La gira “Farewell Yellow Brick Road Tour” del cinco veces ganador del Grammy comenzó en 2018 y originalmente estaba destinada a terminar en 2021, pero se pospuso debido a la pandemia de covid-19. El tour ha sido publicitado como el último después de más de cinco años.  

Según las cifras reportadas a Billboard Boxscore, la gira Farewell Yellow Brick Road recaudó 910,4 millones de dólares hasta el 18 de junio, lo que la convierte en la primera en romper la barrera de los 900 millones de dólares. Le siguen las que rompieron récords anteriores de Sheeran, con 776,4 millones de dólares, y el U2 360 Tour de U2, con 736,4 millones. Eso separa a John de su competencia más cercana por 134 millones de dólares. 

Esta actualización es liderada por tres conciertos en la AO Arena de Manchester (7,4 millones de dólares; 44.200 entradas) y otros tres en la Utilita Arena de Birmingham (6,6 millones de dólares; 38.500 entradas). El tramo final por arenas de Europa le ha generado a John 89,6 millones de dólares en 41 shows brindados. 

Al momento de este informe, publicado el 7 de mayo de este 2023, le quedaban al músico ocho presentaciones del Farewell Yellow Brick Road Tour que reportar, las cuales probablemente agregaron otros 15 a 20 millones de dólares a un recorrido que ya ha batido todos los récords. 

Estos nuevos informes llevan el total de la carrera de John en el Boxscore a más de 20 millones de tickets vendidos desde 1986. Eso incluye 1.437 conciertos como cabeza de cartel, además de otros con Billy Joel, James Taylor, y más. 

Durante su entrevista de 2018 con Cooper, John atribuyó la despedida de los escenarios a su decisión de concentrarse en su familia. El músico tiene dos hijos con su esposo David Furnish. 

“Tuvimos hijos y habíamos cambiado nuestras vidas y en 2015, nos sentamos con su horario escolar y dijimos que voy a extrañar mucho de esto”, le dijo a Cooper en ese momento. 

Afirmó en ese momento que, aunque terminó de hacer giras, continuaría trabajando en nueva música. 

Y mientras el concierto de despedida de Elton John, se llevaba a cabo, no muy lejos de ahí Coldplay se encontraba brindando un show en el estadio Ullevi de Guthenburg de la misma Suecia, y conscientes que a unos kilómetros de la banda, estaba el músico británico dando su último show, decidieron hacerle un homenaje muy especial. 

Chris Martin, líder de Coldplay, se sentó frente al piano para interpretar Rocket Man, uno de los temas más emblemáticos de Elton John frente a sus fanáticos. A su vez, los miembros de Coldplay decidieron hacer una videollamada completamente en vivo con Elton John mientras este también estaba en pleno concierto. Al principio de la transmisión, Elton no sabía que estaba en llamada, sino hasta que Martin habló por el micrófono y le preguntó si podía verlo. Sorprendido, el músico de 76 años volteó a la cámara y se esbozó una sonrisa, además de confirmar que podía ver a todo el público del estadio Ullevi y a los miembros de Coldplay. 

Conociendo a Elton 

Elton John no ha sido un creador de comienzo fácil ni éxito instantáneo. Su estreno oficial, Empty Sky (1969) suele ocupar un lugar destacado en las clasificaciones de artistas célebres con debuts muy próximos al fiasco. 

Nacido y criado en Pinner, suburbio de Londres, John aprendió a tocar el piano a una edad muy temprana. Formó su primera banda en 1962, y se alió con el letrista Bernie Taupin en 1967. Durante los siguientes dos años escribieron canciones para otros artistas como Lulu. 

Ha ganado cinco premios Grammy, cinco premios Brit (dos de ellos honoríficos por su “contribución a la cultura británica” a través de su música), dos  Globos de Oro y dos Oscars. 

En 2004, la revista Rolling Stones lo ubicó en el puesto 49 de su lista de los “100 músicos más influyentes de la era del rock and roll” y en 2013 fue nombrado por Billboard como el cantante de mayor éxito en su lista de 100 artistas de todos los tiempos y tercero en general detrás de los Beatles y Madonna. 

Este informe se realizó con datos extraídos de Billboard, Euronews y Sonicmint.

La entrada Breve informe breve sobre el chau de Elton John a las giras y escenarios se publicó primero en Otras Yerbas Rock.

