuerda una reunión de los mejores artistas de dub de nuestro tiempo, todo en un sólo lugar, haciendo las cosas que mejor saben hacer y de manera única. Es significativo que ambas bandas destacadas aquí como Sly & Robbie y The Roots Radics, surgieron de los Aggrovators/Revolutionaries en Channel One a finales de los 70. En este Final Battle Dub encontramos a los pioneros King Tubby, Bunny Lee y Lee “Scratch” Perry en su mejor momento, mezclando los dos grupos más importantes de su tiempo, junto con cuatro generaciones de ingenieros del dub.

Un poco de historia resumida en estas líneas

Inspirado por Hernan Sforzini, uno de los percusionistas más audaces y respetados de Sudamérica, esta maravillosa reunión comenzó a gestarse en el Afro Studio de Buenos Aires en 2017. Evolucionó a través de una variedad de estudios y concluyó en el mundialmente famoso Tuff Gong, la instalación de Kingston construida personalmente por Bob Marley en el apogeo de su fama a finales de los 70.

Algunos nombres

SLY & ROBBIE

El legendario combo de bajo y batería comenzó en 1975, creando cientos de miles de ritmos para temas de las principales estrellas. Desde los Rolling Stones y Bob Dylan, hasta decenas de los mejores intérpretes del reggae, los convierten posiblemente en los artistas con más grabaciones de todos los tiempos. Se conocieron en Las Vegas Club de Kingston. Es sorprendente que ambos se apodaran “Bya” y empezaran a tocar juntos en Channel One. Robbie estaba en los Aggrovators y Sly en Revolutionaries. De acuerdo a Sly, les tomó dos años encontrar realmente su sonido. En 1976 comenzaron a grabar y hacer giras con Peter Tosh como Word, Sound and Power. El mentor de Sly fue el baterista de Skatalites, Lloyd Knibbs. El de Robbie fue Family Man Barrett, el bajista de los Wailers. Ellos produjeron sus propias sesiones con una amplia gama de artistas locales, intentando establecer un Motown jamaicano. Respecto a sus inspiraciones musicales, Sly explicó en Barcelona hace una década: “Me gusta hacer bailar a la gente y escucho muchos ritmos africanos. Cuando estaba haciendo el dub, estaba viendo una película y estaban golpeando agitadores y bailando, así que pensé que debía haber una manera de hacer que la gente baile reggae solo con batería y bajo. Robbie y yo empezamos a trabajar, a reproducir patrones y a cambiar cosas y funcionó. Podíamos tener la batería y el bajo tocando todo el tiempo sin nada más”.

ROOTS RADICS

The Roots Radics se convirtió en la primera banda de sesión en Jamaica a principios de los 80, algo así como una rama de los Revolutionaries de Sly & Robbie, liderados por Errol “Flabba” Holt en el bajo, Style Scott en la batería y Eric “Bingy Bunny” Lamont en la guitarra. Encendieron el ritmo de los rockeros militantes en su álbum debut con Barrington Levy, “Bounty Hunter”, producido por Junjo Lawes y fueron enormemente influyentes en la era del dancehall, hasta el advenimiento del revolucionario juego digital Under Me Sleng Teng de Wayne Smith. A menudo de gira con Gregory Isaacs como banda de respaldo, lo acompañaron en su disco Night Nurse y trabajaron con Scientist en varios de sus primeros álbumes de dub. Entre los artistas con los que tocaron se encuentran Bunny Wailer, Eek-A-Mouse, Israel Vibration y Prince Far I.

KING JAMMY

Al igual que muchos otros, King Jammy (Prince al principio), inició su carrera con King Tubby construyendo amplificadores y reparando equipos electrónicos. A mediados de la década del 70 estableció su propio estudio en Waterhouse, trabajando con Bunny Lee y Yabby You. Fue responsable del LP debut de Black Uhuru y culminó con la tecnología digital que cambió el mundo single a través de Under Me Sleng Teng de Wayne Smith, marcando el comienzo de la era del dancehall. Sus artistas incluyen a Dennis Brown, Sizzla, Johnny Osbourne, Cornell Campbell y Frankie Paul, lo que lo convierte en una figura dominante en la música jamaicana de los años 80 y 90.

Argentina – (feat Ken Boothe, Marcus Urani & Don Camel)

Change My Mind – (feat Mighty Diamonds, Dean Fraser & Don Camel)

Glory – (feat Freddie McGregor, Bongo Herman, Choque Cosmico – Don Camel)

BUNNY LEE

Pionero en los primeros días de la incipiente industria musical de Jamaica, Bunny “Striker” Lee trabajó inicialmente para Duke Reid y Leslie Kong. Su primer éxito, “Music Field” de Roy Shirley, lo llevó al estándar “My Conversation” con Uniques de Slim Smith y una serie de otros clásicos como “Wet Dream” de Max Romeo, “Cherry Oh Baby” de Eric Donaldson y “Better Must Come” de Delroy Wilson. Sus producciones se destacaron por el “vuelo cymbal” del maestro baterista “Santa” Davis. Junto con King Tubby experimentaron con una amplia variedad de técnicas de producción, a pesar del equipo primitivo con el que lidiaban. Dijo Lee: “Con todo el bajo y la batería tocando ahora, la cosa comenzó por accidente. Un vocalista canta fuera de tono y cuando llega el momento en que dejas todo, inclusive el tambor y acaricias el bajo, provocas confusión y a la gente le gusta”. El trabajo final de dub de Bunny Lee está en este álbum.

