Dylan ha inventado su propio pasado desde que le dijo a la prensa, en 1961, que venía de Gallup, Nuevo México, y que se unió a una feria itinerante a los 13 años, trabajando como “chico de la limpieza” y operador de la rueda de la fortuna. Expertos en Dylan como Anthony Scaduto, Clinton Heylin, Robert Shelton, David Hajdu y Howard Sounes han investigado incansablemente por décadas, para separar la realidad de la ficción, algo que nunca fue una tarea fácil, especialmente desde que se publicó el libro de Dylan “Crónicas: Volumen Uno (2004)”, cargado de afirmaciones cuestionables, por decirlo de manera benévola”.

A Complete Unknown se basa libremente en el libro de Elijah Wald de 2015 Dylan Goes Electric!: Newport, Seeger, Dylan, and the Night That Split the Sixties, y el guion fue coescrito por Jay Cocks, colaborador de larga data de Martin Scorsese.

El párrafo anterior, marcado con comillas, pertenece a un artículo que escribió el crítico Andy Greene para la revista Rolling Stone. En el mismo se encarga de mostrar los errores que tiene el film que está basado en la vida de Bob Dylan. En síntesis: Un completo desconocido, para los seguidores de Dylan, puede ser una película sin fundamentos, pero para los que no lo son, es un canto a la libertad, sobre todo en estos tiempos dónde están buscando sacarnos derechos adquiridos y que costaron, en algunos casos, muertos y desapariciones.

Casi todos los personajes aparecen con su nombre real en Un completo desconocido. La única excepción es la exnovia de Dylan, Suze Rotolo, que aparece de su mano en la tapa de The Freewheelin’ Bob Dylan. A petición del propio Dylan, su nombre fue cambiado a Sylvie Russo en la película. Por ende, para no revivir el artículo del colega americano, es imperioso marcar la escena que, si es real, y que marca el hecho histórico que fue la actuación de Bob Dylan en el Newport (Rhode Island) Folk Festival de 1965, el mismo se considera uno de los momentos cruciales de la historia de la música rock.

El crítico e historiador Jeff Wallenfeldt expresa que “cuando Dylan subió al escenario de Newport el 25 de julio de 1965, era la figura principal del resurgimiento de la música folk de principios de los años 60. Basado en las formas musicales tradicionales estadounidenses e impregnado de la política populista de los años 30, el resurgimiento se fusionó con el movimiento por los derechos civiles en curso y prosperó gracias a la composición de canciones temáticas. La búsqueda de la “autenticidad” era la base del resurgimiento y, como tal, se creía en general que la verdadera música folk se tocaba únicamente con instrumentos acústicos. Los puristas del folk tenían poco respeto por el rock and roll, que la mayoría consideraba pueril y groseramente comercial”.

Blandiendo una guitarra eléctrica de cuerpo sólido, Dylan “se enchufó” con el resto de la banda. El set comenzó con “Maggie’s Farm” de Bringing It All Back Home. Aquí es donde los relatos divergen. Algunos (notablemente el crítico y biógrafo Robert Shelton) informaron que el público inmediatamente “registró hostilidad” y que los abucheos y silbidos (“¡Toquen música folk!”, “¡Desháganse de la banda!”) comenzaron al final de “Maggie’s Farm” y se intensificaron hasta la siguiente canción, “Like a Rolling Stone”.

El biógrafo de Dylan, Anthony Scaduto, describió la reacción inicial del público como una mezcla de abucheos y aplausos dispersos, pero principalmente un silencio desconcertado. Lo que nadie niega, son los golpes de puño entre el manager de Dylan y organizadores como así también que, en algún momento, el folclorista Alan Lomax y el eminente cantante de folk Pete Seeger querían cortar la electricidad. Pero, la oposición fue más fuerte y esta fecha va a quedar como el día que la música folk y rock nunca volvieron a ser lo mismo.