Editado en los Estados Unidos y en el Top Ten del prestigioso ranking Billboard, The Final Battle anuncia su versión dub. The Dub Battle es el primer álbum de Dub que reúne a todos los pioneros y creadores del estilo en cuatro generaciones.

Incluye el último dub realizado por el “Hitmaker” jamaiquino Bunny “Striker” Lee, fallecido en octubre de 2020 y dos versiones estreno de King Tubby, el creador del género. Dos inéditas que nunca antes vieron la luz, interpretadas por las dos bandas participantes: S&R y Roots Radics.

Es la segunda vez en la extensa trayectoria de Sly & Robbie que ingresan en el Top Ten de Billboard y la primera para Roots Radics.

El galardonado The Final Battle, -nominado al Grammy como mejor álbum reggae 2020-, se reeditó en Estados Unidos y The Dub Battle verá la luz en septiembre tanto en CD, en vinilo y estará disponible en todas las plataformas digitales.

Al seleccionar un título para esta colección de reinvenciones dub de The Final Battle, álbum nominado al Grammy, se sugirió el nombre Dub Dubstock. Una idea que recuerda una reunión de los mejores artistas de dub de nuestro tiempo, todo en un sólo lugar, haciendo las cosas que mejor saben hacer y de manera única. Es significativo que ambas bandas destacadas aquí como Sly & Robbie y The Roots Radics, surgieron de los Aggrovators/Revolutionaries en Channel One a finales de los 70. En este Final Battle Dub encontramos a los pioneros King Tubby, Bunny Lee y Lee “Scratch” Perry en su mejor momento, mezclando los dos grupos más importantes de su tiempo, junto con cuatro generaciones de ingenieros del dub.

Un poco de historia resumida en estas líneas

Inspirado por Hernan Sforzini, uno de los percusionistas más audaces y respetados de Sudamérica, esta maravillosa reunión comenzó a gestarse en el Afro Studio de Buenos Aires en 2017. Evolucionó a través de una variedad de estudios y concluyó en el mundialmente famoso Tuff Gong, la instalación de Kingston construida personalmente por Bob Marley en el apogeo de su fama a finales de los 70.

Algunos nombres

SLY & ROBBIE

El legendario combo de bajo y batería comenzó en 1975, creando cientos de miles de ritmos para temas de las principales estrellas. Desde los Rolling Stones y Bob Dylan, hasta decenas de los mejores intérpretes del reggae, los convierten posiblemente en los artistas con más grabaciones de todos los tiempos. Se conocieron en Las Vegas Club de Kingston. Es sorprendente que ambos se apodaran “Bya” y empezaran a tocar juntos en Channel One. Robbie estaba en los Aggrovators y Sly en Revolutionaries. De acuerdo a Sly, les tomó dos años encontrar realmente su sonido. En 1976 comenzaron a grabar y hacer giras con Peter Tosh como Word, Sound and Power. El mentor de Sly fue el baterista de Skatalites, Lloyd Knibbs. El de Robbie fue Family Man Barrett, el bajista de los Wailers. Ellos produjeron sus propias sesiones con una amplia gama de artistas locales, intentando establecer un Motown jamaicano. Respecto a sus inspiraciones musicales, Sly explicó en Barcelona hace una década: “Me gusta hacer bailar a la gente y escucho muchos ritmos africanos. Cuando estaba haciendo el dub, estaba viendo una película y estaban golpeando agitadores y bailando, así que pensé que debía haber una manera de hacer que la gente baile reggae solo con batería y bajo. Robbie y yo empezamos a trabajar, a reproducir patrones y a cambiar cosas y funcionó. Podíamos tener la batería y el bajo tocando todo el tiempo sin nada más”.

ROOTS RADICS

The Roots Radics se convirtió en la primera banda de sesión en Jamaica a principios de los 80, algo así como una rama de los Revolutionaries de Sly & Robbie, liderados por Errol “Flabba” Holt en el bajo, Style Scott en la batería y Eric “Bingy Bunny” Lamont en la guitarra. Encendieron el ritmo de los rockeros militantes en su álbum debut con Barrington Levy, “Bounty Hunter”, producido por Junjo Lawes y fueron enormemente influyentes en la era del dancehall, hasta el advenimiento del revolucionario juego digital Under Me Sleng Teng de Wayne Smith. A menudo de gira con Gregory Isaacs como banda de respaldo, lo acompañaron en su disco Night Nurse y trabajaron con Scientist en varios de sus primeros álbumes de dub. Entre los artistas con los que tocaron se encuentran Bunny Wailer, Eek-A-Mouse, Israel Vibration y Prince Far I.

