El fin de semana del año es Cosquin Rock, un fin de semana a pura música, el encuentro con amigos, la experiencia en familia, artistas consagrados, los nuevos de la escena, todo en una nueva edición del festival que se va a llevar a cabo el 6 y 7 de febrero en el Aeródromo Santa María de Punilla.

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Marr inició su carrera junto a The Smiths e integró proyectos como The The, Electronic, Modest Mouse y The Cribs, además de colaborar con artistas como The Pretenders, Talking Heads, The Avalanches y el compositor Hans Zimmer. Con este último participó en la banda sonora de No Time to Die, la última película de James Bond, incluyendo la canción principal creada junto a Billie Eilish y nominada al Óscar.

Tocó por primera vez en Argentina en 2014, en la primera edición local del festival Lollapalooza. Además, hizo su propio sideshow en Niceto Club, donde volvió a presentarse al año siguiente. Su carrera solista comenzó en 2013 con The Messenger y continuó con Playland (2014), Call The Comet (2018) y Fever Dreams Pts 1-4 (2022). A ello se suma Marr’s Guitars, un libro que repasa su extensa trayectoria y su histórica relación con el instrumento que lo convirtió en una referencia para generaciones de músicos.

Actualmente, Marr está presentando The Age of Everything, un trabajo que describe como el álbum más personal y catártico de su carrera. Sobre el concepto detrás del disco, explicó: “Disfruté mucho haciendo este álbum; es el disco más catártico que hice. El título surgió al principio del proceso y terminó convirtiéndose en una idea inevitable. Resume una sensación compartida por mucha gente: la de vivir en una época de cambios permanentes, marcada tanto por el agobio como por las posibilidades”.

El músico también señaló que sus nuevas canciones exploran la manera en que percibimos el mundo contemporáneo: “Siempre me interesa cómo experimentamos las cosas en nuestra vida cotidiana. Parece que hoy convivimos con la posibilidad de todo, lo bueno y lo malo. Esa es la era de todo”.

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El actor Luciano Cáceres, a quien el público suele ver en Córdoba a través de la distancia que impone una pantalla, fue recibido este jueves en el Teatro Real de la capital provincial en el marco de la propuesta cultural de Mercado Girart, programación que convoca a curadores internacionales a exportar talento nacional. Antes de que comenzara la función se encargó de solicitar, con una cercanía poco habitual y sin que lo pudiésemos ver, que evitaran los ruidos durante la representación y, con puntualidad, dio inicio a Paraíso, el unipersonal teatral, escrito por Inmaculada Alvear, versión de Dany Mañas y dirigida por Ignacio Rodriguez de Anca, quien subió al escenario una vez finalizada la obra.

La obra se abre con una atmósfera sonora intensa, que por momentos evoca el espíritu post-punk, aunque la música fue compuesta especialmente para esta puesta por Nico Diab. Cáceres canta, ocupa el espacio escénico y desde el primer minuto instala una tensión que se sostendrá durante poco más de una hora.

Paraíso expone el universo emocional de Juan Valero, un hombre poderoso, moldeado por mandatos aprendidos y por una concepción del éxito que atraviesa su vida personal, profesional y laboral, además de cuestiones vinculadas al racismo, xenofobia y homofobia. Ese entramado de poder y costumbres arraigadas comienza a resquebrajarse tras un trasplante de corazón. A partir de entonces, el personaje inicia un proceso inesperado: no solo descubre aspectos de quien fue su donante, sino que empieza a percibirse atravesado por esa otra identidad, marcada por la pasión, el deseo y la marginalidad.

Uno de los aciertos de la puesta es el uso de la tecnología. Dos cámaras registran y proyectan los momentos más íntimos del protagonista, amplificando tanto la oscuridad del ambiente como la de su propio mundo interior. El recurso no aparece como un adorno visual, sino como una herramienta narrativa que profundiza la experiencia del espectador.

El relato avanza con fluidez y algunas esdrujulizaciones que podrían evitarse, mientras Cáceres transita las zonas más complejas del personaje: el desconcierto de quien recibe un órgano y comienza a sentir que aquello que ahora le pertenece también conserva algo ajeno. Esa dualidad (entre lo propio y lo extraño) se convierte en el eje dramático de la obra y en el motor de su transformación.