Esta especie de crítica, no toma en cuenta los encuentros de Dylan con Joan Baez, como así tampoco el papel que tuvo el crítico Robert Shelton, quien escribió una elogiosa crítica al músico en la edición del 29 de septiembre de 1961 de The New York Times. Johnny Cash, a pesar de ser un ferviente admirador de las letras de Dylan, estaba en el cartel del Festival Folk de Newport de 1964, pero tocó antes de Joan Baez el viernes 24 de julio y Bob lo hizo dos días después, tampoco estuvo un año más tarde en ese mismo festival cuando se desata el pandemónium y Robert Allen Zimmerman (nombre real de Bob Dylan), es tildado de judas porque cambió la guitarra acústica por una eléctrica. Ese cambio de instrumento, fue el grito de libertad que tanto el músico como muchos de sus seguidores, como así también colegas, estaban esperando. Las letras eran explosivas, pero el sonido eléctrico las amplificó, le dieron otro matiz, en un momento dónde la situación política en el mundo necesitaba de libres pensadores que vaticinaban que lo que vendría no sería para nada agradable.

El día que la gente que integra otrasyerbasrock.com asistió al cine a ver Un completo desconocido, en todas las ciudades de Argentina se estaban llevando a cabo las marchas para repudiar los dichos del presidente Javier Milei en Davos. Por eso, nada mejor que recordar ese 25 de julio de 1965, Newport. Ese día se escucharon nuevos sonidos. Tal vez, el sábado primero de febrero del 2025, es decir, 60 años después, la respuesta a esos agravios esté soplando en el viento.

¿Cuántas veces debe un hombre levantar la vista?

Antes de que pueda ver el cielo

¿Cuántas orejas debe tener un hombre?

Antes de que pueda oír a la gente llorar

Texto: Carlos Rolando

Edición y correcciones: Sandra Peralta

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Beatles ‘64 se estrenará el próximo 29 de noviembre, siguiendo a Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr desde que aterrizaron en Nueva York en febrero de 1964, consolidando su estatus como la banda más grande del mundo durante su viaje de tres semanas por Estados Unidos.

“Llegamos poco después de que Kennedy fuera asesinado. Tal vez Estados Unidos necesitaba algo como The Beatles para levantarse de la tristeza”, dice Paul McCartney en el recién estrenado tráiler.

El documental presenta material recién restaurado en 4K de la banda, originalmente grabado por los cineastas Albert y David Maysles para What’s Happening! The Beatles In The U.S.A. “Hay una ventaja en tratar solo tres semanas. Fueron solo tres semanas. Al principio pensé, ‘¡Qué desafío!’ Pero al final, fue una ventaja porque realmente te da la sensación de estar allí y ayuda con la inmediatez del metraje de Maysles”, dijo Tedeschi al sitio inglés New Musical Express sobre la diferencia entre su cinta y el sinfín de películas que existen sobre The Beatles.

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Protagonista de algunas gemas de culto, como Educando a Arizona, de los hermanos Cohen, Corazón salvaje, de David Lynch, o más cerca de nuestros días, una fantasía lisérgica como Mandy, de Panos Cosmatos, supo también protagonizar películas que quedarán en la memoria al haber ganado el mote de las peores producciones de la historia, al menos de nuestro tiempo. Pero en cada una de ellas Cage se compromete y enaltece el oficio de actuar.

En la antigüedad clásica, un oficio era lo que estaba ligado al quehacer del artesano, que creaba con su saber algo útil para la vida, mundano y que por ello quedaba excluido de lo que hoy podríamos denominar alta cultura. Pero el actor de cine es parte de un todo que es más que la suma de sus partes: la película misma, que ostenta la firma de quien la dirige y que puede hacer trascender y elevar una actuación a través del ojo de la cámara, aunque no siempre suceda y ni siquiera sea necesario. Para el caso, siempre vale recordar el origen popular del cinematógrafo, cuando a finales del siglo XIX no era más que un entretenimiento, una curiosidad sin futuro como parte del programa de las ferias itinerantes, y ni siquiera existían los nombres propios para quienes trabajaban en ellas. El modo en que por momentos el nombre de Nicolas Cage se diluye en la historia de sus estrenos, parece de algún modo encarnar esa vuelta al origen, al oficio por fuera de la autoría, integrado a la vida como una acción más, casi como si fuera igual que respirar, comer o andar.