KING JAMMY

Al igual que muchos otros, King Jammy (Prince al principio), inició su carrera con King Tubby construyendo amplificadores y reparando equipos electrónicos. A mediados de la década del 70 estableció su propio estudio en Waterhouse, trabajando con Bunny Lee y Yabby You. Fue responsable del LP debut de Black Uhuru y culminó con la tecnología digital que cambió el mundo single a través de Under Me Sleng Teng de Wayne Smith, marcando el comienzo de la era del dancehall. Sus artistas incluyen a Dennis Brown, Sizzla, Johnny Osbourne, Cornell Campbell y Frankie Paul, lo que lo convierte en una figura dominante en la música jamaicana de los años 80 y 90.

Argentina – (feat Ken Boothe, Marcus Urani & Don Camel)

Change My Mind – (feat Mighty Diamonds, Dean Fraser & Don Camel)

Glory – (feat Freddie McGregor, Bongo Herman, Choque Cosmico – Don Camel)

BUNNY LEE

Pionero en los primeros días de la incipiente industria musical de Jamaica, Bunny “Striker” Lee trabajó inicialmente para Duke Reid y Leslie Kong. Su primer éxito, “Music Field” de Roy Shirley, lo llevó al estándar “My Conversation” con Uniques de Slim Smith y una serie de otros clásicos como “Wet Dream” de Max Romeo, “Cherry Oh Baby” de Eric Donaldson y “Better Must Come” de Delroy Wilson. Sus producciones se destacaron por el “vuelo cymbal” del maestro baterista “Santa” Davis. Junto con King Tubby experimentaron con una amplia variedad de técnicas de producción, a pesar del equipo primitivo con el que lidiaban. Dijo Lee: “Con todo el bajo y la batería tocando ahora, la cosa comenzó por accidente. Un vocalista canta fuera de tono y cuando llega el momento en que dejas todo, inclusive el tambor y acaricias el bajo, provocas confusión y a la gente le gusta”. El trabajo final de dub de Bunny Lee está en este álbum.

Gwan Run up Yuh Mouth (feat Pablo Moses, Jerry Johnson, Bongo Herman & Don Camel)

Mind Your Own (feat Horace Andy, Dean Fraser & Don Camel)

The Gates of Hell (feat Max Romeo, Matic Horns, Bongo Herman & Don Camel)

MAD PROFESSOR

El productor guyanés con sede en Londres, Neil Fraser, conocido como Mad Professor, fue primero un aprendiz y luego un colaborador de Lee Perry desde 1989 en casi una docena de álbumes. Fraser es quizás mejor conocido por su perversamente serie creativa Dub Me Crazy de doce álbumes y cinco más en las colecciones Black Liberation Dub, que guió al dub a la era digital volviéndose cada vez más extraño y espacial. Responsable de producciones dub de Massive Attack, U. Roy, Yabby You, Depeche Mode, Sade, Pato Banton, Macka B, Bob Andy, Sandra Cross y Johnny Clarke bajo su sello Ariwa. Su nombre deriva de la palabra nigeriana para sonido/comunicación.

LEE “SCRATCH” PERRY

¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya sobre el creador octogenario de los galopantes ritmos que respaldan miles de registros que van desde Paul McCartney, los Beastie Boys, The Clash, Carly Simon, hasta la mejor grabación del trío de los Wailers? Ahora, con 85 años, Scratch explica la derivación de su nombre: “Todo empieza desde Scratch. Así que echale un vistazo a quién soy”. Se inició en Studio One de Coxsone Dodd y rápidamente se convirtió en artista. Grabó 30 pistas para Mr. Dodd y finalmente en 1973, abrió su estudio Black Ark, un revoltijo de chucherías, muñecos crucificados, fotografías en rodajas, maniquíes, posters, graffitis, coronas con joyas y un montón de otros coloridos ingredientes. Los entornos maduros desmienten el hecho de que su primer apodo cuando era joven fue The Neat Little Thing. Los experimentos de dub continúan hasta el día de hoy, mezclando bebés que gritan con transmisiones de radio chinas, murciélagos torturados y piedras chocando entre sí. Sin embargo, de alguna manera, ¡sigue siendo música!

