El libro se centrará en los diversos problemas de salud y dolencias que la leyenda del metal enfrentó durante los últimos siete años, y que precipitaron su decisión de dejar definitivamente de actuar en vivo. Pero también encontrará a Osbourne reflexionando sobre muchos otros aspectos de su vida y carrera, desde su tumultuoso matrimonio con Sharon Osbourne hasta los preparativos para su concierto de despedida estelar. Last Rites será el segundo libro de Osbourne, tras sus memorias de 2009, I Am Ozzy.

Además, Last Rites incluirá historias de los encuentros de Osbourne con leyendas del rock como Slash, Bon Scott, John Bonham y Keith Moon. También contará la historia de los últimos momentos que pasó con Lemmy Kilmister de Motörhead, quien murió en 2015.

En una declaración, Osbourne comentó sobre el libro: “La gente me dice: si pudiera volver a empezar, sabiendo lo que sé ahora, ¿cambiaría algo? Yo les respondo: ¡ni hablar! Si hubiera estado sobrio y limpio, no sería Ozzy. Si hubiera hecho cosas normales y sensatas, no sería Ozzy. Mira, si termina mañana, no me puedo quejar. He viajado por todo el mundo. He visto muchas cosas. He hecho cosas buenas… y malas. Pero ahora mismo, no estoy listo para ir a ningún lado”.

Además del contenido biográfico, la publicación incluirá fotografías inéditas, cartas personales, y material de archivo que enriquecerá aún más la experiencia del lector. Con su mezcla de confesiones crudas y reflexiones maduras, “Last Rites” se perfila como una despedida literaria contundente. Para los fans, será una oportunidad única de acompañar a Ozzy en este último tramo de su viaje, contada con la misma voz irreverente y auténtica que lo convirtió en una leyenda.

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Lou Reed fue, dentro del universo del rock, un observador único de la complejidad humana. En su vasta discografía, dejó un mapa sonoro que explora temas como la identidad, la marginalidad, el amor y la libertad, combinando estos elementos en un collage musical que aún sigue siendo relevante. Según el periodista y escritor Walter Lezcano, quien lo analiza en su libro Por qué Escuchamos a Lou Reed, el artista neoyorquino construyó puentes invisibles entre su obra y sus seguidores. Este vínculo no se limita solo a la música, sino que invita a la audiencia a un mundo donde se relatan historias vividas por unos y desconocidas por otros. Lou Reed no sólo narraba historias de marginalidad y deseo, sino que las convirtió en himnos. Su música, a menudo oscura y provocadora, fue un refugio para quienes buscaban un espacio de libertad en una sociedad que los etiquetaba o reprimía. Canciones como Perfect Day o Walk on the Wild Side no solo cuentan historias, sino que despiertan sensaciones de nostalgia, deseo, soledad o rebeldía en sus oyentes.

Lezcano señala que la magia de Reed radica en su capacidad para conectar con su público a través de letras que no buscan ser comprendidas de manera convencional, sino que plantean un acceso a experiencias marginales y radicales. Desde historias de adicciones hasta exploraciones sobre sexualidades disidentes, su música se convierte en un refugio para aquellos que buscan romper con los límites impuestos por la sociedad. Esta conexión, según Lezcano, es posible gracias a la habilidad de Reed para combinar el sonido y el mensaje de una manera única, utilizando la música popular para abordar temas fuera del común.

Lou Reed fue, dentro del rock, un cronista de la complejidad humana y, en ese mapa recorrido a través de sus canciones, fijó un marco de relaciones entre la identidad, la marginalidad, el amor y la libertad.

Walter Lezcano, periodista y autor de varios libros sobre música y cultura urbana, reflexiona sobre la compleja figura del artista neoyorquino y el impacto que tuvo en su audiencia. Según el escritor, Lou Reed, estableció puentes entre su obra y sus seguidores. Esta comunicación plantea una interpretación y un acceso por parte de los oyentes a un mundo de historias vivenciadas por muchos y desconocidas por otros.