El señor de los sueños, según el título con que Dream Scenario, la ópera prima de Kristoffer Borgli que acaba de estrenar en las salas locales, nos reencuentra con Cage en una actuación justa y notable por su economía y presición, que mereció hace pocos días los elogios de su tío, el director Francis Ford Coppola.

En esta historia, Cage le da vida a un apocado profesor universitario de escasos logros y aún menos trascendencia, cuya vida da un vuelco al comenzar a ser protagonista de los sueños de las personas. Primero en su núcleo familiar, luego en su entorno laboral y más tarde a lo ancho y largo del mundo, en algún momento, alguien soñará con él, que pasará de este modo a ser conocido a nivel planetario. En un primer momento, la fama adquirida pareciera brindarle una nueva oportunidad en la obtención de algunos asuntos postergados: un libro, la promoción de su tesis y de sus ideas. Pero cuando los sueños que protagoniza a pesar de sí, se vuelven pesadillas, su mera existencia se volverá un problema y un arma de doble filo.

Más allá de las vicisitudes que la película narra en torno a los avatares, los pro y los contra de la fama en este mundo hiperconectado, conviene señalar el gesto de Borgli, que retoma un tópico como el de los sueños, presente en el cine desde sus comienzos, pero desde un lugar novedoso. ¿Qué pasa cuando una experiencia colectiva, que no tiene causa aparente, implica a un individuo? ¿Cómo se relacionan nuestros sueños con el orden de la realidad diurna? Y más aún, ¿qué se puede hacer con nuestros sueños? Hace unos días, el CEO de Netflix expresaba en una entrevista que su empresa, que domina el mercado mundial del streaming, tiene un solo objetivo todavía por conquistar: el sueño de los usuarios, único momento en que alguien no puede estar conectado a una pantalla. De modo involuntario, El hombre de los sueños esboza una distopía a modo de respuesta. Para nada tranquilizadora, por cierto.

Crítica de Matías Lapezzata

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Se suele tildar de “empresa napoleónica” a cualquier intento de llevar adelante una idea, un plan o una acción cualquiera que requiera de un esfuerzo descomunal. Filmar y adaptar para el cine la vida de Napoleón podría ser una de ellas, dada la intensidad con la que vivió hasta su muerte en el exilio en 1821 a los 51 años, pero sobre todo por la cantidad y la magnitud de cosas para contar. El resumen episódico de la última película de Ridley Scott, director de joyas del siglo XX como Alien (1978) o Blade Runner (1984), producida por Apple con centenas de millones, da cuenta de ello de manera abreviada: su aparición en la escena pública durante la Revolución francesa al son de la guillotina (incluida la decapitación de María Antonieta), da comienzo a una narración fragmentada por los que son considerados los momentos más épicos de su vida adulta, que trascienden por mucho a Napoleón para ser parte de la historia del mundo. Hacia el interior de la película, cada uno de estos momentos estará conectado con el regreso al hogar y a las manos de su amada Josefina, a quien se entrega de manera absoluta hasta el final de sus días y con quien vivió una relación conflictiva, tanto por las aventuras de su esposa en los tiempos de campaña como por el hecho de que no pudiera engendrar un heredero. Una trama, la de su ascenso y su caída, y una subtrama, la de su vida amorosa, delinean la historia de un hombre sobre el relieve de la historia de gran parte de occidente, al tiempo que ambas enmarcan los dos puntos de vista con los que nos acercaremos a su figura: la del capitán y gran estratega que lidera ejércitos sanguinarios y quien decía querer ser testigo de su posteridad (rasgo de grandeza, el de una vida proyectada hacia el futuro) como contraparte de una intimidad gobernada por un espíritu taciturno, inseguro e introvertido. No sabemos a ciencia cierta qué se dice del temperamento y la idiosincrasia de Napoleón, pero sorprende la caracterización de Phoenix, muy cerca de otros registros del actor en la interpretación de personajes conflictuados, atormentados en su interior y con dificultades para desenvolverse en el mundo cotidiano.