Resulta especialmente interesante observar cómo el actor administra los tiempos, y las distintas etapas emocionales del personaje. Su voz sostiene el ritmo de la narración y acompaña cada cambio de intensidad. Si el desenlace hubiera llegado algunos minutos antes, la sensación de cierre quizá habría alcanzado una mayor contundencia en tiempo preciso; aun así, la obra mantiene una notable potencia artística y deja abierta la reflexión sobre la identidad, el cuerpo y las transformaciones o segundas oportunidades, que el arte es capaz de provocar.

La experiencia no terminó con el aplauso final. Ya fuera de escena, Cáceres propuso cambiarse y acercarce al hall del teatro para saludar al público, un gran gesto de humildad. Incluso durante la función percibió el sonido de un teléfono celular que sonó pese al pedido inicial de apagar los dispositivos, sin embargo no se inmutó, un detalle mínimo que habla de su nivel de concentración y presencia en escena.

Más allá de la valoración artística, Paraíso deja una impresión perdurable: la de recordar que a veces de manera espontánea, otras imprevistas o provocadas, las segundas vueltas pueden estar acechando muy cerca, solo hay que saber entenderlas y aceptarlas para que convivir con ellas no sean un calvario. Habrá que preguntarse entonces, qué trasplante simbólica y cercanamente hablando… puede estar transformándonos, cambiándonos.

Enfoque conceptual: Sandra Peralta

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La historia comienza con Animal, la banda en la que Andrés Giménez y Aníbal Alo (primer baterista del power trío) se juntan a Robert “Polaco” Zelazek, en ese momento ex bajista de Los Violadores, para dar forma a dicha agrupación. Con esta formación vinieron a Córdoba a tocar a Varsovia, un reducto under de comienzos de los noventa, que albergó a lo que en ese momento no se conocía como bandas emergentes. En ese lugar, quien escribe, junto a Pablo, mi hermano, le hicimos de plomo a la banda que lideraba Giménez. Una nota para una radio en la que trabajaba se terminó convirtiendo en una espera larga para que Zelazek venga a la prueba de sonido. Cuando llegó el músico, no podía mantenerse en pie, porque la previa consistió en varios litros de cervezas de más. Igual, el concierto se hizo y ahí ya se dejaba entrever que lo que se venía era jugoso. La anécdota es que los vecinos del lugar, se lo encontraron al bajista durmiendo en unos escalones que daban a la puerta de una de las casas del barrio. Lo despertaron, se estiró y se pidió un taxi.  El corte de difusión, nombre obsoleto en estos momentos, era “Olor a mierda”, tema inspirado en la sala de ensayo dónde el grupo pasaba gran parte de sus días. La banda duró poco, la salida de Zelazek fue inminente como así también la llegada de Marcelo “Corvata” Corvalán. Empezaba A.N.I.M.A.L, el trío dispuesto a conquistar las latitudes del mundo. Antes de que esto empezara a tomar forma, en el momento que van a registrar el nombre, dos personas antes en la fila de la oficina dónde se realizaba este trámite, estaba el ex bajista de Los Violadores, haciendo lo mismo. Por ende, a Giménez y Alo se les ocurrió la idea de hacerlo en mayúscula y con puntos en el medio. Nacía Acosados Nuestros Indios Murieron al Luchar. Alo grabó el primer disco y dejó la banda. Entró Martín Carrizo (Q.E.P.D), que le dio en su forma de tocar la batería un sonido que terminó plasmado en El nuevo camino del hombre, disco que en el show del sábado la banda tocó completo. Una vez festejado este trabajo discográfico, la banda recorrió una parte de su carrera mechando canciones de Fin de un mundo enfermo, Poder latino y otros discos. No quedó afuera “Strength to Endure” (Fuerza para aguantar), cóver de The Ramones y Cop Killer de Ice -T Bodycount.  El rapero grabó esta canción que estuvo escasa difusión en los Estados Unidos porque directamente habla de matar policías y la banda argentina la tocó en un festival que se organizó en el Penal de Olmos, por ende, el ex líder de la banda americana quería conocer a los argentinos que versionaron su letra. Después, la historia se dio vuelta. De querer ser un gangsta rap terminó actuando de policía en series y películas. En ese ir y venir por la historia de A.N.I.M.A.L también hubo tiempo para presentar “Legado”, un tema nuevo y sellar ese espíritu de hermandad con “Familia” y “Latinoamérica”.