Lezcano destaca que el impacto cultural de Lou Reed se debe también a su capacidad para retratar escenas de la vida marginal, casi como un ejercicio de antropología urbana. Su formación académica en Letras en la Universidad de Siracusa le permitió desarrollar una narrativa que lo convirtió en un observador único de la condición humana. El periodista propone, en este sentido, tomar el concepto de “expedicionario” al referirse a la figura de Lou Reed, porque su obra plantea un deseo constante de escapar de cualquier institución establecida, ya sea la familia, la normalidad de la conciencia o la sexualidad normativa. Agrega al respecto: “Esta experiencia en el arte es donde Lou Reed encuentra la posibilidad de correrse de cualquier opresión, sujeción y respeto a la autoridad.”

Lezcano retoma el concepto de “expedicionario” para describir a un Lou Reed en constante tránsito entre la educación formal y el mundo subterráneo de Nueva York. Su vida fue un viaje permanente entre distintos espacios y cada uno de ellos alimentó su arte con nuevas historias y sonidos.

Estos márgenes representativos de la obra de Lou Reed, para Lezcano, son fluctuaciones respecto a su sexualidad. Y con respecto a esto agrega: “no buscaba ser comprendido en términos convencionales, sino poner en circulación sus historias a través de la música. Para él, la canción pop o rock –con su simpleza melódica y estructura accesible- era el vehículo perfecto para hablar de la sexualidad disidente y del deseo sin restricciones. Su obra escapaba de la moralidad impuesta por la sociedad creando un espacio libre  de normas eclesiásticas o discursos conservadores”.

Lou Reed no llenaba estadios, pero ninguna radio del circuito comercial deja de incluir en su musicalización alguna canción de él, porque, más allá de las diferencias idiomáticas, las personas disfrutan de sus canciones, marcadas por diferentes capas de sonido. En cuanto a esto, Lezcano agrega: “Lou Reed posee una capacidad creadora de sonidos agradables, de estribillos seductores y de texturas sonoras, tal como lo hace en Walk on the Wild Side (disco Transformer).”

Lezcano afirma que la relación que establece Lou Reed con el oyente, a través de su línea lírica, utiliza elementos que permiten consolidar la interpretación más allá del idioma. Estos elementos se pueden identificar en el disco Transformer, porque allí aparece la estrategia de puntos de conexión a través de una cierta lectura entre líneas. Pero también existe una conquista con aquel oyente exento de conocimiento sobre lo que canta el autor o narra, a partir de su forma de instrumentar sus canciones y la construcción de una leyenda en su persistencia en el tiempo, lo que genera un territorio común.

Lezcano dice que las letras de Lou Reed poseen una contundencia, un impacto y una trascendencia que lo posicionan en “la vereda de enfrente” a las convencionalidades sociales, como todo un acto político.

En los últimos años de su vida, Lou Reed se volcó a una búsqueda personal que iba más allá de la música. Descubrió en el Tai Chi Chuan un nuevo camino, una forma de trascender el cuerpo y el caos que marcaron sus primeros años. “Después de haber tenido salud para gastarla y un hígado para destruirlo, buscó también trascender la carne, trascender lo terrenal”, señala Lezcano.

A lo largo de su carrera, Reed fue más que un músico: fue un narrador de lo prohibido, un explorador de los márgenes y un testigo de la crudeza de la vida urbana. Su legado no solo perdura en sus canciones, sino también en la forma en que desafió las normas, transformando la música en un territorio de libertad. Hoy, décadas después, sus letras y melodías siguen resonando en aquellos que buscan en el arte un refugio para lo que la sociedad aún no sabe nombrar.

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Walter Lezcano nació en Goya, provincia de Corrientes, Argentina, en 1979. Se crió en la localidad de San Francisco Solano. Es escritor, poeta, ensayista, periodista freelance y docente de secundario. Descubrió su interés por la literatura en la casa de su padrastro, leyendo alguno de sus libros, y supo que él también deseaba contar historias. Ha publicado más de veinte títulos, entre novelas, cuentos y poemarios, la mayoría en editoriales independientes. Autor de “Por qué escuchamos a Lou Reed” (Gourmet Musical, 2020). Ensaya sobre las influencias literarias de “El Rey de Nueva York” -tal como lo definió David Bowie– y en cómo impactaron en su vasto legado musical.