Una producción magnífica

Y en estos dobleces, entre las idas y vueltas de un hombre llamado a hacer historia, se crea un universo visual y una puesta en escena que deslumbran especialmente en las escenas de las batallas, a partir de la concepción de un espacio que muestra el despliegue estratégico de los ejércitos, pero que también aprovecha la pantalla en toda su dimensión a partir de la recreación de los ambientes palaciegos y aristocráticos en donde transcurría su vida política y citadina.

Es tanta la cantidad de acontecimientos que se narran, y tan grandes sus dimensiones, que en su conjunto la película da la impresión de avanzar a las apuradas, recorriendo las superficies y avanzando en el tiempo, a través de los años y las efemérides, como en una carrera de postas. Sin embargo, algo permanece al modo de un punto fijo o elemento conductor: el cuerpo y el rostro de Napoleón/Phoenix. Es un logro extraño, porque tampoco hay una profundización de su carácter… esta percepción pareciera obedecer más bien a una atracción material, al poder de las imágenes y a la capacidad del Scott para captar a Phoenix como un centro de gravedad, en medio de una producción digital épica y desbordada.

Crítica de Matías Lapezzata.

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Conforme el festival y las presentaciones de ocasión en las competencias oficiales fueron avanzando, tanto Pablo Conde, responsable de la programación, como Fernando Juan Lima, designado presidente del festival, manifestaban cada vez con más énfasis la alegría de ver salas colmadas con un público en plan de apropiación del festival, festejando sus consignas y dando relevancia a su existencia. Un estreno por la tarde en el Auditorium podía contar con más de mil personas. Quienes asistieron y participaron del festival con una película, también se sorprendían, especialmente por el interés que demostraba el público para participar, interpelar y conversar a partir de las obras en exhibición. Así, un festival reducido en comparación a otras ediciones, supo de igual modo demostrar que el peso específico del cine se compone también de estas experiencias, abiertas a la comunidad, a precios accesibles y con una curaduría heterogénea y amplia en sus criterios, apostando a la cinefilia y al espectador de ocasión por igual.

Son muchas las cosas que fueron sucediendo, a veces en simultáneo y por fuera de las secciones en competencia o más relevantes. Nos interesa aquí, en esta crónica final, dar cuenta de algunos episodios por fuera de los focos más grandes de atención, pero que de igual modo congregaron asistentes y aseguraron proyecciones a sala llena.

Estados en el tiempo

En la sección Estados Alterados, que se sostiene desde que fuera imaginada por Cecilia Barrionuevo y Marcelo Alderete, tuvo su estreno para la Argentina, Orlando, mi biografía poítica, de Paul B. Preciado, reconocido militante, activista y escritor español trans dedicado al estudio crítico sobre políticas de género. Es interesante el punto de partida de Preciado, porque para pensar su propia biografía, toma como punto de partida la novela Orlando, de Virginia Woolf, cuyo protagonista cambia de sexo y viaja en el tiempo a través de las épocas… también tenemos como referencia inmediata y en articulación con la película, su libro Un departamento en Urano, en donde relata su proceso de transición a través de crónicas que publicaba en un periódico francés.

En esta biografía audiovisual, su historia se cuenta a través de una serie de Orlandos que irán sucesiva y simultáneamente siendo interpretados por personas no binarias diferentes, y que a su vez incorporan su biografía al personaje, dando como resultado, entre otras cosas, un híbrido que oscila entre el discurso testimonial y la ficción. Pero va todavía más allá en su propuesta, porque Preciado, quien a su vez narra en off momentos de su vida, con un notable manejo de los recursos del cine, desmonta también la ficción de la novela para encontrar en ella los rastros de su autora, y desde ahí construir un esbozo de la historia biopolítica del amor romántico. Es una película hermosa y luminosa, porque impulsa a desmarcarse de los estereotipos, a pensar libremente y a considerar a todas las personas como identidades que están siempre, sean quienes sean, en transición.