 

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La banda que se mantiene estable desde 2015, que tiene a Giménez como su único miembro original se completa con Marcelo Castro en batería y Cristian Lapolla en bajo. Es decir, la mejor formación desde que se gestó A.N.I.M.A.L, que supo también tener entre sus miembros a Andrés Vilanova en batería y a Jimmy DeGraso en la misma función, pero en este caso como músico de sesión grabando Poder Latino. El baterista de Motörhead después de esa grabación terminó formando parte del mejor momento de Suicidal Tendencies.

Lo bueno de ver a bandas como la que lidera Giménez es que tiene muchos escenarios sobre su espalda y a pesar de tener un sonido que roza en algunos casos el trash, no rompe tímpanos, porque la guitarra se escucha filosa, el bajo te demuele el estómago y el doble bombo de Castro te saca el hígado por la boca. Es decir, es demencial lo que suenan sin aturdirte, mientras las voces, son perfectamente audibles. Hay horas de ensayo y técnicos con experiencia, a pesar de que un problema en un cable del bombo de la batería demoró el comienzo del recital. Así como Giménez le reprochó a los encargados este menester, es bueno recordarle que si mujeres avisan que les estaban tocando la cola, en lugar de reírse y tener una actitud fuera de época dándoles a entender que la culpa la tenían ellas por haberse puesto en la primera fila, tendría que haber actuado de otra forma. No importa el lugar que ocupe la mujer. Ellas o ella pagó su entrada y tenía todo el derecho de disfrutar de este evento sin tener que estar sufriendo ese malestar de un cagón que fue revalorizado por el que estaba en el escenario. Por suerte, no pasó a mayores, quedó en una anécdota para nada risueña que en algún momento va a tener que ser meditado por una parte de músicos de rock que ya pasaron la barrera de los 50 y a pesar de abrir sus mentes musicales no lo hicieron de la misma forma en temas relacionados al feminismo. Es decir, no se dan cuenta que las mujeres salieron a las calles, obtuvieron porque pelearon por nuevos derechos, entre ellos, el aborto y se merecen ir a un concierto a disfrutar y no tener que concurrir al baño a a acomodarse su ropa interior porque alguien aprovechando el anonimato se la quiso cambiar de lugar. Que así sea.

Texto: Carlos Rolando

Edición: Sandra Peralta

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La presentación llega pocos días después del lanzamiento de Alma, el nuevo EP de Eslavos, compuesto por tres canciones: “Estamos todos bien”, “Podría haber sido peor” y “Corazón, corazón”. El nuevo material se suma a la identidad de una banda atravesada por la poesía urbana, las guitarras filosas y una sólida base de rock.

Liderada por Marcos Lescano, miembro fundador de La 25, Eslavos se completa con Federico “Yankee” Varela en guitarra, Lucas Berns en bajo, Hernán “Oreja” Leiva en batería y Juan Ildarraz en armónica.

Eslavos: Estamos todos bien

Desde su debut oficial en vivo en marzo de 2023 en La Trastienda, Eslavos viene desarrollando una intensa actividad en vivo y durante 2026 continúa recorriendo distintas ciudades del país. La banda viene de presentaciones con localidades agotadas, entre ellas Galpón C en Buenos Aires, y continúa su gira nacional con fechas en Concordia, Río Cuarto, Córdoba, Cipolletti, La Rioja, Tucumán y un cierre previsto para octubre en Teatro Flores.

Eslavos: Podría haber sido peor

Córdoba será una parada especial dentro de este recorrido: será la primera vez que Eslavos se presente en la ciudad, con un show que combinará la presentación de su nuevo material con las canciones que forman parte de su recorrido en vivo.

Eslavos: Corazón, corazón

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Serú Girán por Lebón y Aznar se presentan con la gira que se convirtió en uno de los grandes acontecimientos culturales del año y los clientes de Flow podrán disfrutar el show en vivo desde las 21h a través del canal 605 en Argentina, canal 119 en Uruguay y canal 25 en Paraguay.

El concierto de más de dos horas recorre buena parte de un cancionero fundamental para la cultura argentina. David Lebón y Pedro Aznar, acompañados por Federico Arreysegor (teclados y voces), Fernando Cosenza (guitarras), Matías Sabagh (batería) y Fermín Ferraris (teclados), construyen una propuesta de enorme calidad artística, donde la emoción convive con la excelencia musical y el profundo respeto por la obra que crearon junto a Charly García y Oscar Moro.