Redacción: Elena Abaca Licenciada en Comunicación Social, su tesis para ser Licenciada se basó en la obra de Lou Reed.

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Una cerveza que fue negada en un evento celebratorio del Día del Periodista terminó convirtiéndose en la espuma en la que germinó Sacate la Gorra, un fanzine que empezó en tamaño A4 para luego convertirse en una especie de revistita. En ningún momento tuvo un precio de tapa. El objetivo era que la gente que se manifestaba en las calles, muchxs sin tener una idea concreta de por qué lo hacía, tuviera un marco teórico. Por eso en los primeros números, además de comentarios sobre bandas con compromiso político, caso The Clash, había personajes como Rosa Parks, que fue la primera mujer negra en sentarse en un lugar para blancos en un colectivo.

La demanda se fue incrementando y el bolsillo se fue achicando, por eso, los que no podían acceder a la versión papel, lo hacían de modo virtual entrando a la sección fanzines de otrasyerbasrock.com. “Conseguí la versión papel en movilizaciones y disturbios”, fue el slogan utilizado para que los lectores supieran dónde iba a estar repartiéndolo.

Los años pasaban, el fanzine iba variando en la temática sin perder de vista la materia prima esencial: el rock; hasta que apareció “Editorial alas @poramoryrabiaa” y en un acto de rebeldía, pocas veces vista en estos tiempos, decidió seleccionar los mejores textos y agregarles algunos comentarios sobre coberturas como las del Cosquín Rock y Lollapalooza de este año, entre otras.

“La revolución sucedió y yo dormía”, nombre del libro que surgió una noche cuando me di cuenta que había visto bandas o solistas que después llenaron estadios y en el momento de verlos y escucharlos no le di la real importancia que tenían, por estar como esos críticos de rock que siempre ven en el pasado lo que sucede en el presente y a quienes el futuro les parece tan lejano que cuando éste llega, siempre lo encuentran en la vereda equivocada o durmiendo.

Lo que van a leer en Sacate la Gorra, la revolución sucedió y yo dormía, es una serie de textos escritos en formato periodismo Gonzo, tratando de reivindicar a Lester Bangs y bregando para que el mismo desde el lugar dónde se encuentre en el más allá, se sienta orgulloso de que alguien en una ciudad llamada Córdoba, piense en él.

La presentación del libro se va a llevar a cabo en febrero, en un bar, dónde el autor va a pasar música y los asistentes van a recibir un fanzine con una entrevista que le hizo Sandra Peralta. Las palabras habladas no tienen sentido cuando las expresiones quedan plasmadas en papel.

Sacate la Gorra, la revolución sucedió y yo dormía, se consigue en el Puesto de Payton, Cañada a escasos metros de Achaval Rodríguez, los días que abre el Paseo de las Artes.

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“Cuando el fuego es una invitación a caminar la noche -las noches-, a quemarse los pies descalzos en una suerte de fogata de San Juan que es aquello que arde, que extraña, que anhela. Una noche que puede ser cordobesa, pero también de cualquier rincón del mundo; noche que deriva de los placeres del fuego.

La poesía de Santiago nos lleva por senderos rizomáticos que dibujan la ciudad ante los ojos de quien está dispuesto a: transitar la soledad y seguir apostando a ese fuego que es el cuerpo cuando ama y duele, cuando comienza y acaba. Hay en estos senderos puertas y ventanas que le guiñan un ojo al rock, a la literatura beat, a la serranía, y a todo aquello que históricamente ha invitado a la humanidad a pensarse a sí misma.