En el super

Otra sección creada por la dupla Barrionuevo – Alderete es la Super 8 / 16 mm, dedicada a la muestra de obras realizadas en estos formatos fílmicos, proyectadas esta vez en copias restauradas en digital, y añorando otros años en donde podía asistir Claudio Caldini y ofrecer una sesión analógica a cuatro proyectores simultáneos y con música en vivo.

Estos son formatos que en general se usaron y se usan para un cine de corte experimental, que tuvo su auge sobre finales de la década del 60 y en la década del 70.

Por aquellos años en Buenos Aires, de la mano sobre todo del Instituto Di Tella, las artes visuales y performáticas estaban en especial ebullición, captando y asimilando los movimientos provenientes de todas partes del mundo, en una relectura de la modernidad y de casi todos los campos disciplinares del arte.

En esta sección se proyectó, entre otras, Retrato de Marta Minujín, una película en Super 8 de Narcisa Hirsch, una de las primeras cineastas experimentales de la Argentina, que en 1974 entrevista a esta notable artista. La lucidez de Minujín para leer un momento de especial gravedad histórica en donde una sombra comenzaba a desplegarse sobre la historia de nuestro país, el modo en que presenta su trabajo y el interés y la curiosidad de Hirsch para impulsar su palabra y el registro, convierten este documento en una fuerza con un impulso que la lanza desde el pasado hacia el futuro, en un soporte que ya no es standard pero que aún hoy tiene sus precursores.

Cumpleaños atrás de puerta

Mutiny in heaven: Nick Cave’s The birthday Party, película estrenada en la sección Banda Sonora Original, comienza promediando la década del 70 en las afueras de Melbourne, Australia, donde unos amigos y compañeros de la escuela, unidos por el arte, la literatura y la filosofía, formaban una banda que tendría impulso para proyectarse hasta nuestros días: The Boys Next Door. Integrada en sus inicios por Nick Cave, Mick Harvey, Phil Calvert y Tracy Pew, e inspirados por la imaginería de un universo gótico y el consumo indiscriminado de sustancias, llegarían a grabar en 1979 un único disco antes de partir hacia Inglaterra, en busca del eco de la New Wave. Aquel viaje en avión consumió todas las regalías del disco, incluyó golpes a unos de los pilotos y también una serie de conversaciones difíciles de recordar, pero que hicieron que al pisar suelo inglés, la banda hubiese cambiado de nombre: a partir de ese momento se llamarían The Birthday Party.

El documental de Ian White cuenta las peripecias del grupo para hacerse de un lugar en una escena decadente. Viviendo al límite y sin dinero, tocaron y grabaron todo lo que pudieron en unos pocos años, después de los cuales se separan al migrar parte de sus integrantes a Berlín occidental.

Montado a partir de entrevistas a sus integrantes, material de archivo, animaciones y diversos documentos de época, la película cobra valor por un motivo exclusivo: el registro de algunos de los shows de aquel periodo, donde se puede ver y escuchar la fuerza explosiva e impredecible y el caos que desataban en el escenario con su música. O con el poder de la música y Nick Cave.

Matías Lapezzata, crítico invitado de otrasyerbasrock.com, estuvo cubriendo el 38 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Todas sus críticas las podés volver a leer, haciendo click en el slide que cierra este sitio.

