The Rocketgirl Chronicles de Andrew Rovenko

Jugar es crecer

Por Guillermo Franco

Un día, lo sabemos, el mundo se detuvo y lo divertido desapareció (*). Hubo que reinventar entonces el entretenimiento, al menos para los inocentes más pequeños. Porque, como afirmaba María Montessori, “el juego es el trabajo de los niños”. Una actividad esencial para el desarrollo y el aprendizaje significativo, un derecho fundamental, ya que la vida infantil no se concibe sin él.

Jugar (Del lat. iocāri) es hacer algo con alegría y, a la vez, desarrollar capacidades.

El verbo se conjuga: yo juego, tú juegas, él juega, ella juega…

Ella es Mia, tiene cuatro años. La pandemia de coronavirus la confina en Melbourne, Australia. Su madre Mariya, diseñadora de vestuario teatral, para entusiasmarla durante tanto tiempo ‘libre’ le cose un traje de astronauta. Y le confecciona un casco de papel maché. Su padre Andrew, fotógrafo, la retrata con una Mamiya RZ67 (cámara analógica, de formato medio) y película Fuji 400H Pro (de matices tan bellamente fríos). Lo hace en cuanto sitio, cinco kilómetros a la redonda del hogar (tal la restricción perimetral de la autoridad sanitaria), se parezca a superficies lunares, plataformas para cosmonaves, universos inexplorados.

The Rocketgirl Chronicles (Las crónicas de la chica cohete) es un desafío fotográfico admirable, pero también una forma creativa de vivir en familia, un homenaje a la fortaleza de adultos y menores en tiempos difíciles, una inspiración para encontrar esperanza en lo absurdo. Una luz en el infierno.

“Estas fotografías documentan el tiempo que pasamos juntos. Son recuerdos familiares. Al mismo tiempo, estas memorias se crearon en una época extraña. Y aunque el confinamiento sirvió como detonante de nuestra creatividad, la preparación de las imágenes y su época nos obligaron a mirar con atención y encontrar belleza en lo cotidiano” (Andrew Rovenko).

Jugar es pensar, sí, pero también es crecer. Lo demuestran las fotos hechas por Andrew, Mariya y Mia. Y ya todos sabemos lo que decía Julio Cortázar: “Entre las muchas maneras de combatir la nada, una de las mejores es tomar fotografías, actividad que debería enseñarse tempranamente a los niños pues exige disciplina, educación estética, buen ojo y dedos seguros”.

(*) La Organización Mundial de la Salud declaró la pandemia de COVID-19 una emergencia internacional el 30 de enero de 2020, condición que mantuvo vigente hasta el 5 de mayo de 2023.

Sobre el autor

Andrew Rovenko es un fotógrafo residente en Melbourne, Australia, originario de Odesa, Ucrania. Desde que vio a su abuelo usar una cámara y un misterioso cuarto oscuro (que le estaban prohibidos de niño), se sintió atraído por aquella magia; y cuando tuvo edad suficiente para permitirse su propia herramienta, comenzó su aventura fotográfica. Sus primeras imágenes llamaron la atención del editor de una revista que lo invitó a trabajar profesionalmente. Fue un sueño hecho realidad y la mejor escuela práctica que cualquiera podría desear, pues así consiguió aprender con todo tipo de encargos editoriales, desde reportajes hasta publicidades, desde conciertos hasta retratos de celebridades.

Conocido por combinar sus narrativas con una estética visual nostálgica, Andrew obtuvo reconocimiento internacional por The Rocketgirl Chronicles, una serie que presenta a su hija pequeña con un traje de astronauta hecho a mano durante los confinamientos por la pandemia, en Melbourne. Lo que comenzó como paseos familiares se convirtió en un mágico diario visual que captura la imaginación, la resiliencia y la maravilla en tiempos de incertidumbre. Desde entonces, el proyecto ha conmovido a públicos del mundo entero con exposiciones, premios y publicaciones, y le ha valido a Rovenko el título de “Fotógrafo Australiano del Año 2021”.

Nuestra condición de fantasmas de Virginia Flores

Alma de luz

Por Guillermo Franco

Ya lo decía Mafalda: “No ando despeinada, sino que mis cabellos tienen libertad de expresión”. Y Virginia parece refrendarlo: con esa maleza azabache que germina sobre sus ideas (en algunas comunidades indígenas el pelo es la manifestación física de los pensamientos y una extensión del ser), con esa apariencia tan suya de adorable revoltosa. Let’s dance!