Tiene este libro paisajes entre la noche y el día; entre el amor y el desamor; entre el sexo y la muerte; lo que llamaríamos la vida misma. Una invitación a mirar con otro lente los días y abrazar lo que somos y esto que hay, para construir cuidadosamente aquello que nos falta. En pocas palabras, un camino que persigue, insistente, al deseo.

Cuando el fuego es, entonces, una invitación a dejarse atravesar por esos caminos que pueden acercarnos a las costas de un mundo inmenso, que pareciera construir lo imposible con el conjuro cotidiano del ser con y para otro”, escribe Renata Camila en la contratapa del libro.

Una chispa preliminar

Casi todo lo que Santiago Pfleiderer nos dice a lo largo del presente libro es sin ambages, expresado con matices de una poética confesional, según los tonos de una voz introspectiva -sin paliativos- que se desplaza sobre los elementos usuales y naturales de la existencia, entre luces y sombras de un mundo vital, sensitivo, vincular e ideológico. Ya en el primer poema el poeta nos cuenta aquello que le pasa ante un grupo de diversas circunstancias del misterioso acto de existir. Nos lo dice, de una, a cara descubierta. Luego comenzará un rico camino de permanente ampliación, un libro constituido a partir de un lenguaje mundanal que respira, toca y huele cada porción de lo cotidiano (allí están: el tabaco, la yerba, la noche, la lluvia, los libros, los discos, las películas, el sexo… el fuego) y de un espacio donde las ritualidades personales dan cuenta de la prevalencia del espíritu.

Adentrados en la lectura podemos encontrar, tanto en la brevedad de un poema como en la articulación de varios de ellos, el repentino fraguar de un acierto, o un hito al desnudo de las formas fundacionales del acto de escribir. Por ejemplo:

 

“Si pudiera nombrar el punto exacto

donde se quiebra el Universo,

diría tu nombre.”

Allí, como en otros pasajes, se muestra una de las vertientes de la necesidad poética. Y esa vertiente, ese nombre liminal, es siempre el de alguien concreto, que con fuerza catalizadora impera en la construcción de los versos. Sin embargo, no es sólo ese u otro nombre el que habilita el decir, sino también el reiterado y deseado amanecer de la otredad: la posibilidad de una escucha, la hermosa ilusión de la correspondencia. Al compartir su decir, Santiago nos convierte más en cómplices de una vivencia múltiple que en pasivos testigos frente a un mero desfile de belleza.

Cuando el fuego es un libro donde los poemas nunca se rebajan al reproche, ni se dejan atrapar por el goce mórbido de las heridas. Esto es así porque tenemos ante nosotros a un poeta parapetado en la poesía, armado de corazón, consciente de la intensidad existencial, que está dispuesto a dar batalla ante los fantasmas del quebranto, la soledad, el olvido y lo perdido.

Santiago, además, sabiendo y sintiendo que en todo concierto del alma siempre hay mucho más para decir, para intentar la utopía de la completud, nos brinda algo extra, eso que continúa más allá de un primer camino, de las formas explícitas o veladas de los versos. Así, la prosa irrumpe sobre territorios bien definidos: el cuerpo, el barrio, la memoria, las sierras, el llano y la ciudad de Córdoba. Todo en un “bonus track” que no omite, ni por descuido, el singular ingrediente literario de un autor consolidado en lo identitario.

Por todo lo dicho invito a leer Cuando el fuego, bajo la luz poética de nuestro propio fuego. Y propongo que festejemos a espíritu abierto, con gratitud, la humana oportunidad que nos brinda este inequívoco manifiesto a favor del amor”, escribe Ricardo Gutiérrez en el prólogo.

El Autor:

Santiago Pfleiderer nació en agosto de 1984 en la ciudad de Córdoba. Estudió Letras Modernas y Comunicación Social en la UNC. Desde el año 2007 ha trabajado y colaborado en programas de radio y en diferentes medios gráficos como periodista cultural. Publicó los libros Rapsodia Bohemia (novela, editorial Antiplán, Córdoba, 2012), y Poemas de Látex (Ediciones de Autor, Córdoba, 2014). Su escritura está atravesada por la música, los paisajes, las diversas experiencias cotidianas y el acercamiento a las artes marciales. Participa en varias antologías literarias y en publicaciones periodísticas.