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En mayor medida, quienes se reúnen bajo un interés común de forma masiva y excepcional, dispuestos a un festín disciplinar, viven la experiencia de un festival de modo celebratorio. En el caso de un festival de cine, en donde desde el entusiasmo y el encuentro se trafican comentarios, rumores, recomendaciones, consejos de visionados impostergables, arengas de toda clase y opiniones que cada quien va tomando según su parecer, y así se va construyendo un recorrido posible para un evento que es inabarcable en su totalidad. Más de un centenar de películas no se pueden ver en una semana, nadie puede hacerlo, demostrando lo obvio: tampoco desde la curaduría y programación se pretende un recorrido exhaustivo. Más bien se piensa un todo que es más chico que la suma de sus partes, y así cada sección tendrá sus asistentes de ocasión. Incluso las secciones mismas tienden más o menos a participar de este carácter celebratorio y de un llamado a lo común. Las proyecciones que por estos días suceden en el Teatro Municipal Colón en el marco del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, junto con las que se realizan al aire libre en otra locación, siendo que en ellas se pueden ver películas que no participan de competencia alguna y por las que no hay que pagar ni un centavo para ello, quizás sean las que están más cerca de no tener otro motivo que el de celebrar su existencia misma, o lo que es lo mismo, de celebrar el cine por el cine y hacer de ello algo extensivo, pues ¿hay cine si nadie lo ve?

El espíritu del cine

Dentro de estas películas en programa, hay una que venía ya anticipada por un eco de festivales anteriores a lo largo y ancho del mundo. Cerrar los ojos, la nueva película de Víctor Erice después de casi cuarenta años sin filmar, se había convertido para muchos en una cita obligatoria.

Presentada por sus productores argentinos y responsables de la inclusión de la actríz Soledad Villamil en el proyecto, que dieron también un mensaje del mismísimo director para la audiencia, desde el comienzo la película contiene en sí la justificación para estar frente a una pantalla de cine, cuando vemos un plano fijo extenso y profundo de una habitación que parece no terminar nunca, bañada por una luz mortecina y mostrando a unos personajes melancólicos y abatidos, todo lo cual nos recuerda en su conjunto al Orson Welles de Una historia inmortal, película que se filmó en España y también tenía rasgos orientales.

En la nueva obra de Erice, un actor desaparece en medio de un rodaje. Lo último que se sabe de él es que ha dejado un auto abandonado y un par de zapatos al borde de un acantilado, para desaparecer por completo sin indicio alguno. Después de 20 años sin que nadie tenga noticias ni explicación del suceso, su hija, la conductora de un programa de televisión y en especial su amigo Miguel, director de la película en donde estaba actuando al momento de desaparecer, entablan una conversación y aúnan esfuerzos para saber si alguien que han reportado sin identidad ni memoria, en un pueblo a la vera del mar, puede ser él.

El trabajo con los materiales del cine y la reflexión en torno al celuloide como soporte de la historia, la memoria individual y colectiva, y la pregunta por qué o quién sea lo que nombramos, serán la trama de fondo de esta historia, en apariencia lineal, pero que se compone de capas y capas de preguntas que van quedando como mojones poéticos, que se enredan y desenvuelven en la cruzada de Miguel en nombre de la amistad y de su amigo.

El ejercicio de ver esta película podría ser un fin en sí mismo: las texturas, los colores, las luces y las sombras, el modo en que Erice se toma el tiempo para la construcción de este universo sensible (porque ciertamente no es una película que ande a las apuradas), cada una de estas cosas que resplandece en la pantalla, parece tocarnos la mirada en cada plano. Pero hay un paso que da Erice para que no se trate solo de una superficie de luz y una pantalla. Finalmente parece decirnos que es tan importante mirar con los ojos abiertos, como poder cerrarlos. ¿Qué evocación es la que permite este modo de ver? Se trata, siempre, de escudriñar en nuestra interioridad… pero la pregunta que subyace sigue en pie: ¿quiénes somos? ¿qué dice nuestro nombre de nosotros? ¿cuál es nuestra historia? y lo más importante,  ¿es posible decir algo? ¿dónde se aloja, en qué parte nuestra, aquello que nos caracteriza e identifica?

Quizás el cine tenga una respuesta. O al menos se aproxime a alguna de ellas.

Las fotos que ilustran el comentario de Cerrar los ojos, de Matías Lapezzata, crítico invitado de otrasyerbasrock.com y actualmente cubriendo el 38 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, son de Manolo Pavón.