Flores se florea en movimiento, de arriba a abajo, de atrás para adelante, del centro a los costados. Y fotografía su yo a la manera de Francesca Woodman, con la evanescencia de una canción, con la fugacidad de los espectros. Lo sabe: el cuerpo es instrumento para la representación, y lo invisible siempre -siempre- está por (mo)verse. ¿Estados de ánimo? ¿Sensibilidades? ¿Fortalezas y flaquezas? ¡Clic! ¡Clic! ¡Clic!

Si el autorretrato es espejo de las emociones, los sentires de ‘la Vir’ pululan frente a cámara con límites difusos, huesos danzantes, exposiciones múltiples… Ella, además, lo pone magistralmente en palabras: “El eco de lo que no se dice”, “Y si me rompo, espero que me quieras en pedazos”, “No salgo de mi asombro porque estoy confinada”.

Ya lo explicaba Antonio Muñoz Molina: “Visto y no visto. Aparición y desaparición. Lo que revela como ningún otro medio la fotografía es nuestra condición de fantasmas”. La Galería Fotográfica se complace en presentar -en sintonía con tal reflexión- a Virginia ‘la Vir’ Flores, foto bailarina en la oscuridad, alma de luz.

Sobre la autora

Virginia Flores (egresada de la Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación) curiosea historias en las luces y en las sombras. Comunicadora por formación y fotógrafa por instinto, alguna vez bailó en el Teatro San Martín; guarda esa memoria en sus pies. Madre de dos hijos -Lucía & Joaquín-, estudia Bibliotecología en la Facultad de Filosofía y Humanidades (UNC), con la certeza de que los libros también saben abrazar. Hace radio, escucha el mundo… y lo retrata. Cree en los gestos mínimos, en lo que no se dice, en lo que se ve.

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En la imagen se lo puede ver al exlíder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota con un look oscuro, luciendo sus tradicionales lentes de sol y con un detalle que llamó poderosamente la atención de todos: un bastón en el que se apoya con su mano izquierda, evidenciando sus dificultades para caminar.

Al pie de la foto, y con su ya clásico tono poético que lo caracteriza desde siempre, escribió: “Estrenando bastón, Luzbola”. Con este último comentario, el cantante hizo referencia a Luzbelito y las Sirenas, una de las canciones más exitosas de Los Redondos.

Gaspar Benegas, guitarrista y vocalista de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, banda formada por Solari después de Los Redondos, le quitó dramatismo a la foto y escribió: “Devolvele el bastón a (tecladista) Axel Lang”. Asimismo, un montón de gente del espectáculo y fanáticos dejaron mensajes alentadores debajo de la publicación.

Recordemos que el Indio decidió mantener una presencia pública limitada desde que se retiró de los escenarios en 2017, cuando ocurrió el fatídico concierto en Olavarría en el que fallecieron dos personas. A esto se le sumó su diagnóstico de la enfermedad de Parkinson, el cual afectó de manera progresiva su movilidad. Cada aparición suya es recibida con gran entusiasmo y expectativa, evidenciando el impacto y la vigencia que sigue teniendo en la cultura popular argentina.

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El recorrido abarca 25 años del fotógrafo Maximiliano Vernazza siguiendo a Charly García dentro y fuera del país, con materiales que van desde la intimidad del icónico departamento del músico hasta sus vacaciones en Villa Gesell o sus cumpleaños.

otrasyerbasrock.com habló con Maximiliano Vernazza para conocer sus inicios en la fotografía y sus ¡Clics!, con Charly García.

Horarios para ver la muestra

Lunes a viernes, de 8 a 20 hs.

Sábados, de 9 a 14 hs.

Entrada libre y gratuita

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Revelando

“Allí donde el sueño tropezaba con su realidad, allí mis pequeños ojos”. Federico García Lorca – Poeta en Nueva York

“La mayoría de mis fotografías son de gente, con una mirada muy simple, como a través de los ojos del hombre de la calle”. Robert Frank.

Una aproximación a su obra

Instantáneas de la vida cotidiana, perpetuadas por el ojo del fotógrafo. Lo real -inaprensible- se revela ficción. Lo invisible -esencial- se aprecia merced a la imaginación. Lo nimio, lo banal, lo superfluo… todo ello cobra valía cuando hay asombro. Tomas directas. Espontáneas. Vívidas. Una colección de estampas en blanco y negro, que colorean un tiempo y un espacio. El voyeur presta su mirada al auteur. El deambular, si es atento, se cobra imágenes bellas, memoriosas, memorables; de esas que encapsulan gracia, ironía, sensibilidad y ternura. Por supuesto: el ahora se hace siempre. Y sí -dígase de este modo-, la efimerez hace a la eternitud.