DENNIS BOVELL

Quizás mejor conocido por sus colaboraciones de respaldo para el galardonado poeta del  dub Linton Kwesi Johnson, Bovell, –también conocido como Blackbeard-, miembro fundador de la banda británica Matumbi en los años 70. Nacido en Barbados, se mudó de joven a Londres y estableció el sound system Jah Sufferer. Produjo “Silly Games”, el gran éxito de Janet Kay y aparece junto a ella en la reciente serie de cinco películas Lovers Rock. Sus experimentos dub se escuchan en I Wah Dub de 1980 y continúa en Brain Damage, con sus efectos culturales similares a los de Scratch.

SCIENTIST/KING TUBBY

La frutilla en el postre de esta maravillosa colección son los dos dub de King Tubby nunca antes lanzados que Bunny Lee antes de su partida le dio a Don Camel, el productor de este álbum, uno de cada uno con las dos bandas destacadas.

Cuando Tubby se reunió con el productor Lee “Scratch” Perry, nació Blackboard Jungle (1973), el primer álbum dub.

En 1974, Tubby inició una colaboración con Bunny Lee que lo llevó a su más inspirada producción: The Roots of Dub y Dub from the Roots.

En una entrevista de 2012 con el aprendiz de Tubby, Hopeton Brown, también conocido como Scientist, explicó que “El secreto del sonido de King Tubby era una caja de efectos especiales, una de las tres únicas fabricadas. Tubby la compró a través de Bunny Lee en Dynamic Records, pero no sabían usarla. Era una placa de 12 entradas y cuatro bus. La intención original para la que se usó, nos convirtió en algo diferente que los fabricantes nunca, nunca, jamás soñaron”.

“Dub es una reconstrucción de la música. Un ingeniero de doblaje se parece mucho al director de una orquesta que organiza, realiza el conteo, decide qué miembro de la orquesta y cuándo tocar, cómo hacerlo, cuánto tiempo, etc. Tubby creó el Modelo T de dub. Eso es lo que hizo. Así que el dub es como si el ingeniero ahora tomara el control, en lugar de decirle a un músico con una vara cuándo tocar o qué tan alto tocar, en realidad puede hacer lo mismo con un fader, además de agregarle otros elementos.

Things Must Get Better – (feat The Congos, Bongo Herman, Cedric Myton & Don Camel)

This Morning – Sly & Robbie feat Mykal Rose

Una de las estrategias que desarrolló es cómo mezclarlo para que cada vez que lo escuches nunca suene de la misma manera. Cada vez que se escuche durante los próximos cien años, siempre tendrá un sonido diferente para que permanezca fresco”.

Cuando se le preguntó cómo veía el futuro del dub, respondió: “Como traer a los hombrecitos verdes desde Marte. Mi visión para “The curse of the Evil Vampire” fue hacer bajar a todos esos hombrecitos verdes de Marte y a todas esas personas a las que les gusta la muerte y la destrucción, simplemente reunirlas y enviarlas fuera del planeta para que podamos quedarnos, fumar hierba y solo escuchar música”.

DON CAMEL

Es el año 2021, Hernan Sforzini alias Don Camel, ingeniero y productor de The Dub Battle, reunió por primera vez en la historia a los genios del dub en un solo álbum.

Dice: “Como está en la tierra, está en el cielo, la batalla aún no terminó, de la galaxia llegan las naves en refuerzo para empujar a Satanás de la Tierra”. Esta historia continuará…

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To You – (feat Toots Hibbert, Toots & the Maytals, Bongo Herman & Don Camel)

Parte de los textos sobre la historia de los grandes ídolos fueron escritos o narrados por Roger Steffens, autor galardonado por su libro, “Tantas cosas que decir: la historia oral de Bob Marley”.

El álbum próximo a salir está dedicado a la memoria de Bunny “Striker” Lee, King Tubby, U-Roy y Toots Hibbert. JAH guía! . Las canciones que escuchaste mientras leías esta nota pertenecen a The Final Battle, -nominado al Grammy como mejor álbum reggae 20.

La entrada Sly & Robbie VS Roots Radics lanzan The Dub Battle. Mini especial reggae/dub se publicó primero en Otras Yerbas Rock.