Gwan Run up Yuh Mouth (feat Pablo Moses, Jerry Johnson, Bongo Herman & Don Camel)

Mind Your Own (feat Horace Andy, Dean Fraser & Don Camel)

The Gates of Hell (feat Max Romeo, Matic Horns, Bongo Herman & Don Camel)

MAD PROFESSOR

El productor guyanés con sede en Londres, Neil Fraser, conocido como Mad Professor, fue primero un aprendiz y luego un colaborador de Lee Perry desde 1989 en casi una docena de álbumes. Fraser es quizás mejor conocido por su perversamente serie creativa Dub Me Crazy de doce álbumes y cinco más en las colecciones Black Liberation Dub, que guió al dub a la era digital volviéndose cada vez más extraño y espacial. Responsable de producciones dub de Massive Attack, U. Roy, Yabby You, Depeche Mode, Sade, Pato Banton, Macka B, Bob Andy, Sandra Cross y Johnny Clarke bajo su sello Ariwa. Su nombre deriva de la palabra nigeriana para sonido/comunicación.

LEE “SCRATCH” PERRY

¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya sobre el creador octogenario de los galopantes ritmos que respaldan miles de registros que van desde Paul McCartney, los Beastie Boys, The Clash, Carly Simon, hasta la mejor grabación del trío de los Wailers? Ahora, con 85 años, Scratch explica la derivación de su nombre: “Todo empieza desde Scratch. Así que echale un vistazo a quién soy”. Se inició en Studio One de Coxsone Dodd y rápidamente se convirtió en artista. Grabó 30 pistas para Mr. Dodd y finalmente en 1973, abrió su estudio Black Ark, un revoltijo de chucherías, muñecos crucificados, fotografías en rodajas, maniquíes, posters, graffitis, coronas con joyas y un montón de otros coloridos ingredientes. Los entornos maduros desmienten el hecho de que su primer apodo cuando era joven fue The Neat Little Thing. Los experimentos de dub continúan hasta el día de hoy, mezclando bebés que gritan con transmisiones de radio chinas, murciélagos torturados y piedras chocando entre sí. Sin embargo, de alguna manera, ¡sigue siendo música!

DENNIS BOVELL

Quizás mejor conocido por sus colaboraciones de respaldo para el galardonado poeta del  dub Linton Kwesi Johnson, Bovell, –también conocido como Blackbeard-, miembro fundador de la banda británica Matumbi en los años 70. Nacido en Barbados, se mudó de joven a Londres y estableció el sound system Jah Sufferer. Produjo “Silly Games”, el gran éxito de Janet Kay y aparece junto a ella en la reciente serie de cinco películas Lovers Rock. Sus experimentos dub se escuchan en I Wah Dub de 1980 y continúa en Brain Damage, con sus efectos culturales similares a los de Scratch.

SCIENTIST/KING TUBBY

La frutilla en el postre de esta maravillosa colección son los dos dub de King Tubby nunca antes lanzados que Bunny Lee antes de su partida le dio a Don Camel, el productor de este álbum, uno de cada uno con las dos bandas destacadas.

Cuando Tubby se reunió con el productor Lee “Scratch” Perry, nació Blackboard Jungle (1973), el primer álbum dub.

En 1974, Tubby inició una colaboración con Bunny Lee que lo llevó a su más inspirada producción: The Roots of Dub y Dub from the Roots.

En una entrevista de 2012 con el aprendiz de Tubby, Hopeton Brown, también conocido como Scientist, explicó que “El secreto del sonido de King Tubby era una caja de efectos especiales, una de las tres únicas fabricadas. Tubby la compró a través de Bunny Lee en Dynamic Records, pero no sabían usarla. Era una placa de 12 entradas y cuatro bus. La intención original para la que se usó, nos convirtió en algo diferente que los fabricantes nunca, nunca, jamás soñaron”.

“Dub es una reconstrucción de la música. Un ingeniero de doblaje se parece mucho al director de una orquesta que organiza, realiza el conteo, decide qué miembro de la orquesta y cuándo tocar, cómo hacerlo, cuánto tiempo, etc. Tubby creó el Modelo T de dub. Eso es lo que hizo. Así que el dub es como si el ingeniero ahora tomara el control, en lugar de decirle a un músico con una vara cuándo tocar o qué tan alto tocar, en realidad puede hacer lo mismo con un fader, además de agregarle otros elementos.

Things Must Get Better – (feat The Congos, Bongo Herman, Cedric Myton & Don Camel)

This Morning – Sly & Robbie feat Mykal Rose

Una de las estrategias que desarrolló es cómo mezclarlo para que cada vez que lo escuches nunca suene de la misma manera. Cada vez que se escuche durante los próximos cien años, siempre tendrá un sonido diferente para que permanezca fresco”.