Una crítica a la muestra

“Guillermo Franco tiene una gran capacidad, casi infantil, para sorprenderse y sorprender. Captura rápido circunstancias que producen sonrisas, por el contenido gracioso o irónico de la anécdota, por los disparatados encuentros que surgen, espontáneos, a diario. Sus fotografías se revelan ingenuamente provocadoras. Deja libre al pibe inquieto que conserva en su interior, y enlaza esa forma de trabajar con la observación atenta y la idea de travesura. La travesura de mostrar lo fugaz, lo que el distraído no ve, lo que la persona ocupada con “las cosas importantes de lo cotidiano” no percibe.

Su exploración tiene, además, otro punto de contacto con los grandes maestros del género: el convencimiento de que solo con enorme constancia y muchas horas de trabajo de campo, se accede a una buena obra. Tal perseverancia no opaca -todo lo contrario- el disfrute ante cada hallazgo, ante cada intento, ante cada toma. El caminar sin rumbo, con mirada siempre atenta y curiosa, lo lleva a cristalizar en imágenes, fragmentos de la condición humana, retazos de existencia, recortes llenos de gracia, de sutileza y de amor.”

(Juan Travnik – La travesura)

Mirando a través de las fotografías

“Un merodeador empedernido del candor, la inocencia, la sola transparencia. La metrópolis se vagabundea, se aprehende, se vive en una fotografía. El desánimo de un paseante, el estupor de un crío, la sorpresa de un animal… Imposible discernir qué habita lo real, qué es pura imaginación. Gestos. Guiños. Desvaríos de flâneur. Desmayos de la racionalidad por la perduración de algo que, en el mundo cotidiano, ni siquiera es previsible y -es cierto- siempre huye.”

(María Paulinelli – Allí mis pequeños ojos)

Conociendo a Guillermo Franco

Guillermo Franco. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional de Córdoba, y Fotografía en la Escuela de Artes Aplicadas Lino Enea Spilimbergo, y en la Filial Córdoba de la Escuela Argentina de Fotografía. Desde 2000 hasta el presente ha sido Programador Cinematográfico del Cineclub Municipal Hugo del Carril, y redactor/editor de las Revistas Metrópolis y Dime que me amas, Cineclub! Dictó –desde 2006 y hasta 2020– el Taller de Cine para Adultos “El cine que no vemos y nos debemos” en AulaUniversitaria (Programa para Adultos Mayores) de Universidad Blas Pascal. Coordinó –desde 2012 y hasta 2020– el ciclo Cine y Fotografía en el CEF (Centro de Estudios Fotográficos). En 2021 inauguró GF / Galería Fotográfica (Independencia 180, Córdoba, Argentina).

El texto de esta nota pertenece a Guillermo Franco

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Nodo 940 se complace en presentar la exposición #1.5 finalizando su cuarto año de existencia en la escena local de Córdoba.

Como si de “Dos Mundos” se tratara, esta exhibición propone dos recorridos que abrazan las producciones de artistas con clara intencionalidad, trayectoria y proyección.

Viendo de que se trata – Parte I

En el primer piso el “cuerpo” se hace presente con las propuestas en fotografía y artes digitales de Marcos Carri, Anemites, Daniel Socolocci y Silvina Lafalce. Los cuatro jóvenes y talentosos artistas, interpelan desde sus obras la idea de la auto-referencialidad, las posibles indagaciones sobre la propia imagen y la piel al desnudo de modos sugerentes y divergentes.

El cuerpo humano desnudo o vestido ha sido una constante en el arte a través de la historia, muchos son los ejemplos que se podrían citar en este género. Sin embargo, el cuerpo representado en la contemporaneidad requiere otros territorios de exploración. La auto-representación es un territorio vasto y profundo, permeado por el espejo de la percepción que se tiene de sí mismo. Exige al artista cierta valentía y despojo, ya que incursiona en un terreno donde las fronteras suelen ser verdaderos campos de batalla.

Viendo de que se trata – Parte II

En el segundo piso y Lucera la propuesta lúdica y de lecturas múltiples que obligan a repensar “realidades”, viene de la mano de Cristian Tula, Matias Factorovich, Liliana Menéndez y Analía Colque. El dibujo, la cerámica, la escultura blanda y la pintura configuran un mundo donde todo es posible. Desde las miradas disonantes y puestas poco ortodoxas la obra de estos cuatro artistas circundan “decires” que podemos de-construir y volver a reformular una y otra vez. Las conceptualizaciones se vislumbran mediante “distopías – utopías” que conforman nuestra percepción y nos inducen a dialogar con las obras. Imaginar y pensar y volver a imaginar es el recorrido propuesto. 

Acompañan en sala textos de los propios artistas, como de artistas y curadores invitados: Sofía Torres Kosiba, Cecilia Irazusta y David Schäfer.

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