Jorge Martínez, periodista del diario La Prensa, opina sobre este acontecimiento y la canción de la siguiente manera:

Lo que sucedió el 22 de noviembre de 1963 fue un “sacrificio humano” a plena luz del día, murmura la voz cascada del cantautor. A Kennedy “lo llevaban al matadero, como un cordero sacrificial”. Miles miraban y nadie vio nada, fue “el más grande truco de magia bajo el sol”, “perfectamente ejecutado, consumado con destreza”. El recitado no elude ninguno de los elementos más oscuros del episodio: la ridícula “bala mágica”, el “pelele” que habría sido Oswald, la manipulación del cadáver presidencial y el posterior robo de su cerebro. Ominosos y repetidos pronombres en plural descartan la versión de un solo atacante. Aluden en cambio a muchos conjurados que querían, señala la letra, cobrarse viejas deudas y “matar con odio, sin ningún respeto”. Todo había sido previsto, hasta quien lo reemplazaría en la Casa Blanca. Lyndon Johnson, se nos recuerda, “juró a las 2.38”. Es decir, apenas dos horas después del asesinato.

Dylan no es el único que ha visto en aquel magnicidio un parteaguas de la historia estadounidense (y también mundial). Pero aquí va incluso más allá. Parece encontrar un significado teológico, apocalíptico en el crimen. “Hijo, la era del Anticristo acaba de comenzar”, musita citando una frase dicha por otro. La segunda parte de la canción enumera lo que siguió, que fue el auge del rock y la contracultura en un país al que le “habían arrancado el alma”. Ese tramo es un recitado largo y en apariencia caótico de canciones, bandas musicales, obras de teatro, películas y personajes que marcaron la época (de los Beatles y John Lee Hooker a los Eagles, Fleetwood Mac, Charly Parker o Billy Joel), aunque los primeros exegetas avisan que la selección tampoco ha sido casual.

Se dice que Bob Dylan ha estado obsesionado toda su vida con el asesinato de JFK. De hecho es muy posible que “Murder Most Foul” haya sido grabada años atrás, tal vez cuando se cumplió medio siglo del horror. Por eso es llamativo el momento que eligió para difundirla. Los más suspicaces están convencidos de que también con esa elección Dylan quiso dar un mensaje. Que se propuso unir el pasado y el presente y tal vez el futuro con una misma línea misteriosa hecha de música tenue y palabras lacerantes, ineludibles. Sospechan que su desgarradora letanía histórica debe escucharse, en verdad, como una advertencia de rigurosa actualidad.

Haciendo historia

Bob Dylan ya había sido número 1 en el Billboard con varios temas compuestos por él pero interpretados por otros artistas: la versión de ‘Mr. Tambourine Man’ de The Byrds fue número uno en la lista importante, la del Billboard Hot 100, en 1965, y unos años antes el trío folk Peter Paul & Mary lo fue en otra lista especializada, la de “Middle-Road’, durante varias semanas, con su cover de ‘Blowin’ in the Wind’.

Sorprendentemente, ninguna de las canciones más emblemáticas de toda la carrera de Bob Dylan cantadas por Bob Dylan ha sido número 1 en Estados Unidos, pero tres de ellas alcanzaron el top 2, estas son, Like a Rolling Stone , ‘Rainy Day Women #12 & 35’ y ‘Things Have Changed’.

Un cable de noticias de la agencia Reuters, con fecha del 08/09/2006, daba cuenta de lo siguiente:

Bob Dylan se ha situado en el primer puesto en la lista de discos más vendidos de Estados Unidos por primera vez en 30 años y por cuarta ocasión en su carrera musical. El último trabajo del poeta del rock, ‘Modern Times’, vendió 192.000 copias en una semana, desde su lanzamiento hasta el 3 de septiembre.

Dylan, de 65 años, alcanzó el número uno por última vez en 1976 con su álbum ‘Desire’, que se mantuvo en el puesto durante cinco semanas. En ese momento, el cantante estaba inmerso en la gira Rolling Thunder Revue.

Los otros discos del artista que llegaron a lo más alto de la lista de éxitos fueron el clásico ‘Blood on the Tracks’ de 1975 y ‘Planet Waves’ de 1974.

En 1997, Dylan publicó ‘Time Out of Mind’, una mirada cómica sobre la muerte. Este trabajo se colocó en el décimo puesto de la lista, vendiendo 101.600 copias y ganó el premio Grammy al mejor álbum del año.

‘Love and Theft’, de 2001, entró al quinto puesto con 133.760 unidades vendidas.

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