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Las competencias del festival trazan una geografía en términos nominales: películas de la Competencia Argentina podrían estar dentro de la Competencia Latinoamericana, que a su vez, como si de una teoría de conjuntos se tratase, podría estar dentro de la Competencia Internacional. Pero a la hora de ver las películas que cada categoría agrupa, podemos decir que la geografía que representa cada trabajo es la del territorio del mundo, quizás para recordar y confirmar aquella sentencia que expresaba que el cine es un país sin bandera. Pero desde el tiempo en que aquello fue expresado, cuando el cine podía obtener un registro al modo de una huella de lo real, hasta nuestros días, el universo de las producciones cinematográficas ha cambiado a tal punto que en la actualidad, esas difusas fronteras pueden dar como resultado un conjunto de películas hermanadas en su forma, en su estilo y contenido, prescindiendo de su origen o locación, producto de ser más o menos obediente al capital financiero. Es un hecho incuestionable que para filmar una película, en general y con contadas excepciones, hace falta dinero y recursos materiales excepcionales. ¿Quiénes filman? ¿Cómo? La presencia de Netflix en varias de las producciones en competencia sirve como muestra, no como dato sino como modo de constatar la incidencia en las formas. Vale recordar las últimas películas de dos cineasta importantes de nuestra era, cuando visitan las oficinas de Netflix en busca de recursos, exponiendo cada uno a su modo las diatribas de su conciencia en pos de la concreción de su obra, y sopesando las implicancias para las ideas según de donde provenga el dinero. Primero Suleiman en las oficinas de París, y luego Moretti en las oficinas de Roma, ambos rechazando la estandarización a la que la financiación los invita.

En competencia

Adentro mío estoy bailando fue la película con la que inauguró la Competencia Argentina. La producción de la dupla en dirección de Leandro Koch y Paloma Schachmann, comienza en Buenos Aires en el seno de la comunidad judía, y con el pasar de los minutos, conducidos por la fuerza de una narrativa que simula pensar en vivo, al modo de un falso documental, nos veremos viajando por Austria y desde allí a Rumania y Moldavia, en busca de registros audiovisuales de intérpretes de la música klezmer, que ya nadie parece saber tocar y ha ido desapareciendo de la cultura judía de la mano del olvido del yiddish. Es una película que recupera a su modo la premisa que Welles expresara en F for Fake promediando los ‘70, cuando afirma que el cine es una gran mentira ¿o lo decía más bien del arte? Como sea, a partir de una anécdota que nace de una mentira de nuestro protagonista, una voz en off da comienzo al relato. Lo curioso es que esta voz que pretende narrar la película, y que es de una profesora de yiddish que lee un cuento, narra una historia ambientada en un tiempo pretérito, que nada tiene que ver con lo que la película nos muestra, al menos en su literalidad. Y así, entre narraciones y encuentros de toda clase, incluidos músicos autodidactas y profesionales, musicólogos, familiares y personajes propios del mundo de la producción cinematográfica, lo que que resulta es una historia de amor entre un chico y una chica, pero todavía más por la música y la historia de su pueblo, o por la aventura de lanzarse a su encuentro.

Cozarinsky – Ferro: autores

Otra película argentina se muestra sobre el comienzo del festival, esta vez, en la sección Autores y Autoras, una categoría fuera de competencia y que destaca y apela a mostrar mundos de miradas y trayectorias singulares. Dueto, la película en cuestión, es un relato libre y desprejuiciado que intenta acercarse a la representación de la amistad, o a mostrar que sea aquello que llamamos por ese nombre. Ante la urgencia que supone para una vida con un recorrido ya hecho, el horizonte de muerte que nos acompaña desde que nacemos, Cozarinsky y Ferro se juntan en un proyecto común que historiza e indaga en su vínculo, pero apelando a un juego de formas que los conduce juntos al universo del cine: montaje y ficción a partir de lo real, construyen un relato desaforado, vertiginoso, lúdico y sensible que construye formas poéticas, que indaga sobre el mundo y nos cuenta, entre otras cosas, acerca de lo importante de hacer cosas junto a otros.