Más que un recorrido por canciones inolvidables, Serú Girán por Lebón y Aznar confirma que este repertorio sigue interpelando al presente. Clásicos como Seminare, Canción de Alicia en el país, Desarma y sangra, Peperina, Cinema Verité, Frecuencia Modulada y muchos más continúan emocionando con la misma intensidad a quienes crecieron escuchando estas canciones y a quienes hoy las descubren por primera vez.

Como parte de la visión y el compromiso de Personal en relación con la sustentabilidad, la transmisión del show será carbono neutral. Para lograrlo, se medirá el consumo energético de todo el equipamiento necesario para la transmisión, el traslado del equipo técnico involucrado y el promedio de clientes conectados a Flow al evento, y se compensará la huella del streaming mediante la compra de bonos de carbono certificados en un parque solar ubicado en la provincia de San Juan. Este proceso es avalado por el ente internacional VERRA.

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La cita será el próximo 6 de noviembre en el Movistar Arena, donde el emblemático guitarrista presentará su show FEARLESS: Tour, rescatando lo más destacado de su discografía en 60 años de carrera.

El concierto promete ser un viaje íntimo y exhaustivo por la biografía musical de Wood. El repertorio se basa en su reciente colección Fearless: The Anthology (1965-2025), que reúne 38 canciones que recorren sus etapas en The Birds, The Creation, el Jeff Beck Group, Faces y, por supuesto, su legado con los Rolling Stones.

Además de los clásicos, el show incluirá grabaciones inéditas como Mother of Pearl y la versión de A Certain Girl junto a Chrissie Hynde.

Para esta ocasión especial, Wood no llegará solo: lo acompañará su banda y contará con la destacada cantante irlandesa Imelda May como artista invitada.

El regreso de Wood ocurre en un marco de gran actividad para el músico, tras el estreno el pasado 10 de julio de Foreign Tongues, el álbum de estudio número 25 de los Rolling Stones. Esta nueva visita busca profundizar la conexión “excepcional” que la banda mantiene con Argentina, país donde se han presentado en cuatro ocasiones (1995, 1998, 2006 y 2016) ante más de 900 mil espectadores.

Incluso a la distancia, Wood ha mantenido este lazo vivo. Durante el reciente Hackney Diamonds Tour por Estados Unidos, el guitarrista dedicó palabras de agradecimiento a los seguidores locales que viajaron para verlos: “Muchas gracias a todos los fans argentinos haciéndonos el aguante en el Hackney Diamonds tour por Norteamérica”, expresó a través de sus redes sociales.

La producción del evento, a cargo de DF Entertainment, confirmó que la venta de tickets se realizará de la siguiente manera a través de la web oficial del estadio:

Preventa exclusiva: Para clientes Santander Visa (hasta 6 cuotas sin interés), a partir del 28 de julio a las 10 AM.

Venta general: Con todos los medios de pago, desde el 29 de julio a las 10 AM.

El show en Buenos Aires forma parte de una etapa sudamericana que también incluirá paradas en Brasil y Chile, luego de recorrer las principales capitales de Europa.

El 6 de noviembre, el Movistar Arena se perfila para ser el escenario donde el público argentino celebrará, una vez más, 60 años de historia compartida con una de las figuras más influyentes del rock mundial.

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Sobre el libro, dice Alberto Giordano: “Mientras reconstruye a tientas la historia y el temperamento del que ya no está, definitivamente, y conjetura las metamorfosis familiares a las que su ausencia dio lugar, a través de un diálogo cuidadoso y conmovedor entre las vivencias personales y los hallazgos provenientes de las lecturas literarias y psicoanalíticas, Papá murió en verano elabora un saber sobre el duelo como experiencia radical, en la que la vida, el amor y la muerte vibran estrechamente unidos.”

Sobre el autor: Nicolás Garayalde (Córdoba, 1985) es docente, investigador y psicoanalista. Licenciado en Letras y en Psicología. Doctor en Letras. Profesor de Teoría Literaria en la Universidad Nacional de Córdoba. Investigador Adjunto del CONICET e Investigador asociado del Centre de Recherches Interdisciplinaires sur les Modèles Esthétiques et Littéraires (Universidad de Reims, Francia). Entre sus principales publicaciones se encuentran los libros Las conveniencias de la no-lectura (Comunicarte, 2014), Por una crítica intervencionista (Nube Negra-Bulk, 2021) y Palabras, palabras, palabras. Por un psicoanálisis literario (2026, UNC).

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