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Así, arrancamos con un tramo contrafáctico –entre los sobresalientes se halla seguir a Tracy Chapman por las calles de Buenos Aires–, continúa con uno más personal –apoteosis riverplatense incluida–; y luego un intervalo celebrities con apostillas en torno al Hollywood local.

Los últimos dos capítulos encienden la mecha de la pasión. Entre un Juanse pletórico y la estela Pavement, entre Celeste Carballo y la impronta de la trilogía cinematográfica Antes del amanecer, Strassburger revisa el peso de esas influencias. Tu ídolo es un ídolo es la clave de entrada a un mundo sin fecha de vencimiento”, escribe el periodista, poeta y músico Gustavo Álvarez Núñez sobre Tu ídolo es un ídolo.

Juan Manuel Strassburger es periodista de espectáculos y cultura. Escribe en Radar (Pag/12) y Sábado (La Nación). Antes: Clarín, Tiempo Argentino, La Mano, El Cronista y más.

El arte de tapa es de Cecilia Salas

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Con escenarios y personajes que no por capricho se repiten, el lector tiene en sus manos una trilogía de relatos que conforman un todo en el universo de misterio y terror que Flavio Cianciarulo supo desarrollar desde sus primeros relatos en Surfer Calavera y Música siniestra para estas navidades, ambos íntimamente ligados a su novela de 2015 La Máquina de matar pájaros.

Así, en este libro, Sr. Flavio desliza su pluma con fuerza sobre lo que conoce: el océano, el punk, los roqueros, surfers sazonados con sirenas, brujas, abducidos, apariciones, detectives paranormales, motociclistas satánicos y demonios adolescentes. Como resultado, nos encontramos frente a un ritmo cadencioso y firme que sin dudas termina de cerrar un círculo de sentido en la narrativa de Flavio Cianciarulo con 200 páginas de cuentos de terror, ficción rock, misterio y fantasía clase B, con una mirada ambientada a mediados de los ochenta y noventa.

Así, con un ritmo cadencioso y una pluma firme, Cianciarulo sumerge al lector en un viaje fantástico y alucinante en un entorno que, en la superficie, aparenta calma y seguridad. A mediados de la década del ochenta, el Dr. Calavera, un asesino serial con reminiscencias metafísicas y satánicas, comienza a matar, aterrorizando uno de los destinos turísticos icónicos de la costa atlántica Argentina: Mar del Plata, mejor conocida como La Ciudad Feliz.

Inexplicablemente, mitos locales y pesadillas que se creían habladurías para asustar a niños, parecen cobrar vida. Años más tarde, los crímenes comienzan nuevamente.  La policía no encuentra explicación a la serie de crímenes violentos, aunque tienen como principal sospechoso al líder de una pandilla de motociclistas que habitan en Médano Oscuro, un misterioso paraje a 25 kilómetros de la ciudad de Mar del Plata. A partir de un hilo conductor donde los personajes cobran protagonismo en situaciones y épocas diferentes, en este libro, Flavio Cianciarulo nos invita a recorrer esta inquietante serie de relatos que mezclan el terror, policial negro.

Además, Flavio recibió en su estudio la visita de Fernando Ruiz Díaz, para grabar una nueva versión de “Manuel Santillán, El león”, para su próximo disco. Flavio tocó el bajo y su hijo Astor, la percusión.

En simultáneo, el Señor Flavio junto a su banda lanzó el EP Rata de playa, que arranca con un retrato costumbrista de la escena surfer (“Marplanauta”) en clave reggae.

Sr Flavio: Marplanauta

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Dice el autor en una especie de gacetilla presentación.

“Salió el libro nomás. Mi primer libro ¡Por fin! Se hizo esperar, el guacho, para mí, demasiado, pero para mí terapeuta y para los que me quieren, llega en el momento justo.