Cuando se le preguntó cómo veía el futuro del dub, respondió: “Como traer a los hombrecitos verdes desde Marte. Mi visión para “The curse of the Evil Vampire” fue hacer bajar a todos esos hombrecitos verdes de Marte y a todas esas personas a las que les gusta la muerte y la destrucción, simplemente reunirlas y enviarlas fuera del planeta para que podamos quedarnos, fumar hierba y solo escuchar música”.

DON CAMEL

Es el año 2021, Hernan Sforzini alias Don Camel, ingeniero y productor de The Dub Battle, reunió por primera vez en la historia a los genios del dub en un solo álbum.

Dice: “Como está en la tierra, está en el cielo, la batalla aún no terminó, de la galaxia llegan las naves en refuerzo para empujar a Satanás de la Tierra”. Esta historia continuará…

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To You – (feat Toots Hibbert, Toots & the Maytals, Bongo Herman & Don Camel)

Parte de los textos sobre la historia de los grandes ídolos fueron escritos o narrados por Roger Steffens, autor galardonado por su libro, “Tantas cosas que decir: la historia oral de Bob Marley”.

El álbum próximo a salir está dedicado a la memoria de Bunny “Striker” Lee, King Tubby, U-Roy y Toots Hibbert. JAH guía! . Las canciones que escuchaste mientras leías esta nota pertenecen a The Final Battle, -nominado al Grammy como mejor álbum reggae 20.

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El material también fue compuesto por Estefan  junto a Aston Barret Jr y Josh David Barrett. Con un reconocido sonido reggae pero sumando un ritmo más moderno a la mayoria de las canciones.

Entre los invitados de One World podemos encontrar a Julian Marley junto a Natiruts en «When Love is Right», Emily Estefan interpretando la voz principal en «Destiny» y «Good Time», Kush Gad con un verso destacado en «When Love Is Right», Frederic Yonnet en “When Love Is Right” y “Only in Jamaica”, Jesse Royal en “Good Time” y el brasileño Carlinhos Brown en la percusión de “When Love Is Right”.

Sobre esto Aston Barret Jr. dijo: «La banda está emocionada. Es un gran álbum. Damos gracias a todos los que nos ayudaron. Mi padre Aston (Familyman) Barrett (bajista y director musical de The Wailer) fue una gran inspiración y maestro, quien me guió hasta este punto en donde pudimos conocer a Emilio Estefan. Ahora tenemos un álbum de primera clase del que todos estamos orgullosos »

Recordemos que Bob Marley y los Wailers grabaron y tocaron por escenarios del mundo entre 1972 y 1981. Fue el propio Marley quien le pidió al grupo que siguiera en la música. El recordado artista hubiera cumplido el 6 de febrero 75 años. Como celebración se estrenó un nuevo video de «Redemption Song», uno de sus himnos más aclamados.

More info:

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Bandas cordobesas  festejan el Reggae Patrimonial Day y a la vez se realizará un homenaje póstumo a Marcelo Rey, cantante de Capitán Amarillo (Q.E.P.D) y primer músico de reggae cordobés que se fue a encontrar con Bob Marley, Peter Tosh, entre otros. Las palabras estarán a cargo del Indio y del Pollo de los Demasiado Revuelto.

Participan las siguientes bandas

Plantalta – Neuronas Reggae – D’Ritual – Blackman &The Innercity – Soundsystems – Dread Dada – Charly de Zumuba Ska – Pollo de los Demasiado Revuelto – Mambrú de Nuna Malta

El ‘reggae’, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad

Se suma así a otras músicas como el tango, el flamenco, el fado , la rumba cubana, el merengue, los mariachis y la ópera china.  Este ritmo se une así a una lista creada en 2003 y en la que ya figuran cerca de 400 tradiciones o expresiones culturales que van desde la pizza napolitana hasta el flamenco, pasando por la cerveza belga, el yoga o el tango.

La Unesco destaca que el reggae “conserva intactas toda una serie de funciones sociales básicas de la música —vehículo de opiniones sociales, práctica catártica y loa religiosa— y sigue siendo un medio de expresión cultural del conjunto de la población jamaicana”.

El reggae se desarrolló en los años sesenta a partir del ska y del rocksteady, e integró influencias del soul y del rythm and blues estadounidenses. Este estilo musical caribeño se popularizó rápidamente en Estados Unidos y el Reino Unido, gracias a los numerosos inmigrantes jamaicanos llegados después de la II Guerra Mundial. A menudo se reivindicó como la música de los oprimidos, abordando temas sociales y políticos, la prisión y las desigualdades. El reggae es indisociable del movimiento espiritual rastafari, que sacraliza al emperador etíope Hailé Selassié y promueve el uso de la marihuana.

En 1968, la canción Do the Reggay de Toots and the Maytals fue la primera en utilizar el nombre reggae, un ritmo que luego cosechó un enorme éxito mundial gracias a los grandes clásicos de Bob Marley y su grupo The Wailers, entre ellos como No Woman, No Cry, Stir It Up o I Shot the Sheriff.

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