Crónica desde Mar del Plata de Matías Lapezzata. Crítico acreditado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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Las competencias han dado inicio, y no es casualidad que en la previa a la Sexta Edición del Foro de Cine y Perspectiva de Género, espacio de discusión que parece haber llegado para quedarse al festival, las primeras funciones tengan como protagonistas a las mujeres.

Tal es el caso de la primera función del día, en la proyección inaugural de la Competencia Internacional con el estreno mundial de Elena sabe, la nueva película de Anahí Berneri, reconocida directora argentina que tiene en su haber, entre otras, Alanís, con Sofía Gala Castiglioni. Protagonizada por Mercedes Morán y Érica Rivas, la película narra el devenir de una madre en busca de una respuesta, al tiempo que se pone en jaque la historia de toda una vida. En palabras de la directora, se ha intentado contar una historia de y por mujeres, por fuera de los modelos hegemónicos y políticamente correctos, para dar lugar a un relato que pueda pensar a sus personajes por fuera de lo establecido y sin estigmas. Mercedes Morán y Érica Rivas, madre e hija respectivamente, pondrán en escena lo complejo de lidiar con determinados mandatos, y las dificultades que atraviesa su vínculo cuando, en determinado momento, una hija queda a cargo de su madre, en una inversión de roles inesperada y dificil de asimilar, que pone en relieve también los obstáculos incesantes que las vidas tienen que enfrentar en lo cotidiano: el viaje en un tren, o un trámite en un hospital, son empresas que requieren de una energía y una integridad descomunal.La cámara de Berneri, pegada al cuerpo de Morán y en tomas cerradas siempre sigue desde atrás el andar a los tropiezos de una madre con voluntad de hierro, que busca una explicación para la muerte de su hija. Es una película de factoría industrial, que con maestría y oficio através de un montaje que vieja en el tiempo, ensambla la historia y los mundos interiores de la pareja protagonista, para descubrir aquello que no siempre se quiere ver. Se vive como se puede, parece decir alguien sobre el final, cosa que nunca es poco. Tendrá su estreno en las salas de Córdoba el próximo 16 de noviembre, y el 26 de noviembre en la Netflix, compañía que la produce y que ha aportado en buena medida a esta nueva edición del festival.

Alineada entonces con esta perspectiva, y conformando un cuerpo discursivo que se extiende a todas las áreas del festival, hoy también se proyectó la primera de las películas de la Competencia Latinoamericana. Dirigida por Paula Hernández, que tiene en su haber películas como Los sonámbulos y Las siamesas, protagonizada por Alfredo Castro y Almudena González, El viento que arrasa es también una adaptación de una novela homónima, en este caso de Selva Almada. Leni, una mujer de 18 años, lleva una vida nómade junto a su padre, el reverendo Pearson, quien la conduce por algunos recónditos lugares del noreste argentino, predicando la palabra de Dios en un monólogo que dirige incansable a propios y ajenos, en una época indeterminada pero donde se reconoce una marca, pues la música se escucha en casetes. Y será la música justamente el disparador, entre otros, de una crisis que lleve a Leni a preguntarse quién es y qué puede hacer con su propia vida, en un viaje que tiene como telón de fondo el inmenso cielo y la formación gradual de una tormenta. Abandonando los interiores y los planos cerrados de sus producciones anteriores, en esta nueva entrega Hernandez trabaja en un espacio abierto, quizás como contraplano de la interioridad de sus personajes, que en ese desplazamiento por una geografía que se extiende siempre un poco más allá, ven movilizadas y puestas en crisis sus propias subjetividades. Leni, en tránsito a otra dimensión de su vida como mujer, despierta al mundo bajo el nuevo sonido de un casete que obtiene de casualidad, recordándonos, entre otras cosas, la potencia de quiebre que puede alojar, en una canción, la música.

Crónica desde Mar del Plata de Matías Lapezzata. Crítico acreditado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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