Llega en el instante en el que algunas de mis confesiones —así las llamó un lector—sienten la necesidad de salir del closet. Sí, después de cuarenta años de oscuridad, estas introspecciones, estos descargos del subconsciente, levantan la persiana y dejan entrar al sol. Dejan de pertenecer a un código secreto y oculto, a una jerga que puertas adentro y en la soledad de mil noches se alimentaba en el virtual anonimato.

Imposible contener tantas palabras, pero aparece la vergüenza, la falta de confianza y el perfeccionismo estúpido e inútil ¿Qué estoy contando acá? ¿Cuentos o poemas? ¿Mitad y mitad? ¿Con rima o sin rima? ¿Por qué en verso y no en prosa? ¿Es esto poesía? Y los de afuera con sus interpretaciones, con sus dudas y certezas ¿A quién le estás escribiendo? Muy retorcido lo tuyo ¿Mirá si lo leen tus hijas, las madres del colegio o los pibes del barrio?

Imposible esconder tantas palabras, porque aparece la imprenta y los artículos. Porque en el baúl de la baja autoestima, aparece una voz que rompe el silencio y se pone a latir, una voz que blinda los cristales de la generación de los platos rotos, una voz a la que llamé Lirismo Falopa y que sale en libro nomás”.

Dice el prólogo que escribió José Bellas, ex director del Suplemento Si de Clarín.

Bienvenidos al lirismo falopa.

El escritor Richard Ford situó en Canadá, de hecho, se llama “Canadá”, la parte central de una de sus mejores novelas. En aquel país es donde el adolescente protagonista, Dell Parsons, busca una redención luego de que sus padres terminaran presos por robar un banco. Canadá es, entonces, la segunda oportunidad de este personaje de ficción.

Para Álvaro Fernández, que nació el mismo día que Janis Joplin se fue de este mundo, Postales de Canadá es uno de los cuatro cuadernos en los que decidió apresar su poesía.

Un guiño tumbero, una polaroid experimentada cuando de tanto querer ser libre la sociedad le puso barrotes. Y si algo tengo que decir de este hombre con el que nos conocimos de niños (cuatro inolvidables años de escuela primaria en plena dictadura, de 4to a 7mo, entre 1980 y 1983) con el que me reencuentro cuatro décadas después, es que no escribe porque tiene chapa y prontuario. Tampoco para alardear. Menos para buscar una cucarda marginal y ser un elefante bukowskiano en el bazar de las generaciones de cristal.

Álvaro escribe porque la mejor cuarta pared de su vida estuvo cubierta por una biblioteca familiar, amplia y surtida. Era voraz lector a los 10, un chico con una curiosidad fuera de foco: todo parecía interesarle. Era rengo antes que La Renga (varias son las versiones que alimentan el mito de su casi imperceptible cojera: una caída del tobogán más alto de la plaza de Villa del Parque, que es la que yo me sé, una bala de calibre 32 recibida en un ajuste de cuentas en el Bajo Flores, versión escuchada en bares nocturnos o la que probablemente sea cierta, una enfermedad en la cadera llamada Perthes, provocada por mala irrigación de la sangre en la cabeza del fémur) y stone antes que ser rollinga fuera ley, a tal punto que era la única persona del grado con la que podía compartir mi precoz amor por el quinteto inglés. Una anomalía proyectada.

Este volumen, el primero del autor, es el destilado de un devenir. “Vivir con desmesura, escribir como un monje”, parece ser el mandato de un tipo que escribe con métricas y disciplina en una era donde todo embarque poético no parece ser otra cosa que prosa + enter. Así como Fabián Casas supo llamar “boedismo zen” a sus satori literarios, aquí descubrimos que el Lirismo Falopa puede ser un etiquetado frontal posible. Un octógono de calle, versos, ansiedad, locura, sexo, rock, sombra y vida.

Con el permiso del autor, que ha consignado cuatro historias con disciplina y un afán, reitero, no muy de estos tiempos, exhorto al lector que también pueda desarmar algunos extractos y maridarlos a gusto. Quien suscribe, por ejemplo, no deja de encontrar que el crucial 72 horas es la mejor manera de acompañar el pico de calma, desarrollo y estrépito que suponen los 10 minutos de la suite Three Days, del grupo de rock Jane‘s Addiction.

Sabrán ustedes qué hacer. Álvaro lo supo y vive con la resaca de sus pecados y la luz de su curiosidad y sus letras. Con nombre propio.

Conociendo al autor

Álvaro Fernández, es un escritor y poeta argentino nacido y criado en el barrio de la Paternal, Ciudad de Buenos Aires. Bajo el seudónimo de Lirismo Falopa, ha creado una voz poética que aborda temas como la infancia en la calle, la marginalidad, la amistad, las adicciones, el amor, el sexo, la noche y la privación de la libertad, entre otros. Aunque no cuenta con publicaciones anteriores, ha tenido un blog y ha colaborado en revistas literarias y antologías de poemas. También ha sido finalista en diversos concursos de cuentos. Actualmente se encuentra trabajando en varios proyectos editoriales y comparte su obra en redes sociales a través de posteos dominicales que lectores y seguidores esperan y comentan. Su estilo crudo y original, ha sacudido el avispero de la crítica, que lo considera un soplo de aire fresco —y espeso, muy espeso— en la escena literaria argentina.

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Esta banda oriunda del sur del gran Buenos Aires dejó una huella en el Rock & Roll local.

25×25 cuenta con el prólogo de Norberto “Ruso” Verea y es una publicación de Mandíbula Producciones y Serial Editorial.

Prólogo Norberto “Ruso” Verea

Luis Luque recorría las calles de Buenos Aires a la noche, cerca de Congreso. Yo había sido citado para encontrarme con parte de La 25. Me habían llamado y dicho que no solo querían conocerme, sino que además querían que pusiera mi voz para lo que iba a ser el comienzo y el cierre del video de uno de esos temas que se convirtieron en clásicos y que tienen mucho que ver con la historia de esta banda. Los encontré con el grupo de grabación de ese video, subidos arriba de un camión a un costado del Congreso de la Nación. Rápidamente me di cuenta de que era no solo una banda de amigos, sino hasta casi un hecho familiar. Después la vida quiso que avanzara la relación. Terminé formando parte de muchas de sus celebraciones, siendo parte del esquema casi familiar en cada festejo. Y así también, después de cada show, terminamos siendo parte de tertulias eternas. Hemos visto partidos de selección juntos, hemos ido a cenar, hemos tomado por asalto una pizzería en Bernal y nos hemos quedado hasta las horas que ustedes puedan imaginar. Muchas cosas vividas. Dos hermanos y un amigo. En la eternidad quedan los barrios cuando las cosas se juntan y se aferran para siempre. Hoy Hugo cuenta historias. Hugo es Rodríguez, pero para mí será Hugo 25, y sus historias tienen que ver con las historias de la banda, tienen que ver con las historias del barrio, tienen que ver con ese sonido que hace más de 40 años sonaba en los barrios. El rock and roll. La 25 fue, es y será una banda de rock and roll que salió de un barrio y que tiene todo aquello que uno quiere, esencialmente, que el barrio no pierda, que el barrio tenga para siempre. Uno quiere aferrarse a esas cosas a pesar de los cambios, aun entendiendo que hoy, en esos barrios, el sonido no es el del rock. La vieja frase “larga vida al rock and roll” tiene mucho que ver con lo que van a leer en este libro, pero la frase que más me suena y que representa a todas estas historias es la que el viejo Lemmy Kilmister, líder de Motörhead, dijo alguna vez en la ya vieja y legendaria Heavy Rock and Pop: El rock and roll se trata de no perder los sueños. Y en este libro, Hugo 25, lo que nos cuenta es cómo pudieron vivir sus sueños con el sonido del rock and roll, no alejándose de ese barrio que fue el que los vio crecer. A disfrutar.

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